Lationamerican dances for saxophone and piano. Obras de Jean Françaix, Astor Piazzolla, Darius Milhaud, Maurice C. Whitney, Heitor Villa-Lobos, Paquito D'Rivera. Sándor Rigó, alto y soprano saxofón. Christina Leeb-Grill, piano.

Naxos 8579078 . DDD . 65' · ****RS

Selección de obras clásicas, basadas en el ritmo popular, algunas originales para el conjunto, como la "Fantasía" de Villa-Lobos, y otros de arreglos, como el de Piazzolla, original para flauta sola, entre otra mezcla de composiciones en estilo clásico sacadas de influencias folkóricas. Especie de híbrido de estilos clásico, jazz y folk que encaja muy bien en el enfoque introspectivo y de fusión. El enfoque fluido de algunas composiciones coquetea con la improvisación y el sentido general es de descubrimiento de unas piezas que simbolizan la diveridad del continente americano, bellamente interpretadas, suavemente melódicas y ritmo que encuentran a Rigó y Leeb-Grill perfectamente sintonizados entre sí. Nos encontramos así pues con unas emocionantes interpretacionesde imparable energía rítmica, increíble virtuosismo técnico, perfecta comprensión de la fusión única de la música de elementos clásicos y populares, y luego está su tono dolorosamente hermoso, en lecturas refrescantemente robustas y su entusiasmo aparentemente ilimitado por la música latiomaerica. Cualquier fan del compositor brasileño que aún no tenga las grabaciones de Ortiz debería escuchar estos discos. A destacar la seleción de obras de Paquito D'Rivera que elige deambular libremente por los espectros latinos y del jazz, pero hay una elegancia nueva y atractiva en estas pistas con arreglos fascinantes y oníricos.

Luis Suárez

Antonio Ruiz-Pipó. Guitar Works. Vol.3. Monasterium Guitar Quartet: Hugo Germán Caído. Günther Lebbing, Bernd Kortenkamp, Wolfang Weigel. 

Naxos 8574339 · DDD · 52' · ****RS

Tercera entrega de una serie de la prolífica obra para guitara del granadino Antonio Ruiz-Pipó (1934/1997). Compositor, concertista de piano y musicólogo; escribió principalmente para guitarra, un instrumento que conocía muy bien, Narciso Yepes era el principal dedicatario de sus pentagramas, dejando asimismo composiciones breves para arpa, piano, cuartetos de cuerda, canciones y la pieza sinfónica "El libro de Lejanía".  Como musicólogo, compaginó su trabajo con la investigación musical española. Rescató numerosas obras escritas para clave de los siglos XVII y XVIII. Publicó numerosos trabajos musicológicos siendo colaborador del New Grove Dictionary of Music and Musicians. Desde 1958 empezó a diseñar programas musicales para Radio Canadá-Quebec, Radio France y Radio Nacional de España, una labor que le permitió ingresar en 1962 como profesor en la École Normale de Musique y en el Conservatorio de Música de París.

En este volúmen se compagina su obra para cuarteto de guitarras, con piezas para guitarra sola, destacando primeras grabaciones de algunas de ellas, en una revisión que revela su sólida base tanto en la música clásica como en la popular, y dejando en manos de Monasteriun Guitar Quartet, el éxito en las intepretaciones de los mismos encontrando la combinación adecuada, entre piezas más de carácter popular, con las más cercanas a la vanguardia, composiciones de luz y tonalidad contemporánea. Acometen con gran precisión loscambios de textura y color de interés armónico y melódico. Conjunto de poemas tonales que representan diferentes áreas y etapas históricas de España, que aprovecha al máximo las sonoridades del intrsumento para darle a cada movimiento esos colores empleados en esos ritmos de baile españoles distintivos, que son nativos de la tradición popular. El cuarteto de guitarras obtiene asi pues el efecto completo de las composiciones de Ruiz-Pipó, porque la música se adapta muy bien al conjunto. Además, la sensibilidad de la interpretación del cuarteto es excelente, desde la brillante consideración de las evocaciones hasta la danza acentuada pero elegante. La grabación recoge todos los detalles del sonido de los diferentes guitarristas, pero todavía hay un mayor sentido del conjunto como un todo en lugar de los intérpretes individuales. 

Luis Suárez

Paul Wranitzky. Orchestral Works, Vol.2. Czech Chamber Philarmonic Orchestra. Symphonies "la Tempesta" op.16, nº2; Op.33, nº3. Der Schreiner, Overture. Marek Stilec, Conductor.

NAXOS 8574255 · DDD · 73' · *****R

Segund aentrega por parte de Naxos de la obra orquestal del compositor checo - austriaco Paul Wranitzky, autor de numerosas óperas y sinfonías. Durante algún tiempo, ha sido considerado una joya escondida entre los que lo conocen; incluso a finales del siglo XIX, Fétis escribió que su trabajo podía hacer frente al de Haydn. Trabajó para la familia Esterhazy y recibió encargos de la familia Habsburgo, sino que también dirigió los estrenos de la "Creación" de Haydn y la Sinfonía núm. 1 de Beethoven. Sin embargo, después de su muerte en 1808, la reputación de Wranitzky se desvaneció rápidamente, y es principalmente recordado como uno de la multitud de compositores clásicos austríacos que no se consideran en la misma liga que Mozart, Haydn y Beethoven. Su música era de vanguardia para la década de 1790, y hay indicios aquí y allá de que Beethoven la escuchó con atención. Este lanzamiento es el segundo de una serie de la Orquesta Filarmónica de Cámara Checa Pardubice. El trabajo de Wranitzky es un poco desigual, como ocurre con muchos compositores muy prolíficos, pero aquí hay una verdadera obra maestra, la Sinfonía en re menor, "La tempesta". Como sugiere el título, representa una tormenta y es completamente original en su construcción. La tormenta pasa de una especie de atmósfera amenazante general al principio a un final monotemático episódico en el que truenos y relámpagos estallan con redobles de timbales a gran escala, retroceden y retrasan bastante juguetonamente el claro y el canto de los pájaros representados en una pequeña coda en Re mayor. La "Sinfonía, op. 33 nº3", de varios años después, es una pieza mucho más fuerte en la vena postclásica con un movimiento lento fluido y un manejo efectivo de los vientos en todas partes que no se parece a Haydn o Mozart. También hay presente u pequeño extracto de ópera en la obertura que comienza el disco que sugiere que el talento de Wranitzky puede haber estado en la dirección de la música dramática. El director Marek Štilec está atento al ingenio y la originalidad de la música, y la orquesta toca limpiamente. El álbum en su conjunto hace que uno quiera escuchar más del trabajo de Wranitzky, y tal vez haya más en camino de este grupo y los amantes del Clásico tardío estarán interesados ​​en este lanzamiento, que contiene música que el joven Beethoven seguramente habría conocido.

Luis Suárez 

Varèse, Ligeti, Lutoslawski, Baldini. Obras Orquestales y para Violín y Orquesta. Munich Radio Orchestra. UC David Symphony Orchestra. Miranda Cuckson, violín. Maxilian Haft, violín. Christian Baldini, Director.

Centaur Records 3879 · ORF · DDD · 77' · *****R

Nos encontramos con obras pioneras para orquesta y para violín y orquesta. Lutoslawski, Varèse y Ligeti ciertamente no necesitan presentación y el director Christian Baldini demuestra ser también un compositor de primer nivel. Dos magníficas violinistas, Miranda Cuckson y Maximilian Haft son los intérpretes destacados. Baldini dirige regularmente varias orquestas internacionales, incluyendo la Munich Radio Orchestra.

Los oyentes que buscan una buena elección para comenzar a familiarizarse con la música del compositor húngaro György Ligeti no pueden buscar más allá, con las fuerzas involucradas, el violín y la orquesta sinfónica abarcan tanto los propios orígenes centroeuropeos de Ligeti como el profundo efecto que sus obras han tenido en la escuela europea contemporánea; uno esperaría que todos lo hicieran bien con estas cosas técnicamente difíciles, y lo hacen. Y la selección de obras es ideal. Está el gran éxito orquestal de Ligeti que refleja la tendencia del compositor a comenzar con una sonoridad simple como un unísono y desarrollar un mundo tonal único paso a paso (la belleza de Ligeti es que no se puede clasificar fácilmente como tonal o atonal). Presentado en su forma de cinco movimientos de 1993, supone un tour de force técnico en el que tanto el solista como los músicos orquestales deben ejecutar efectos desafinados difíciles. Abundan las sonoridades inusuales; las ocarinas agrupadas en el segundo movimiento son presumiblemente únicas en el repertorio. Y precisamente en el centro de la obra hay una sorprendente representación del caos musical. 

La elección del repertorio para este álbum está perfectamente seleccionada por varias razones. Para empezar, la secuencia cronológica de Varèse a Ligeti y Lutoslawski muestra brillantemente el linaje a menudo subestimado de los grandes compositores europeos del Siglo XX. Las obras de estos tres gigantes se adaptan perfectamente a la propia carrera musical de Baldini, que sintetiza interpretaciones de composiciones clásicas y vanguardismo rompedor. El Concierto de Lutoslawski "Chain 2 - Diálogo para violín y orquesta", va mucho más allá del rubato y en realidad requiere secciones ad libitum del solista. Es aquí donde las habilidades perfeccionadas en la carrera de dos filos del intéprete realmente pueden brillar. Posee una técnica deslumbrante, una entonación impecable y una comprensión musical profunda. 

En la obras sinfónicas, Incluso con telones de fondo orquestales pianissimo y finamente marcados, la interpretación es a menudo difícil de escuchar a primera vista; se requiere máxima atención y una segunda vuelta para apreciar del todo los logros de Varèse y Baldini. El magnífico repertorio y las brillantes interpretaciones hacen de este álbum una elección adecuada para la mayoría de las colecciones del Siglo XX.

Luis Suárez

12 y 13 agosto del 2021

Abadía del Monasteri Santes Creus, Aiguamurcia, Tarragona.

Festival 1º Jordi Savall

Desde el rojo brillante al blanco grisáceo.

LA CAPELLA REIAL DE CATALUNYA: Elionor Martínez, soprano; Anaïs Oliveras, soprano; Eulàlia Fantova, mezzosoprano; Víctor Sordo, tenor; Lluís Vilamajó, tenor; Javier Jiménez-Cuevas, barítono. – HESPÈRION XXI: Pierre Hamon, flautas; Efrén López; laud medieval y viola de roda; Andrew Lawrence-King, arpa y saltiri; Dimitri Psonis, santir, guitarra morisca y campanas; Pedro Estevan, percusión; Jordi Savall, viola de gamba y dirección

El "Llibre Vermell de Montserrat" es un valioso códice del mítico monasterio catalán que fue destrozado por las fuerzas de Napoleón; escapó de la destrucción sólo porque había sido prestado el día del ataque, según cuentan las crónicas. Es único e inusual entre los manuscritos medievales de varias maneras, una es que incluía lo que podrían llamarse notas de uso: algunas de las piezas se presentan listas para usar por los peregrinos, hombres y mujeres, que vinieron a ver a la Virgen Negra (Moreneta) del monasterio. Hay una gran variedad de música, desde el canto, a uno o más motetes que se asemejan al modelo parisino multitextural, a los bailes, con textos en latín, occitano y catalán antiguo. La colección está muy bien explicada en las notas al programa y en las dos legendarias grabaciones que Savall puso en el mercado internacional (1978/2013), y le da al oyente una idea del universo musical medieval en su conjunto. Aunque en este caso falten algunos de los instrumentos de los mencionados registros, las piezas de Libre Vermell, como resultado, suenan todas como un conjunto. El estudio y ejecución aportada en el Festival resultaron bastante circunspectos, agregando acompañamientos instrumentales a piezas monódicas de una manera no muy alejada de las elecciones comúnmente hechas por otros grupos que interpretan repertorios medievales. Sin embargo, obtienen puntos por su total originalidad. Considere el motete "Mariam Matrem Virgenem" que Savall convierte en un punto de vista nuevo de pieza de veneración, después de que se ha presentado el motete básico. Quizás esto sea una reflexión sobre el poder de lo femenino, reflejado también en la estatua mariana del monasterio. Las piezas de danza asimismo son compactas, y puede que nadie haya tratado esta música medieval de esta manera tan bella antes. Los intérpretes se mantienen admirablemente en sus roles, y resultado es ciertamente embaucador, manipulando la parte sensible de oyente de un manera que parece estar levitando abducido por las naves de la Abadía, incluso en aquellos que estén bien versados ​​en el lado más especulativo de la interpretación musical medieval. También influye en el éxito absoluto la toma de sonido, adecuada al cien por cien al bello recinto, con Jaume II, Pedro "El Grande" y Blanca de Anjou como testigos permanentes. La música parece flotar en el ambiente, destancando aún más su belleza, como si ya no lo fuese suficientemente por sí misma. 

Solistes de LE CONCERT DES NATIONS: Mauro López, violín; David Glidden, viola; Oleguer Aymamí, violonchelo; Xavier Puertas, contrabajo; Francesco Spendolini, clarinete; Javier Bonet, trompa natural; Joaquim Guerra, fagot.

Savall, aprovechando el aniversario beethoveniano, se puso como meta acometer en grabaciones (el conjunto de las "Sinfonías del genio de Bonn, exeptuando la polémica restauración de la Décima) y asímismo adentrarse en su repertorio en conciertos. Aquí, los miembros de "Le Concert Des Nations" realmente no lograron capturar el sonido cálido pero espacioso que el propio público de Beethoven habría escuchado de la música de cámara en condiciones ideales. Debido a las condiciones metereológicas de ola de calor, se pasó del Dormitorio del Monasterio, donde en un principio se inba a llevar a cabo la actuación y era más propicio para la música de cámara, a la misma Abadía. Xavier Puertas, al contrabajo, lograba liderar el conjunto de solistas entregados que veían como el sonido que salía de sus intrumentos de época era a su vez tantas veces dispersado por el recinto, sin que se pudiese de verdad ahondar en profundidad en sus méritos, que no fueron pocos, tocando con flexible virtuosismo y evidente deleite. A su vez el repertorio, redondeado con una trasncripción del primer movimiento de la "Sinfonía Doméstica", resultó escaso, apenas pasada la hora de actuación, con la propina de "Tres Contradanzas" de una de las series sin número de opus de Beethoven de cuya exacta serie no quiero acordarme. El alemán tiene una ingente cantidad de obra de cámara para haber aumentado la oferta; al igual que Schubert, anunciado en un principio pero cuya "esponjita" musical fuera absosvida en un último instante. Beethoven no califica como oscuras estas obras de su periodo clásico, pero estos ejemplos de música más ligera, despreciados por el propio Beethoven (al menos en apariencia), se encuentran entre sus músicas menos interpretadas actalmente, pero más populares en su época; una situación de la que Beethoven se quejó más tarde. El Op.20 en su forma de seis movimientos y su elegante tono general, retoma el modelo del divertimenti para vientos de Mozart, y tiene más que ver con las obras cómicas del período medio de Beethoven de lo que el compositor o muchos comentaristas se dan cuenta. Sigue siendo un trabajo suave con una escritura limpia y con pequeños detalles de ingenio, tan agradable para los oyentes ocasionales hoy como lo fue en la época de Beethoven. Las interpretaciones de las dos obras son casi perfectas, y el álbum pertenece a las buenas colecciones de Beethoven. Juntadas las Contradanzas con la visión estereotipada de Ludwig van Beethoven como un "Prometheus, op.43" que asalta el cielo hasta llegar con las misma melodía de una de ellas a la "Heróica" ("Sinfonía, Op.55" rompedora y "Variaciones para piano, op.35", dos obras maestras de su catálogo, puede ser aún más apropiado para los oyentes ocasionales precisamente por eso. Nada aquí es especialmente profundo; incluso el Adagio cantabile del septeto y las Variazioni, tan líricamente efusivos como fueron iterpretados, no tocan la profundidad de las sonatas para piano y los cuartetos de cuerda del compositor de la misma época. Pero con la técnica e interacción del conjunto ejecutor, las piezas emergen tan seductoras como cualquiera de las obras más ligeras de Mozart, aunque con el acento más áspero y el sentido del humor más robusto por el que Beethoven era conocido. 

Luis Suárez

Luis De Pablo. Amicitia. Iñaki Alberdi, acordeón. Bilbao Okestra Sinfonikoa. Ernest Martínez Izquierdo, director. Íñigo Aizpiolea, acordeón 2. Obras de Luis de Pablo. 

IBS CLASSICAL 102021 · 56' · DDD · *****RS

Las piezas de este CD sobre Luis de Pablo han sido recopiladas en honor al compositor afincado en Bilbao, por el solista de acordeón vasco Iñaki Alberdi, sobre toda su producción, original o adaptación para el instrumento a solo o con orquesta. presidente de la Fundación Sax-Ensemble. La producción del destacado miembro del Grupo del 51, destaca por su escritura fuertemente idiomática pero creativa y por su ingenio astuto. Su "The Riflessi" de tres movimientos para acordeón solo es un modelo de humor musicalmente inventivo en su forma más sofisticada. Explota las convenciones estándar del acordeón como parte de una pieza estructuralmente sofisticada. Tanto en esta, como en las otras composiciones a solo ("Tango", "Capricho", "Tres Piezas para dos acordeones") Alberdi ofrece actuaciones llenas de matices y vivacidad. La calidad del sonido es clara, presente y atmosférica. La adaptación de tres de lo movimientos del "Concierto para piano nº2" el acordeón clásico es el punto culminante de las composiciones presentadas, acompañado sólidamente por la Orquesta Sinfónica de Bilbao y Ernest Martínez Izquierdo, el solo de violonchelo es inquietante, profundo y encantador, con un presentimiento de amistad y colaboración entre todas las partes (compositora y ejecutora); por algo lleva el sobrenombre de "Amicita" (breve tratado de amistad y acrodeón). Martínez Izquierdo hace uso de la textura, la repetición y el color orquestal para evocar la atmósfera que presenta riffs melódicos bajo los trazos oscuros del acordeón de Alberdi con su maestría musical, siendo es capaz de obtener los sonidos más inesperados de su  instrumento, oblidando a De Pablo a estudiar profundamente todoas la posiblidades tímbricas del instrumento, y jugando con las expectativas del oyente. 

Luis Suárez

 

Nikolay Myaskovsky. Cello Sonatas. Rimsky-Korsakov. Serenata. Liliana Kehayova, cello

Kristina Miller, piano. DYNAMIC CDS7901 .  DDD · 47' · ****R

Las tres obras de este álbum no son bastante comunes fuera del ámbito ruso; más haberlas juntado constituye un programa satisfactorio de la música del siglo XX que, en general, podría clasificarse como estilísticamente conservadora, pero que, sin embargo, es tan completamente individualista como cualquier obra de vanguardia. La primera Sonata para violonchelo en re menor, op. 12, compuesta por Myaskovsky es justo antes de su primera "denuncia" por parte de Stalin. Estructurada en dos movimientos considerables, sin solución de continuidad, una de las primeras obras en mostrar su personalidad absolutamente distintiva, con la gravedad de su movimiento lento, sus ritmos motores que ocultan una capa futura de amargura y su profunda calidad rusa. La segunda "Sonata, op. 81" ya contiene su estilo más oscuro de obra madura bajo el Régimen Soviético. La tercera pieza es un pequeño ejemplo de miniautura de Korsakov, alegre y desgraciadamente su único acercamiento a este conjunto instrumental y a la música de cámara en particular. Las obras de este disco tienen excelentes interpretaciones con una solista conmovedora acompañada por un pianista completamente entregada. La solista Kehayova tiene el tono grande necesario y la técnica enorme requerida, y no hay duda de que está completamente comprometida con dar lo mejor de sí a las obras. Pero como siempre con Myaskovsky, la nostalgia dolorosa de la música que conduce a una melancolía implacable seguida de una desesperación inevitable. Con la competente interpretación del piano Kristina Miller y una excelente ingeniería por parte de los ingenieros, este es un sólido conjunto de música de cámara del siglo XX.

Luis Suárez