Symanowski, K. Violín and piano Works. Sueye Park, violín. Roland Pöntinen, piano

BIS 2652 · DDD · 68’ · ****

Los oyentes amantes de la música casi indescriptible de Karol Szymanowski seguramente disfrutarán de este disco que recopila casi toda obra completa para violín y piano, faltan algunas transcripciones, así que se puede dar por completo. Su juvenil Sonata, Op.9 ; su Romance, op.23; sus Mitos, op.30 ; Nocturno y Tarantela, Op.28;  además de La Berceuse d’Aïtacho Enia, Op.52. Todas ellas Interpretadas con poder y sensibilidad por la violinista Sueye Park y Roland Pöntinen al piano. Aquí la música de Szymanowski resulta profundamente idiosincrásica y totalmente persuasiva. Con su técnica formidable, su intensa expresividad y su vivo sentido del ritmo, Park resulta un violinista ideal para esta música, mientras que Pöntinen, con su técnica tan lograda y su vivo sentido del ritmo, además de su infalible sentido de la forma, es su pareja ideal. No todos los oyentes están aún identificados con el genio polaco, ni siquiera aquellos que ya están enamorados de la música artística europea del Siglo XX. Aún, misteriosamente, está por descubrir por muchos, lo que hace estas producciones más interesantes y este disco será una escucha obligatoria. La literatura de Szymanowski está inexcusablemente ausente de las salas de recitales globales. Su estrecha relación de trabajo con el violinista Paul Kochanski aseguró que todo lo que Szymanowski escribiera para el violín fuera completamente idiomático para el instrumento y estuviera lleno de su característica pasión e introspección polaca. Nos encontramos con lenguaje romántico en la Sonata, impresionismo no del todo tonal en sus Mitos, archimodernista y neotonal en la Berceuse; Szymanowski es todos estos compositores y más, y lo mejor de todo, siempre es él mismo y siempre convincente. Park tiene un tono grande y apasionado cuando es necesario; un tono dulce y tierno cuando se necesita; y una técnica soberbia todo el tiempo. Es asombrosamente ardiente en la Sonata, profundamente expresiva en el Romance, radiantemente colorida en los Mitos, austeramente luminosa en la Berceuse, palpablemente sensual en el Nocturno y la Tarantela. Pöntinen es tanto un compañero como un acompañante y apoya a Kramer con simpatía y afecto. Este disco sorprenderá a aquellos que conocen la música de Szymanowski y confundirá a aquellos que solo creen conocer su música. El sonido es limpio pero evocador, claro pero cálido y cercano pero vívido.

Luis Suárez

 

Bach, J.S. Varias obras. Claudio Constantini, bandoneón.

Warner Classics · DDD · 55’ · *****

Ya no se puede decir que nos resulte asombroso la adaptación de la música de Bach ante cualquier transcripción a cualquier instrumento. Es algo mágico su capacidad de adaptación ante cualquier circunstancia, y en este caso el bandoneón alemán, argentino de plena adopción, pasa con mayúsculas por el reto, incluso acercándose al sonido del harmonium, un instrumento muy bachiano. Bellas obras archiconocidas del genio alemán pasadas al nuevo sonido, con absoluta genialidad, que podrían pasar por escritas mismamente para él mismo.

La técnica de Constantini es más que asombrosa; es impresionante en su virtuosismo. Desde sus manos increíblemente independientes donde las interpretaciones resultan asombrosas en su profundidad. Desde el furioso furor de la Tocata y la Fuga en re menor hasta la sublime exaltación de Jesu Joy of Man´s Desiring bwv.147 hasta el furor extático de la Fantasía Cromática y Fuga bwv.903 en re menor, las grabaciones de Warner Classics son igualmente más que asombrosas; es espectacular en su realidad. Cada combinación de paradas y registros, cada gradación de tono, desde una melodía susurrada hasta un oboe y orquesta pasado al bandoneón en el Concerto bwv.947 se realiza en un sonido estupendo, colocando al oyente en el mundo de Bach, como si de los originales se tratase. Desde los intentos de abarcar el mundo del órgano, hasta los estudios en armonía cromática, hasta los tratamientos reverenciales silenciosos. Nada de esto quiere decir que su enfoque sea simplemente académico. En muchos casos, Constantini da vida a esta música. Presenta pasajes virtuosos en los jubilosos movimientos exteriores, como expresivos recitativos en los tempos lentos, que tienen el registro brillante y transparente de la época barroca. Puro disfrute.

Luis Suárez

 

Mahler, Gustav. Sinfonía nº9. Minnesota Orchestra. Osmo Vänskä, director.

BIS 2476 · DDD SACD · 81’ · *****

Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota continúan su brillante recorrido por las sinfonías de Gustav Mahler con la Sinfonía n.º 9, penúltima entrega de producción compositiva en el género. Vänskä y la orquesta se encuentran entre los mejores exponentes de la música de Mahler y sus interpretaciones compiten con las mejores grabaciones, pasadas y presentes. La interpretación aquí es intensamente enfocada y absolutamente cautivadora, y la ejecución es apasionada e inquietantemente vívida en el formato multicanal, por lo que los oyentes que adoraron las excepcionales versiones analógicas de Solti y Tennstedt o las modernas grabaciones digitales de Abbado, Tilson Thomas y Pappano pueden estar seguros que la versión para audiófilos de Vänskä tiene la misma calidad.

Esta es una excelente Novena de Mahler; Osmo Vänskä a menudo hace que las voces internas se vuelvan perturbadoras, pero convence a las cuerdas para que suenen tanto dulces como espeluznantes en su uso intensivo del portamento; y es escrupuloso en extraer casi hasta el último detalle significativo en este trabajo monumental. Desde la apertura completamente silenciosa y siniestra, hasta las trágicas páginas finales, esta lectura es caleidoscópica al capturar el rango emocional oscuro y sardónico. El final se presenta con el sentimiento necesario de lucha desesperada y finalmente resignación pacífica; y en el primer movimiento, después del clímax aplastante, ya que la música deshilachada pero hermosa lucha por mantener la compostura pero sufre otra derrota. Los movimientos internos resultan tan impresionantes como los trágicos exteriores, también, con un poco más de peso de lo habitual en el Scherzo. No es de extrañar que la Orquesta de Minnesota responda de manera asombrosa, superando todos los desafíos técnicos. Entiende completamente el estado de ánimo torturado de Mahler aquí: angustiado y desesperado en esta música, el compositor estaba fracasando debido tanto a una grave dolencia cardíaca como a su miedo irrazonable al número nueve. Los directores, entonces, deben transmitir mucha pasión y desesperación, y Vänskä proporciona ambas, pero sin sonar tan neurótico como, digamos, el igualmente convincente de otras grabaciones como la be Bernstein. El sonido es excelente y las notas de libreto son esclarecedoras.

Luis Suárez

 

Danny Elfman: Violin Concerto “Eleven Eleven”. Adolphus Hailstork: Piano Concerto No. 1. Sandy Cameron, Violin. Stewart Goodyear, Piano. Buffalo Philharmonic Orchestra. JoAnn Falletta, conductor.

NAXOS · DDD · 65’ · *****

El compositor estadounidense Danny Elfman (nacido en 1953), que ya compuso partituras para más de 100 películas, incluida Pee-Wee's Big Adventure y la mayor parte del equipo de Tim Burton (sin mencionar el tema de Los Simpson). También fue el cantante principal de la banda de rock Oingo Boingo. A pesar de este impresionante historial, se apoderó de él más o menos espontáneamente del deseo de escribir música orquestal abstracta, y este ya indispensable “Concierto” le proporcionó los primeros Frutos exitosos del impulso. En términos generales, las incursiones en la música abstracta por parte de compositores de películas han arrojado resultados menos que impresionantes. Elfman, aparentemente ha conseguido un logro considerable desde el principio, como se puede ver también en varias grabaciones de la obra. El truco parece estar en que no descarta sus influencias cinematográficas. El “Concierto para violín "Eleven Eleven", llamado así porque su partitura contiene 1111 compases (y el propio nombre de Elfman contiene la palabra alemana para "11"), tiene varios momentos cinematográficos, pero también es impresionante en términos de forma general. Tiene cuatro movimientos de tamaño sustancial (no hay concesión alguna a la tendencia de longitud moderada de las obras cruzadas), y el diseño es inusual, con movimientos neorrománticos exteriores flanqueando a los centrales más disonantes. Lo más sorprendente de todo es la integración de Elfman del violín solo en su concepto general. Ciertamente, él ha escrito para violín solo antes en bandas sonoras de películas, pero la coherencia de la configuración de solo-tutti aquí es asombrosa si se considera que Elfman nunca antes había intentado algo como esto. Parte del éxito se debe a la violinista Sandy Cameron, para quien fue escrita la obra; claramente se ha tomado el tiempo de conocerla bien, y sus presentaciones en vivo de la obra prometen mucho. Pruebe el final, que comienza con un vigor travieso similar al de Shostakovich, luego se desanima gradualmente y termina en una melancolía en toda regla. El concierto está lleno de efectos orquestales inusuales (como golpes de contrabajo de percusión) que uno esperaría de Elfman.

En contraste del disco nos encontramos con una obra desconocida, que no por ello menos atractiva, de la música del compositor Adolphus Hailstork (nacido en 1941), su “Concierto para Piano nº1” que tiende a reflejar su herencia afroamericana no en la cita directa de material melódico o rítmico sino en la elaboración estructural de características comunes en la tradición. Hailstork es un conservador estilístico cuya música ampliamente atractiva incorpora una gran cantidad de artesanía, y esta obra bajo la dirección de JoAnn Falletta, ofrece una buena introducción a su trabajo. El pianista Stewart Goodyear tiene una habilidad inusual para combinar el repertorio tradicional y el contemporáneo.  Con actuaciones vivaces, que reúne música diversa de una manera nueva y absorbente, esta es otra entrega indispensable en la serie American Classics de Naxos.

Luis Suárez

György Ligeti. Quartets nº1 & 2. Andante and Allegro. Quatuor Diotima.

PENTATONE 5187061 · DDD · 54’ · *****

György Ligeti dejó dos cuartetos de cuerda propiamente dichos; el nº1, subtitulado "Metamorphoses nocturnes", fue escrito en 1953-1954, pero no se escuchó hasta 1957 cuando lo interpretó el Ramor Quartet en Viena. Esta obra se esperaría alrededor de otras tres décadas antes de obtener una segunda audiencia, pero desde entonces ha sido grabado muchas veces. El nº2 es obra muy famosa perteneciente plenamente a la etapa de madurez de Ligeti; fue encargado por el Cuarteto La Salle y se escuchó por primera vez en Baden-Baden en 1969. El “Andante y el Allegretto”, campechanos, casi románticos, llamados en otros lugares "Dos movimientos para cuarteto de cuerdas", son obras muy tempranas de Ligeti que datan de 1950.

El Quartuor Diotima es un cuarteto intrépido, bien disciplinado y sumamente confiado. La música de Ligeti parece apelar a la impetuosidad del grupo y tiene una cantidad más que suficiente de músculo, autocontrol y sensibilidad para dominar estos cuartetos altamente dinámicos y desafiantes del siglo XX. El “Segundo Cuarteto” es particularmente difícil; hay un punto en el primer movimiento Allegro nervoso donde el cuarteto ya está muy ocupado tocando figuras rápidas a un nivel de sub-pianissimo y tiene que cambiar, en el aviso de una mera línea de compás, a fortissimo sin cambiar esencialmente las notas que se están tocando. Interpretan este audio equivalente a un corte de salto cinematográfico en una horquilla, y toda la música está completamente bien explicada sin complicaciones, sin desorden, con precisión experta y con un considerable talento para el drama. Asimismo aportan el mismo nivel de cuidado y atención a todo el programa, incluso a los más sencillos y modestos “Andante y Allegretto” que sirve de intermezzo al álbum. Grandes ejemplos de la producción de uno de los mejores compositores del Siglo XX y de todos los tiempos.

Luis Suárez

 

 

Mahler, Gustav. Sinfonía nº5. Orquesta Sinfónica de Montreal. Rafael Payare, director.

PENTATONE 5187067 · DDD · 74’ · *****

De nuevo la que es probablemente la obra más popular de Mahler, esta vez con el debut discográfico del director venezolano, Rafael Payare al frente de la Orquesta Sinfónica de Montreal. Los fanáticos del compositor bohemio – austriaco y estudiantes de esta pieza pueden querer escucharla seriamente, ya que el director obtiene una respuesta entusiasta de sus intérpretes. Los metales son especialmente dignos de elogio, ya que muestran una impresionante variedad de timbres. Los instrumentos de viento de madera y cuerdas transmiten completamente en los pasajes más suaves del "Trauermarsch" y el segundo movimiento. Toda la orquesta está a la altura de las circunstancias en el Scherzo y sus colores siguen siendo distintivos y vívidos para los movimientos restantes de la sinfonía. Le da al Adagietto un ligero ritmo de movimiento, aunque la amplitud de este movimiento ardiente se sostiene de manera convincente a través de las líneas suaves e ininterrumpidas de las cuerdas. El Rondo-Finale es el punto culminante de este disco, y el tour de force contrapuntístico de Mahler se entrega con claridad y vitalidad.

Payare se destaca como un intérprete original y perspicaz de Mahler, dirige con seguridad y emoción, capturando las sonoridades de la orquesta vívidamente. Otra versión más para la larga colección.

Luis Suárez

 

Mahler 4 – Sinfonía nº4, versión de càmera. Camerata Gala (Fundación Antonio Gala) Raquel Lojendio, soprano. Alejandro Muñoz, director.

IBS CLASSICAL 142022 · DDD · 62’ · *****

De las sinfonías de Gustav Mahler, la “Sinfonía nº 4” en sol mayor es la de carácter más neoclásico, la expresión más alegre y la forma más compacta, todo lo cual la convierte en la más accesible del ciclo. Debido a que los efectos de Mahler están calculados con precisión, la música invita a pocas libertades, y las interpretaciones de la sinfonía tienden a ser bastante similares en estilo y ritmo; en consecuencia, Alejandro Muñoz y la Camerata Gala ofrecen una interpretación meticulosa que se parece a muchas otras en la interpretación y no genera controversia en la ejecución. La única ventaja de esta grabación sobre otras de valor musical comparable es la maravillosa calidad de sonido, que son especialmente buenos para resaltar la brillante re-orquestación de Carlos Domínguez-Nieto y capturar los timbres y la dinámica refinados de la orquesta de cámara. El canto de la soprano Luba Raquel Lojendio en el cuarto movimiento también se presenta con gran claridad y calidez, por la belleza del canto, la profundidad sonora del conjunto y la sutileza de la dirección, esta es una excelente grabación.

Debido a la gran cantidad de grabaciones de la obra no exactamente una necesidad, al menos un interés en escuchar la obra nuevamente en formato original. A la cálida expresividad y la interpretación de la Camerata se une la excelencia técnica de su interpretación, tan amorosa como lúcida, siempre un buen equilibrio en Mahler interpretado con una alegría, un entusiasmo y un espíritu de asombro deliciosos.

Luis Suárez