Crusell, Bernhard. Clarinet Quartets. Carlos Casanova, clarinete. Valencia String Quartet.

IMM KLASSIK · DDD · *****

El compositor sueco-finlandés Bernhard Henrik Crusell, activo a principios del siglo XIX, ha recibido varias grabaciones después de décadas de oscuridad casi total. Revelan a un compositor que hizo algo original del lenguaje del clasicismo vienés tardío, vinculando los movimientos de sonata en expansión de Hummel, una influencia mesurada de Beethoven y toques de drama romántico (Crusell se ganaba la vida como músico de ópera) en estructuras de movimiento compactas. Los cuartetos de clarinete en este disco lo muestran en su mejor momento, con el clarinete en relieve de formas distintivas, pero sin pretensiones. Considere la primera pista, donde la introducción del adagio se toca solo con las cuerdas; entra el clarinete con el tema principal del allegro. Bastante simple, pero también inusual, y genera un impulso que Crusell maneja de manera experta a lo largo del movimiento bastante largo. El cuarteto n° 2 en do menor, op.4, es otra joya, un poco ortodoxo, con dos movimientos en Do menor estrechamente enrollados que rodean a los centrales más silenciosos, principalmente en Mi bemol; la “Pastorale”, es una hermosa pieza de calma que cualquier grupo de cámara podría aprender y reservar para un bis misterioso. El clarinetista valenciano Carlos Casanova y los músicos que lo acompañan del Valencia String Quartet, primeros músicos españoles (posiblemente) en abordar estas obras, son técnicamente impecables y hacen ni más ni menos música de la que realmente hay. El sonido digital es cálido, agradable y claro, ofreciendo una hora de música de cámara bien elaborada que cualquier oyente disfrutará, tanto por la calidad de la interpretación en sí como por el descubrimiento de estas joyas, injustamente dejadas, por muchos años, en el baúl de las partituras olvidadas.

Luis Suárez

 

Baroque and modern violín. Varios autores. Anna Urpina, violín. Eva Del Campo, clave. Alberto Rosado, piano.

IBS CLASSICAL 112022 · DDD · 53’ · ****

Nos encontramos ante un proyecto personal de la joven violinista catalana, Anna Urpina. De los programas de mano y las salas de concierto a plasmarlo en cd; así se podría definir un sueño hecho realidad. Un contraste entre los inicios de la forma clásica de la sonata y el incipiente despegue del violín como un instrumento de referencia, en los inicios del Barroco, hasta los “experimentos” compositivos del Siglo XX y XXI. Desde las “Sonatas” de Biber y Darío Castello, pasando por la forma libre de las “Fantasías” de Telemann y las “Variaciones sobre la Folia” de Corelli, intercalando el dodecafonismo de Webern, José Luis Turina, hasta la incipiente producción de Josep María Guix, finalizando con el más que célebre “Spiegel Im Spiegel” de Pärt. En definitiva, ell disco presenta piezas de cámara que abarcan la primera y la reciente época de la producción para el instrumento y contiene parte de la música más pionera hasta sonido experimental de vanguardia. Las obras barrocas son tempestuosas y brillantes e interpretadas con un sentido de lectura brillante y expresiva, así como fáciles de reconciliar con su época, pero también rebosan de una sensación de emoción y frescura. Los materiales de instrucción sobrevivientes de la época dejan claro que el violinista debe improvisar una gran cantidad de ornamentación, y aquí Urpina y Del Campo globalmente los solventan con éxito. Estas interpretaciones son claramente persuasivas. Ponen el foco directamente en el violín, que es donde pertenece en la música altamente solista que estaba destinada a probar los talentos del intérprete en el acto. Ambas parecen subir y bajar juntas en intensidad, produciendo la atmósfera de misterio que fue parte integrante de la imagen del violín durante mucho tiempo.

El atrevimiento de intercalar música barroca con la de Anton Webern puede a algunos oyentes resultar raro pero acertado. La intención es percibir de primera mano la evolución compositiva. La música escogida para tal efecto era nueva entonces, por lo que la mayor parte nunca se había grabado antes. Aunque estas obras, como el caso del dodecafonismo, todavía suena un poco angular, eso puede ser una inclinación interpretativa más que una técnica todo defecto. Lo más importante es que estas actuaciones son tremendamente musicales, suenan ligeras, a veces líricas, ingeniosas, expresivas… Y la mayor parte de estas obras están apasionadamente controladas, profundamente emocional y profundamente espiritual, como en el caso de Guix y Pärt. Todo ello bajo un sonido claro y nítido que ayuda a vislumbrar todas las posibilidades tímbricas y expresivas del cada instrumento.

Luis Suárez

 

Silvestrov, Valentín. Réquiem por Larissa. Priska Eser Sopran, soprano. Jutta Neumann, contralto.  Andreas Hirtreiter, tenor. Wolfgang Klose, bajo. Michael Mantaj, bajo. Chor des Bayerischen Rundfunks. Münchner Rundfunkorchester. Andres Mustonen Dirigent, conductor.

BR KLASSIK · DDD · 60‘ · ****

El compositor ucraniano, Valentin Silvestrov compuso “Réquiem por Larissa” entre 1997 y 1999 en memoria de su esposa, la musicóloga Larissa Bondarenko, fallecida en 1996. Es una obra grande e incesantemente sombría, escrita para coro y orquesta. Comprensiblemente, este Réquiem es hasta cierto punto reflexivo, incorporando temas musicales extraídos de obras más antiguas que tenían un significado especial para la pareja. Si bien aquí se evidencian los tempos típicamente glaciales de Silvestrov, parte de la mitad inicial de la pieza tiene un puntiagudo ángulo que recuerda las técnicas en serie sin involucrarse activamente en ellas. Instrumentalmente, la partitura es oscura, atmosférica e incluso un poco cinematográfico; las partes corales son escasas y mínimamente aplicadas. En Largo, el cuarto movimiento, las voces toman el relevo y se asientan en una textura etérea que suaviza un poco la penumbra, y algunos oyentes, después de llegar a la mitad de la obra ya se habrán desconectado debido a la tenacidad de la sección de apertura. “Réquiem por Larissa” es una pieza intensamente personal interpretada con respeto y cuidado por el coro y la orquesta. A pesar de lo agradables que son el compositor y la interpretación, es difícil ignorar la aparente impresión de que hay algo distante en la música. Definitivamente debería ser escuchado por aquellos que ya están en contacto con la música de Silvestrov; para otros que vienen a Silvestrov por primera vez y ésta, dados los acontecimientos actuales en la patria de Silvestrov y Larissa podría ser una excelente opción.

Luis Suárez

 

Amoroso. Nicole Peña Comas, violonchelo. Damien Lancelle, guitarra. Varios autores.

ARS PRODUKTION 38579 · DDD · 61’ ·*****

De nuevo la violonchelista, Peña Comas, nos presenta otra deliciosa colección de obras para violoncello y piano, en el segundo caso transcritas para guitarra por Damien Lacelle (pareja sentimental de la solista) en gran parte con autores desconocidos, virtuosos europeos compartiendo su experiencia musical, combinados por miniaturas de grandes nombres de la composición, como Schumann, Elgar, Saint-Saëns… El resultado es altamente satisfactorio, entre una mezcla de música clásica tradicional con la de salón y tradicional, englobando el romanticismo conceptual con la afinidad que tienen entre los intérpretes y unos deliciosos arreglos en la guitarra y el violonchelo, haciendo olvidar el piano o la voz del original, que realza sus interpretaciones. En definitiva, un trabajo hermoso, resaltando el apasionamiento y el lirismo en una excelente lectura de cada pentagrama. El violonchelo de Peña Comas se caracteriza por un sonido rico y sonoro que hace que tanto los pasajes líricos, como los más enérgicos sean excepcionalmente hermosos.

Merecen atención piezas misteriosamente menos conocidas, como el “Allegro Aassionatto, op.43” de Saint-Saëns” y sobe todo la elección de compositores/as de menor difusión, como Amy Beach y sobre todo August Nölck (nacido el 9 de enero de 1862 en Lübeck – fallecido el 12 de diciembre de 1928 en Dresde) el cual fue un prolífico compositor, violonchelista virtuoso, pianista y educador musical de la Escuela Alemana del Romanticismo, bien conocido por su repertorio para su instrumento alma mater. Profesor de violonchelo respetado, director del conservatorio de Viena y una voz de la gran tradición violonchelista alemana del siglo XIX. Fue autor de un catálogo de piezas para violonchelo que suman cientos de opus, pero no aparece ninguna mención de su nombre en las historias contemporáneas de violonchelistas famosos. Esta grabación de la música de salón para violonchelo y piano de Nolck debería ayudar a que su música y sus logros vuelvan a llamar la atención de los violonchelistas y el público. Sus obras originales escogidas (“Amoroso, op.160 es el que da nombre a la grabación) son deliciosas y están interpretadas aquí con suma delicadeza. El otro nombre es Georg Eduard Goltermann (nacido el 19 de agosto de 1824 en Hannover – fallecido el 29 de diciembre de 1898) el cual fue un violonchelista, compositor y director de orquesta alemán. Virtuoso del violonchelo de su época, algunas de sus obras fueron muy populares en ese momento y todavía se utilizan con fines didácticos. Goltermann compuso ocho conciertos para violonchelo, de los cuales el cuarto es el más famoso. Su música rara vez se interpreta en conciertos profesionales. Se considera que carece de la musicalidad de los verdaderos conciertos y, aunque ha sido elogiado por su naturaleza melodiosa y agradable. Los estudiantes estudian sus conciertos para aprender la técnica y obtener una comprensión básica del estilo del concierto.

Luis Suárez

 

WALTER GIESEKING. Debussy The first Columbia recordings

APR Columbia Records · AAD 183’

El célebre pianista franco-alemán, Walter (Wilhelm) Gieseking, fue en gran parte autodidacta como pianista. Nació en Francia, y viajó con su familia (su padre era un distinguido médico y entomólogo) por Francia e Italia hasta que se matriculó en el Conservatorio de Hannover, donde quedó bajo la tutela de Karl Leimer, graduándose en 1916. En 1912 (o 1915) Walter Gieseking hizo su debut en Hannover. Fue reclutado por el ejército alemán en 1916, pero escapó del combate actuando en la banda de su regimiento. Después de la guerra, emprendió la vida de un músico en activo, acompañando a cantantes e instrumentistas, tocando en conjuntos de música de cámara y trabajando como entrenador de ópera. Difícilmente pudo evitar la embriagadora atmósfera artística de la Alemania de la posguerra, y se convirtió en un defensor de la nueva música, tocando obras de Arnold Schoenberg, Ferruccio Busoni, Paul Hindemith, K. Szymanowski y H. Pfitzner, cuyo Concierto para piano estrenó bajo la dirección de Fritz Busch en 1923. A partir de 1921 realiza giras por Europa. En 1923 hizo su debut británico en Londres, su debut estadounidense en el Aeolian Hall de Nueva York en febrero de 1926 y su debut en París en 1928. Sus debuts fueron muy aclamados, y el público y la crítica respondieron con entusiasmo a los sutiles matices y la claridad contrapuntística de Gieseking. Después de eso, se presentó regularmente en Estados Unidos y Europa con orquestas y en recitales de solista.

Durante las hostilidades de la Segunda Guerra Mundial, Walter Gieseking, como muchos otros artistas, permaneció en Alemania y también actuó en ocasiones en la Francia ocupada por los nazis. Después de la guerra se convirtió en el centro de la controversia política cuando llegó a Estados Unidos en 1949 para una gira de conciertos; fue acusado de colaboración cultural con el régimen nazi y las protestas públicas forzaron la cancelación de sus actuaciones programadas en el Carnegie Hall de Nueva York. Sin embargo, más tarde fue absuelto por un tribunal aliado en Alemania y pudo reanudar su carrera en Estados Unidos, con el éxito que había disfrutado anteriormente. Apareció nuevamente en un recital del Carnegie Hall en abril de 1953, y hasta su muerte continuó dando numerosas actuaciones en ambos hemisferios.

A esta actividad, Walter Gieseking añadió una intensa agenda de grabaciones, comprometiéndose a grabar en disco la música para piano solista completa de Mozart y los. Conciertos de Beethoven, así como conjuntos completos de obras para piano de Debussy y Ravel. En el momento de su muerte en Londres, Gieseking estaba comprometido en un proyecto para grabar todos loas Sonatas para piano de Beethoven. Grabó la “Sonata para piano n.º 15” de Beethoven y había completado los primeros tres movimientos y, al día siguiente, debía grabar el cuarto. Lamentablemente, murió durante la noche. Sus grabaciones de Debussy y Ravel se consideran puntos de referencia para todos los artistas posteriores. También fue un excelente intérprete de Bach y dejó un impresionante legado de grabaciones del mismo (muchas de ellas de transmisiones alemanas en vivo). Compuso música de cámara e hizo transcripciones para piano de canciones de Richard Strauss. Su autobiografía, “So Wurde ich Pianist”, fue publicada posteriormente. en Wiesbaden (1963).

Walter Gieseking fue uno de los pianistas más extraordinarios de su tiempo. Se dice que fue un pianista natural e intuitivo. Según la leyenda, nunca practicó excepto en su propia mente. Aparentemente, estudiaba la partitura, imaginaba tocarla y luego la interpretaba sin problemas. Se dice que su hábito de pasar horas en total silencio mientras estudiaba partituras frustraba mucho a su esposa. Músico soberbio capaz de interpretaciones profundas de partituras tanto clásicas como modernas, su formación dual germano-francesa le permitió proyectar con la máxima autenticidad las obras maestras de ambas culturas. Destacó particularmente en la música de Mozart, Beethoven, Schubert y Brahms. Fue con el repertorio de maestros franceses que se hizo más famoso. La escritura impresionista para piano de C. Debussy, aquí expuesta, requería el toque más sensible y la atención al color y los matices, y la agudeza de los dedos, el pedaleo imaginativo y, sobre todo, el oído sobrenaturalmente alerta de Gieseking lo convirtieron en un intérprete ideal de esta música. Este volúmen de sus grabaciones para Columbia, entre las décadas de los años 30 y 40, reúne favoritos sentimentales y obras casi desconocidas. Por un lado, están los Preludios al completo Clair de Lune, Réverie y Children's Corner, Estampes, Imágenes, por otro, las tempranas Balada y Nocturno. lLas interpretaciones de las favoritas partituras son de tonos exuberantes y afectuosos, con un legato maravillosamente sostenido y un uso discreto y elegante del pedal sostenido. Gieseking está totalmente bajo la piel de la música de Debussy. Su Rincón de los niños equilibra el ingenio irónico con un profundo afecto, y su vals La plus que lente equilibra la ironía seca y la emoción profunda. El sonido del piano es rico y resonante, con muchos detalles y una presencia asombrosa, a pesar de las condiciones de las épocas de grabación, lo que lleva a destacar la gran recuperación remasterizada digital. Gran tesoro.

Luis Suárez

 

BRAMS, J. – BERG, A.  VIOLIN CONCERTOS. CHRISTIAN TETZLAFF, violin. DEUTSCHES SYMPHONIE-ORCHESTER BERLIN ROBIN TICCIATI, conductor

ODE 1410-2 · DDD · 62’ · ****

Dos obras distantes y cuerpo y forma entre sí y a la vez atractivas para escucharlas juntas, Tetzlaff interpreta a Brahms con una expresión ligera y elevada que es muy atractiva, y su Berg es suave y reflexivo, con una línea transparente que comunica emoción de una manera satisfactoria, similar a una canción. El impulso en ambas interpretaciones es lírico, y los instintos de Tetzlaff para preservar una melodía conectada y suspenderla con poca muestra de esfuerzo hacen que ambos conciertos sean experiencias artísticas maravillosas. La reproducción de la orquesta es rica y cálida, especialmente en la mezcla del conjunto, aunque el violín siempre está al frente y en el centro, y nunca es abrumado por Ticciati en su plenitud o contundencia.

Ambas obras son de las más populares y duraderos de los grandes conciertos para violín del siglo XIX y XX, la familiaridad de los más populares crea un espléndido equilibrio y un maravilloso contraste entre sí. Y, sorprendentemente, el trabajo de Brahms no eclipsa al de Berg. Mientras que el lirismo radiante y las formas dramáticas del Concierto de Brahms son, como siempre, inmensamente agradables, los temas candentes de lamento y el virtuosismo audaz del Concierto de Berg, “a la memoria de un ángel” resultan igualmente agradables a su manera, y al menos en estas interpretaciones excepcionales, suenan casi estéticamente iguales. El crédito de esto debe ir en su mayor parte a Tetzlaff. Su técnica fuerte, su tono dulce y su entusiasmo irresistible lo convierten en un poderoso defensor de cualquier obra que interprete, pero tiene algo que decir sobre ambas obras y, por lo tanto, sus interpretaciones aquí están impulsadas por más que una técnica llamativa. Con el firme apoyo de Ticciati al frente de la Orquesta, Tetzlaff aboga por la igualdad de estas obras. Grabado en sonido digital rico y claro ambas piezas de este disco merecen ser escuchadas por cualquiera que disfrute de los conciertos para violín de ambas tendencias contrapuestas de la Viena entre siglos.

Luis Suárez

 

Henri Tomasi. Complete Violin Works. Stéphanie Moraly, Violin. Romain David, Piano. Orchestre de la Garde républicaine. Sébastien Billard, concuctor

NAXOS  8.579091 · DDD · 61’ · *****

Una gran novedad, digna de agradecer es el disco presente dedicado a la obra completa para violín de Henri Tomasi (1901/71), uno de los grandes compositores franceses del Siglo XX, no siempre del todo reconocido fuera de su país, si exceptuamos algunas obras como sus “Concierto para Trompeta o el de Trombón”, respectivamente. Aquí surge un reconocimiento dentro de un gran sello internacional, de una serie de lanzamientos sobre integrales de su obra, como un próximo lanzamiento de su obra para piano, entre otros. Aquí su obra está interpretada por la gran violinista francesa Stéphanie Moraly, la Orchestre Symphonique de la Garde Républicaine dirigida por Sébastien Billard, y Romain David, piano.

De un estilo cambiante entre sus primeras obras, como “Capriccio” (1931) o su “Poeme” (1923), a su “Concierto Périple d’Ulysse” (1962), no ofrece una revisión no cronológica de su estilo a lo largo de las décadas. La interpretación de Moraly, con un sonido intenso y vibrato en todo momento, mostrando tanto las habilidades técnicas estelares como su habilidad para hacer líneas musicales impolutas, captando el lenguaje del compositor galo. Su “Concierto” está orquestado de manera transparente para mantener clara la parte del violín en todo momento, y dibujado de manera expansiva para resaltar las líneas ricas del solista y la reverencia arrebatadora. Con su penetrante interpretación y fuerte ejecución, Moraly y Romain David, le garantizan a esta obra un lugar en el repertorio. El resto de obras, es extremadamente corto, puras miniaturas, a excepción del “Capriccio” (1930/51), en sus estados de ánimo contrastantes, entre claroscuros y timbres tenues. Gran acierto en elección de obras e interpretaciones.

Luis Suárez

 

Flauta Andina. 20th Century Andean Music for Flute and Piano. Works by Leonardo Cárdenas, Sixto María Durán, Gerardo Guevara, Jacinto Freire, Samuel Zyman. Daniel Velasco, Flute. Ellen R. Sommer, Piano

NAXOS  8.579125 · DDD · 62’ · ****

La rica variedad de colores y ritmos de la cultura y la música de América del Surson una característica esencial de este programa, que se centra principalmente en la música de compositores de los Andes ecuatorianos. Abriendo con la popular “Leyenda Incásica” de Durán, el tema de las danzas ecuatorianas continúa en la “Suite” de Jacinto Freire, que también celebra el vuelo del cóndor. Aquí se puede encontrar virtuosismo, evocaciones de paisajes y expresivas canciones tradicionales, que concluyen con la internacionalmente aclamada “Sonata para flauta nº1” del compositor mexicano Samuel Zyman, que abarca desde la introspección lírica hasta un diálogo intensamente contrapuntístico. Todos los tipos posibles de flauta andina, desde la perspectiva de la música clásica están representados en este resumen de la música de flauta ecuatoriana. Estas obras son universos autocontenidos donde la noción de infinito está contenida en cada partitura y su interacción con el paisaje, la cultura humana o con el mismo silencio. Esos momentos, donde las posibilidades tonales inherentes a la duración de cualquier nota entran en una relación siempre fluctuante con las otras notas en un compás o en una obra basada en la forma en que se tocan, mezclando nacionalismo y música de concierto, en favor de un lirismo tonal que se refleja a sí mismo como en un espejo de agua. Despojada de todo su bagaje lingüístico y técnico, la interpretación de Daniel Velasco y Ellen R. Sommer, e convierte en armonía, completa y plena, coexistiendo, no solo como música sino como estado mental, con todas las cosas. Una verdadera suerte de sacar estas obras y compositores a rodar por todo el mundo, como en cóndor bajando de los Andes a las salas de concierto.

Luis Suárez

 

Haydn Cello Concertos in C & D. Hindemith Trauermusik. Christian Poltéra, cello. Münchener Kammerorchester

BIS-2507 · DDD · 61’ · *****

Este lanzamiento presenta los dos conciertos hermosos y conocidos, para violonchelo de Franz Josef Haydn y la “Música Fúnebre”, de Hindemith, para viola y orquesta (aquí en transcripción para violonchelo) con el brillo de un Stradivarius de época. Una interpretación refinada e idiomática y calidad de sonido excepcional, con plena resonancia, interpretan estas obras con detalles exquisitos y profundidad emocional. En un sentido real, sus interpretaciones son actos de redescubrimiento, ya que los conciertos para violonchelo de Haydn se han convertido en rutinarios debido a demasiadas interpretaciones modernas, y la pieza de Hindemith es conocida por la versión original, lo que da lugar a un mayor interés. El “Concierto para violonchelo n.º 1 en do mayor” de Haydn se consideró perdido hasta su descubrimiento en 1961; el “Concierto para violonchelo n.º 2 en re mayor” sufrió una falsa atribución y su autoría fue debatida hasta la aparición del manuscrito en 1954. Aquí se presentan ambas obras renovados inteligentemente, con el estilo y color apropiados del siglo XVIII. A través de su perspicaz erudición y sensibles interpretaciones. Interesante la inclusión en el programa del Adagio de la “Sinfonía Nº13 in re mayor”, una página de lirismo con el violonchelo de solista.

Hindemith parece casi profético en su escritura muy activa para su instrumento (el que interpretaba), la viola. El sonido del violonchelo sigue siendo fascinante como un ejemplo de su capacidad para resaltar los detalles más pequeños del sonido distintivo en la escritura de instrumentos específicos, con sonoridades memorables. Una verdadera pieza elegiaca, de las más interpretadas de este autor prolífico.

Luis Suárez

 

Juan Durán. (Di) Versos Femeninos. Nuria Lorenzo, mezzosoprano. Alejo Almoedo, piano.

RDC MG-2201 · DDD · 35’ · *****

Producción sobre la música para voz y piano, de uno de los compositores actuales más destacados del panorama nacional, el gallego Juan Durán, cercana a la canción de arte clásico en estilo, en un perfecto conocimiento de las limitaciones y posibilidades del instrumento de la voz, lo que le permite a la mezzo-soprano Nuria Lorenzo dar expresión completa a estas canciones. Los textos son poemas femeninos, de autoras notables de la literatura latina: Julia Uceda, Alfonsina de la Torre, Alfonsina Storni, Rosalía de Castro, Marica Campo y Gabriela Mistral. Todo ello forma una compilación mucho más que agradable, de corta duración que ante la calidad podría haber sido de una selección mayor. Ante la intensidad de los poemas, Lorenzo invierte una lectura con mucho rubato y emoción, principalmente observando el ritmo y la melodía y manteniendo la intensa expresión interpretativa que escuchamos del principio al final, con la complicidad del piano de Amoedo, cuyas partituras son mucho más que el mero acompañamiento. El tándem se adentra en la música con una dicción de la cantante tan perfecta como su entonación; ni una sílaba ni una nota suenan menos que absolutamente naturales. Sus actuaciones están tan bien pensadas como sus emociones se sienten plenamente. Ellos entienden lo que está interpretando tanto con la cabeza como con el corazón en completa complicidad con las poetas escogidas y compositor. El sonido a su vez es limpio y cálidamente presente.

Luis Suárez

 

Burge, John. Works for Strings Orchestra. Thirteen Strings Chamber Orchestra. Joanna G’froerer, Flute. Rachel Mercer, Cello. Kevin Mallon, conductor.

NAXOS  8.579073 · DDD · 63’ · ****

John Burge, compositor canadiense nacido en 1961 y de sobra reconocido en su tierra natal se abre las puertas poco a poco en Europa, resto de América, etc, gracias a grabaciones como ésta por medio de el conjunto orquestal dedicatario de las obras escogidas para orquesta de cuerdas, junto con la flauta y violonchelo de solistas en dos de ellas.  Las cuatro piezas aquí grabadas revelan una voz especialmente original, son obras atractivas que triunfan por completo en sus modestos términos. Si bien es difícil caracterizar los elementos distintivos del estilo de Burge es posible detectar una influencia neoclásica, sin tener por ello que imitar el estilo de los grandes clásicos, con algo quizá de eclecticismo. Con frecuencia superpone este sonido al posimpresionista con un impulso rítmico fuertemente propulsor que recuerda a la música para conjuntos de cuerda de Vaughan Williams o Holst. La pieza para flauta y cuerdas,  “Forgotten Dreams (1995” ), es particularmente hermoso, una evocación delicada y melódicamente memorable de la noche. “One Sail (1993)”, para violonchelo y cuerdas es asímismo hermoso y casto. La “Sinfonia Antiqua (2001)” es de estilo elucente, más tirando al rococó que al clasicismo de Haydn y merece encontrar un lugar en el repertorio de conciertos. “Upper Canada Fiddle Suite (1996 )” es de carácter evocativo y melancólico. Todas la obras bajo el paraguas de la tonalidad son perfectamente ejecutadas con pulcritud y precisión por Kevin Mallon, y solistas.

Luis Suárez

 

LUDVIG NORMAN. Symphony No. 3. Overtures. Oulu Symphony Orchestra. Johannes Gustavsson, conductor.

ONDINE · DDD · 60’ · *****

Compositor, director de orquesta, pianista y profesor de música sueco, Ludvig Norman (1831-1885), conocido como el Brahms sueco, fue, junto con Franz Berwald y Adolf Fredrik Lindblad, uno de los sinfonistas suecos más importantes del siglo XIX.

Ludvig Norman nació en Estocolmo en 1831. Comenzó su educación musical con Lindblad y luego estudió de 1848 a 1852 en el Conservatorio de Leipzig, donde también conoció a Robert Schumann. Desde 1857 enseñó en la Real Academia de Música de Estocolmo. En 1860 se convirtió en director de la Nya harmoniska sällskapet y al año siguiente se convirtió en Kapellmeister en la Royal Swedish Opera. Después de 1881, dirigió los conciertos corales del Musikvorenigen. Estaba casado con la reconocida violinista Wilma Neruda en 1864 y su hijo, Ludwig Norman Neruda, se convirtió en un famoso alpinista. Como director, Norman es recordado por el estreno de la “Cuarta Sinfonía” de Franz Berwald en abril de 1878. Norman compuso una amplia variedad de géneros, incluidas cuatro sinfonías, cuatro oberturas, música incidental, cantatas y música de cámara, así como una gran cantidad de himnos y canciones para coro. Entre sus alumnos se encontraba la organista y compositora Elfrida Andrée (1841-1929). Ludvig Norman murió en 1885, en Estocolmo.

En el CD descubrirá, entre otras cosas, la “Marcha Fúnebre”, compuesta en 1876 en memoriam August Södermann. Johan August Söderman (1832-1876), considerado tradicionalmente como el compositor sueco preeminente de la generación romántica, más conocido por sus canciones y obras corales, basadas en material folclórico, y por su música teatral, como la incidental música de “Marsk Stigs döttrar” de Ludvig Josephson ('La hija del mariscal Stig'), 1866, o su “Svenskt festspel” ('Música de festival sueca'). influencia se puede encontrar en la música de compositores románticos suecos posteriores, Hugo Alfvén y Wilhelm Peterson-Berger. Söderman murió a la edad de 43 años. Desafortunadamente, su magnífica música es prácticamente desconocida fuera de Suecia.

La música de Norman (1831-1885) es ciertamente agradable de escuchar. Está muy en la tradición romántica del siglo XIX. Las dos obras del disco están bien grabadas y estrenadas bajo la dirección de Johannes Gustavsson, con la orquesta finlandesa Oulu Symphony Orchestra. Resulta una buena introducción a la obra de un compositor del siglo XIX poco conocido, más  si te gusta la música de período romántico, mas parecido a Schumann que a Brahms, con quien se le intentó comparar. La grabación exhibe una idea de la ligereza que Norman aporta a toda la obra, con toda la calidez del romanticismo que también da vida a las obras, y la paleta orquestal es de primera categoría.

Luis Suárez

 

11. Nexus Piano Dúo. Mireia Fornells y Miquel Hernández, piano a cuatro manos. Obras de Sor, Balart, Garreta, Costa Nogueras, Martí Cristià, Burgés, Gols, Lamote de Grignon, Blancafort, Massià, Bonet.

FICTA Edicions i Produccions FD0029 · DDD · 60’ · *****

Idea original la de recuperar y registrar obras poco conocidas de once compositores catalanes de diferentes épocas; de ahí el también original y explícito nombre del disco. El equipo de piano a cuatro manos, formado por el reconocido matrimonio, formado por Mireia Fornells y Miquel Hernández. Desde la sorpresa de la “Sonata sobre melodías Suecas”, del reconocido guitarrista en época Fernando Sor, del cual solo se conocía hasta hace poco su vasta producción para su fiel instrumento, así como otras obras de carácter sinfónico (hace poco recuperadas) y varias otras piezas más cortas de compositores que van desde el período Modernista (Manuel Burgés, Juli Garreta) hasta el fin del siglo XX Narcís Bonet), pasando por el Grupo de Barcelona de la Generación del 27 (Ricard Lamote de Grignon). Y los resultados son excelentes con un tono de brillante, sus percepciones profundas, sus texturas claras, su técnica es impecable y, lo mejor de todo, seguramente emocionarán a cualquiera que disfrute de la música para dos pianos en general y de esta música en particular. También los que aprecian el sonido estarán encantados con el sonido digital limpio y detallado. Como lo han hecho muchos otros artistas, aquí se permitem la libertad de elegir qué tipo de música quieren grabar, ya sea un repertorio de dúo de piano estándar o trabajos de investigación del patrimonio cultural. Su primer lanzamiento en este sello es esta colección de obras de compatriotas, muchos de ellos olvidados. El elemento agregado del libreto, realizado por los mismos intérpretes es muy sutil y completa la música al hacer que el ritmo de escucha sea mucho más ágil.

Luis Suárez

Divino Fuego. Músicas de José Español (1694/ 1758). Sonia Gancedo, contralto. Víctor Sordo, tenor. Amarilís Dueñas, violonchelo. Diego Fernández, clavicémbalo.

VN STUDIO · DDD · *****RS

Muy reseñable y recomendada producción de la pareja de notables artistas: Gancedo, Sordo, junto con los nada menos que excelentes Dueñas y Diego Fernández, que nos traen la música del artista, poco o nada conocido, José Español. Músico, poeta y organista de Santo Tomás de Haro, La Rioja. Como bien describe en el libreto, Alessandro Pierozzi, nació a finales del siglo XVII, en lugar desconocido. No se sabe, por falta de documentación, qué cargos desempeñó antes de ser elegido organista y maestro de capilla de la parroquia riojana. Tampoco se puede precisar con exactitud la fecha en que empezó a ocupar este cargo, por no existir en la parroquia el libro de cuentas anterior a 1733. Se puede inferir, sin embargo, que fue elegido en 1731. Se sabe que su antecesor en el cargo, José Eguía, murió entre junio de 1730 y junio de 1731, puesto que, en el libro de cuentas del mayordomo, titulado Cuentas del cuaderno VI, aparece una limosna de ciento ochenta reales dada entre esas fechas a su viuda por la enfermedad del marido ya difunto. Por otro lado, las primeras obras fechadas de José Español en el archivo de la parroquia de Santo Tomás datan precisamente de 1731. En noviembre de 1732 ya era maestro de capilla, pues el 4 de ese mes fue admitido él y su mujer, María Francisca de Lapuente, en la Cofradía de las Benditas Almas del Purgatorio, como era normal entre los demás músicos y sus mujeres.

Se conservan cuarenta y tres obras suyas en español en el archivo de la parroquia de Santo Tomás de Haro. Algunas de las grabadas aquí son primicia de grabación mundial. Murió el 26 de agosto de 1758, y fue enterrado en la parroquia de Santo Tomás con un funeral de diez ducados. Le sucedió en el cargo Domingo Fernández Carrillo, que murió asímismo en 1794.

Las interpretaciones aquí recogidas del repertorio presentan un profundo enfoque contextual que funciona especialmente bien con motetes ceremoniales en un contexto de cámara, en su mayoría acompañados como lo habrían sido para ocasiones festivas, piezas seculares, otras de canto llano y piezas instrumentales que muestran el genio peculiar de Español, todos ellos ligados a la historia más amplia de la pequeña y hermosa ciudad de Haro. A destacar el perfecto engranaje entre los intérpretes, mostrando una conjunción exquisita, con los bellos timbres de Gancedo y Sordo, la maestría de Dueñas y Fernández, todo ello bajo una deliciosa musicalidad que infunde aún más el goce de las piezas por el oyente. A señalar el importante papel musicológico en el redescubrimiento de la música escogida de entre los archivos de la parroquia y en general la grabación, que es ejemplar en términos de demostrar cómo la música barroca española era parte de un mundo más amplio que hasta ahora siempre interpretado en pobre sistema cultural que nos rodea, así como simplemente darse cuenta de sus bellezas. Otro triunfo del interés por la investigación y la profesionalidad de la cantera actual de músicos nacionales.

Luis Suárez

 Reseñas

II Festival Jordi Savall – 11 al 15 de agosto del 2022. Real Monasterio de Santes Creus, Tarragona.

Segunda entrega del Festival Jordi Savall en el entorno único e histórico de Real Monasterio Cisterciense de Santes Creus. Elección que invita a la promoción del turismo cultural y preservación del patrimonio histórico. También se hcieron dos conciertos el otros diferentes enclaves, uno en el Real Monasterio de Santa María de Poblet y otro en la villa histórica, que conserva un bello recinto medieval en su casco antíguo, Montblanc.

Tous les matins du monde – 30 años del estreno del film.

Le Concert des Nations : Manfredo Kraemer, violín. Charles Zebley, flauta travesera. Philippe Pierlot, viola da gamba baja de siete cuerdas. Xavier Díaz-Latorre, tiorba y guitarra barroca. Luca Guglielmi, clavicémbalo.

30 años se cumplen del estreno de la película francesa “Tous les matins du monde (Todas las mañanas del mundo)” atrajo a una audiencia de un tamaño inesperado para una historia sobre la música de viola barroca francesa, convirtiéndose en un gran éxito en Francia y Alemania e incluso obtuvo una amplia distribución por todo occidente. Las ramificaciones comerciales crecieron con el lanzamiento de la banda sonora de la película, con la leyenda de la música antigua Jordi Savall en la viola; la banda sonora alcanzó niveles de ventas de platino en su lanzamiento inicial. La historia de la película, basada en unos pocos hechos esquemáticos sobre el solitario violista del siglo XVII conocido solo como Monsieur de Sainte Colombe, atrajo a los espectadores con sus resonancias modernas que tocan el conflicto entre el arte y el éxito popular, y en parte con su iluminación dramática que recuerda a las pinturas de Louis le Nain. La banda sonora tiene algunas piezas con voces o con un pequeño conjunto de otros intérpretes. Aquí se nos ha vuelto a ofrecer en vivo, en una presentación de la banda sonora que pretendía dirigirse a los oyentes, tanto a los entonces videntes, como los que no habían visto la película, además de ofrecer más información por el propio Savall al micrófono conectando con el público; el trabajo en su conjunto contiene una gran cantidad de material interesante que analiza el lugar de la corte francesa y sus iniciativas culturales frente a la sensualidad de la música italiana por un lado y las restricciones de los reformadores religiosos incondicionales por el otro. ¿La música de Marais y Sainte Colombe incluida aquí realmente ilustra estos conflictos para el oyente promedio, independientemente de la película? Tal vez no, aunque Savall ofrece lecturas persuasivas de las piezas intelectuales y complicadas de Sainte Colombe con sus extrañas disonancias no resueltas. Y las notas no te dicen mucho sobre la música que realmente estás escuchando. La toma de sonido de la respiración en la música de viola lo escucharon en abundancia en esta interpretación, en el hermoso recinto que engloba el patio del Monasterio. Una excelente puesta en escena de música solista inquietante que tiene una atmósfera histórica única. Todos los solistas, comunes en el acompañamiento del genio catalán, estuvieron a la altura de lo que cabía esperar.

Heinrich Ignaz Franz von Biber: Las Sonatas del Rosario (selección)

Lina Tur Bonet, violín. Patxi Montero, viola da gamba. Daniel Oyarzábal, clavicémbalo.

Las Sonatas del Rosario (también conocidas como las Sonatas Misteriosas) de Heinrich Ignaz Franz von Biber son sus obras más célebres, y sus exigencias e innovaciones técnicas les han dado una mística muy alejada de sus asociaciones religiosas. La interpretación de una deslumbrante Lina Tur Bonet es el escaparate de una virtuosa, donde muestra su talento consumado y su profundidad expresiva al interpretar la elaborada música de Biber para violín y bajo continuo con una convincente mezcla de estilo y reverencia. De estas 16 sonatas, solo se pudo ofrecer una generosa selección, inspiradas en los Misterios Gozosos, los Misterios Dolorosos y los Misterios Gloriosos del Rosario Católico Romano, y coronadas por la “Sonata del Ángel de la Guarda (aquí interpretada), representan los eventos centrales de la vida de la Santísima Virgen María, aunque también son un compendio de técnicas de violín barroco, como afinaciones de scordatura, multistops, pasajes contrapuntísticos y efectos especiales de arco, que se pusieron de moda a fines del siglo XVII. La escrupulosa atención al detalle de Tur Bonet y su excelente maestría musical, con el sonido vibrante de la Iglesia del conjunto cisterciense, así como una perfecta complicidad con el público, hace palpable su presencia, llegando a generar incluso intensidad espiritual. A destacar el acompañamiento continuo de tres personas, que ofrece evocadores colores cambiantes a medida que cada uno de los tres intérpretes cambia entre pares de instrumentos estrechamente relacionados. El teclista Daniel Oyarzábal toca un clavicémbalo y un órgano de cámara muy ingenioso. Patxi Montero combina maravillosamente con el órgano de y el clavicémbalo de voz profunda. El público salió satisfecho independientemente de que tengan o no un rosario.

Alfonso X “El Sabio” – Cantigas de Santa María

La Capella Reial de Catalunya. Hespèrion XXI.

Las "Cantigas" son poemas acompañados de anotaciones musicales del siglo XIII escritos en dialecto gallego-portugués durante el reinado de Alfonso X (1221-1284). Generalmente se desconoce el autor, pero se dice que algunos de los versos fueron escritos por el propio Alfonso y el poeta Airas Nunes. La obra fue escrita en manuscritos que contienen atractivas ilustraciones que representan a músicos tocando instrumentos de la época. Es uno de los documentos más convincentes e importantes de la época medieval. La música aquí escuchada contiene interpretaciones de las composiciones de 800 años de antigüedad y varía desde interpretaciones, solo vocales, hasta instrumentales animados que respaldan el canto masculino y femenino. La influencia del Al-Ándalus es prominente en la música, lo que le da al sonido un toque exótico del Medio Oriente que lo separa considerablemente de la música del norte de Europa en ese momento. Siendo un monarca cristiano y un hombre de letras, Alfonso parece haber proporcionado parte de la poesía en honor a la Virgen María, elogiándola como "el amanecer de los amaneceres", "la dama de todas las damas", "la rosa de todas las rosas, y "la flor de todas las flores". Siendo un hombre del pueblo, Alfonso también parece haber tomado la mayoría de sus melodías de canciones de trovadores. Fascinantes e históricos, estos son los sonidos de la era de los Reyes y Caballeros en Iberia hace mucho tiempo. Savall es un músico conocido por la reconstrucción imaginativa de repertorios perdidos, pero aquí justifica sus elecciones musicales con cierto detalle. Lo que le da a sus interpretaciones de este material su calidad inquietante es la presencia del percusionista, fiel colaborador de barba espesa Pedro Estevan, uno de los músicos más fascinantes de la lista de colaboradores de Savall a lo largo de los años. Esta música puede parecer escasa, en relación a las más de 400 muestras conservadas, pero para un concierto de más de 90 minutos ha demostrado ser históricamente interesante y exitosa; la interpretación y puesta en escena es absorbente y resiste repetidas audiencias, revelando algo de la compleja sociedad de la que surgió. La falta de evidencia directa que describa las representaciones contemporáneas de las Cantigas significa que los estudiosos deben basarse en evidencia circunstancial para determinar posibles prácticas de interpretación: un campo minado traicionero. De ahí parecen surgir varias opciones plausibles (según el contexto), entre ellas la que aquí presenta Jordi Savall: un conjunto numeroso con varios instrumentos vista generosamente en la práctica de interpretación, y la aparente plausibilidad de los resultados, al menos, en un contexto devocional, es quizás en parte accidental. Junto a un canto maravilloso, conjuntado perfectamente por Lluís Villamajó (principalmente tutti, pero con solos notables), la interpretación instrumental es soberbia. Esta producción transmite suntuosidad en todos los aspectos. Gráfico, histórico-cultural, musical. La conferencia previa de Dolors Bramòn fuera asimismo interesante con notas de presentación muy precisas relativas al conjunto y sobre todo con datos históricos fieles de las miniaturas que acompañan a los manuscritos originales de las cantigas. Cualquiera que se acerque a la música de este tipo lo hace con pleno conocimiento de causa.

Y está Savall con la Capella Reial De Catalunya y Hesperion XXI con una experiencia auditiva simplemente emocionante. Esta colección ofrecida está bellamente curada y es una forma maravillosamente fascinante de presentar esta música devocional.

Luis Suárez

 

 

Brahms, Johannes. Complete Symphonies. Danish Chamber Orchestra. Adam Fischer, conductor.

NAXOS 8.574465-67 · DDD · 152’ · *****

Nos encontramos con una nueva grabación de las “Sinfonías” de Brahms del húngaro Adam Fischer para el sello Naxos, en tres discos. Las actuaciones con la Orquesta de Cámara Danesa tienen una fuerte expresión y ofrecen una interpretación cálida y elástica en todo momento, y las interpretaciones participan de la larga y sagrada tradición de dirigir Brahms, sin nada más radical para sorprender a los oyentes experimentados que la toma de repeticiones de exposición. De hecho, la confiabilidad y la solidez de la música son las principales virtudes de las versiones de Fischer. El paquete de tres CD incluye solo las cuatro Sinfonías. Algo que lo diferencia también de otras entregas más o menos históricas que suelen ofrecer algunas de sus otras obras para gran orquesta. El Brahms de Fischer es flexible, tranquilo y nunca apresurado, a la vez cálida, exuberante y persuasiva, en un perfecto enfoque del lenguaje brahmsiano. El conjunto suena perfecto en entonación y respuesta a su director, aporta Fischer, a su vez, cierto sentido de individualidad a los procedimientos en su elección de tempos, que generalmente en los lentos y están dirigidos con un diseño expansivo en Brahms. Por otro lado, la tirantez y la tensión no son características distintivas de estas interpretaciones; Fischer prefiere un enfoque de enfoque suave para el conjunto, sacrificando el poder potencial en aras de una textura orquestal que fluya suavemente, que sea fácil de seguir y relajante de experimentar. Esta facilidad de expresión hace de esta grabación un excelente set de inicio para aquellos que realmente no conocen estas obras, pero para un oído más experimentado, cuánto disfrutan estas interpretaciones depende en cierta medida de cómo les gusten sus Brahms. Dicho sea que recordará a los oyentes más ocasionales por qué Brahms es considerado uno de los mejores sinfonistas de todos los tiempos.

Luis Suárez

 Cage, John - Choral Works. Latvian Radio Choir. Sigvards Kļava, conductor. 

ONDINE 1402-2 · DDD · 66' · *****R

Colección de obras corales compuestas por el siempre excéntrico e impredecible John Cage y excelentemente interpretadas. Obras raras por el excaso interés del norteamericano por el género y tradías, yendo desde 1979 a el año de su fallecimiento, 1992. Relevantes para la búsqueda del sonido tímbrico en todas sus posibles dimensiones, que incluyen sonidos del tiempo y sonidos, con vocales y consonantes. Desde una bella página "Cinco" (1988), para cinco voces, en tonos puros sostenidos que Cage indica que "deberían ser cepillados", hasta la el "idioma" adpatado de los gatos en la págima más tensa y tardía, cronológicamente hablando, "Four" (1992). Siguiendo el modernismo convencional de "Hymns and Variations" (1979) , ya lejos de la sublime forma en sus composiciones más conocidas para piano preparado de varios años antes., su belleza sigue siendo evidente aquí, en este conjunto imprescindible para cualquier fan del compositor, no solo capturando una ocasión histórica en su carrera, sino también brindando excelentes interpretaciones de la integral de sus obras para conjunto coral. Muy recomendable.

Luis Suárez

 Three Portuguesse Orchestras. Alvaro Cassuto. Obras de varios autores.

NAXOS 8579130 · DDD · 66' · ****

Álvaro Cassuto (1938) comenzó su carrera en 1959 como compositor de vanguardia y fue el primer compositor portugués en adoptar el sistema dodecafónico. Nacido en Oporto en 1938, era hijo de alemanes que se refugiaron del régimen nazi en la patria de sus antepasados. Estudió violín, piano y composición desde temprana edad con destacados maestros como Fernando Lopes-Graça, Pedro de Freitas Branco y Herbert von Karajan, entre otros. En 1961 debutó como director con la Orquesta Sinfónica de Oporto e inició una carrera que lo llevó a ser nombrado director musical adjunto de la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Portugal de 1970 a 1974 y elegido su director musical de 1975 a 1987. También dirigió la Orquesta Sinfónica de la Universidad de California en Irvine de 1974 a 1979, la Orquesta Filarmónica de Rhode Island de 1979 a 1985 y la Orquesta Nacional de Nueva York, con la que obtuvo grandes elogios de la crítica, incluso de The New York Times, por su serie regular de conciertos anuales en el Carnegie Hall. Tras graduarse en la facultad de derecho de Lisboa en 1964, obtuvo el grado de maestro de capilla con distinción en Viena un año después, y en 1969 recibió el Premio Koussevitzky a un director de gran mérito en Tanglewood de Erich Leinsdorf. Aunque regularmente fue invitado a dirigir orquestas de primer nivel como la Royal Philharmonic, la London Symphony, la London Philharmonic, la BBC Philharmonic, la Philadelphia Orchestra, la Berlin Symphony, la de San Petersburgo y la de Moscú entre otras, fue con orquestas que se mostraron receptivos a un 'constructor de orquestas' que desarrolló la mayor parte de su carrera.

A lo largo de su carrera, siempre aprovechó la oportunidad para promover la música orquestal de los compositores portugueses, también, con una variedad de orquestas internacionales, produciendo numerosas grabaciones de estas obras para Naxos que recibieron críticas entusiastas. El nuevo disco del maestro Álvaro Cassuto recoge las grabaciones de tres orquestas nacionales bajo su dirección, entre 1983 y 2003, en su mayoría en vivo. La grabación más antigua es la única sin público, Orquestra do Algarve interpretando una pieza corta, “Staccato Brillante”, de Joly Braga Santos (1924-1988), grabada en el auditorio del Hotel Palácio, en Estoril. Única pieza portuguesa del disco. Esta pieza fue compuesta por Braga Santos a pedido de Cassuto, como explica el maestro en el libreto del disco. La pieza fue compuesta expresamente para el concierto de presentación de la Nova Filarmonia Portuguesa, fundada por Cassuto en el verano de 1988. En el CD, “Staccato Brillante” es interpretado por Orquestra do Algarve, que Cassuto comenzó a dirigir a partir de 2002. En el libreto, el director menciona que esta orquesta “se convirtió en un éxito inmediato, con varias grabaciones de Naxos”, pero “dificultades financieras y las diferencias de opinión sobre su futuro” llevaron a Cassuto a dejar la orquesta del Algarve en 2005, para abrazar otro proyecto, la Orquestra Metropolitana de Lisboa, de la que se convirtió en director artístico. La programación de la Orquestra do Algarve también incluye Danzas húngaras de Brahms, con arreglos intersantes para orquesta de Martin Schmeling. Además de Braga Santos y Brahms, el disco incluye piezas de Mozart, Richard Wagner, Glinka, Richard Strauss y Chabrier, de diferentes orquestas, entre ellas la Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP), creada bajo una propuesta do Governo, de Cassuto en 1993, integrado por 110 músicos, y que se convirtió en “la mayor fuerza musical de Portugal”, en opinión del maestro, con quien grabó varias piezas de Braga Santos. Sin embargo, la “independencia de esta orquesta”, dice Cassuto, “fue de corta duración”, ya los seis años se integró en el Teatro Nacional de S. Carlos. Cassuto dejó la OSP y considera que la “actividad sinfónica y artística de la orquesta” ha pasado a ser secundaria frente a las prioridades operísticas de S. Carlos, principal escenario lírico nacional. OSP, en este disco, bajo la dirección de Cassuto, interpreta el preludio del acto III de la ópera “Lohengrin”, de Wagner, grabada en 1994, y también, de Strauss, la obra “D. Juan” y la “Danza de los Siete Velos”, de la ópera “Salomé”, la rapsodia “España”, de Emmanuel Chabrier, y la obertura de la ópera “Ruslan y Ludmila”, de Mikhail Glinka. Por la Nueva Filarmónica Portuguesa (NFP), la Sinfonía núm. 35, “Haffner”, de Mozart, aquí se ve la diferencia de calidad de grabación con respecto al resto de grabaciones, con una menor toma de sonido por parte de la ingeniería.

Interesante, pero sería mejor con obras portuguesas.

Luis Suárez

Fernando Lopes-Graça. Divertimento, Op. 107 (1957). Sinfonieta, Op. 220 ‘Homenagem a Haydn’ (1980). Cinco Velhos Romances Portugueses, Op. 98 (1951–56). Quatro Invenções, Op. 148 (1961). Portuguese Symphony Orchestra. Bruno Borralhinho, conductor & cello.

Naxos · 8574373 · DDD · 63' · *****

Fernando Lopes-Graça (1906/94) fue uno de los más grandes compositores de Portugal del siglo XX, cuyo credo artístico fue unir la música folclórica de su país natal con técnicas modernas para crear una identidad nacional alternativa y original. Con su contexto tonal en constante cambio, el "Divertimento" captura perfectamente el estilo inimitable de Lopes-Graça, que se enriquece aún más en la "Sinfonieta", de construcción concisa, por su admiración por Haydn. Los conmovedores, incluso trágicos, "Cinco Velhos Romances portugueses" se basan en baladas tradicionales, mientras que los desafiantes "Quatro Invenções", en palabras del compositor, exploran un expresionismo dramático esencialmente atonal.

El director y violonchelista Bruno Borralhinho es uno de los músicos portugueses más destacados de su generación y un verdadero embajador de la música portuguesa. Es director artístico del Ensemble Mediterrain y miembro de la Dresdner Philharmonie. Es licenciado en música por la Universität der Künste Berlin, Máster en gestión cultural por la Universitat Oberta de Catalunya, Barcelona y Doctorado en humanidades por la Universidad Carlos III de Madrid.

Aquí el fin es escuchar obras orquestales de Lopes-Graça, con la sorpresa de las cuatro últimas piezas para violonchelo solo, un poco como el "padre" de la música portuguesa del siglo XX. De hecho, dio muchas lecciones de composición a prácticamente todas las generaciones posteriores. Después de Freitas-Branco o Braga-Santos, NAXOS continúa una serie de obras de este gran compositor y eso es bueno. La música portuguesa estaba hasta hace subrepresentada fuera de su país de origen. Los trabajos presentados son interesantes porque son muy diversificados. La orquesta es excelente, y Borralhinho quien lleva los mandos, hace con su interpretación que sea más soberbia si cabe. La "Sinfonietta" es una obra poderosa y memorable. Es una obra colorida que hacerca a Haydn pero sin dejar de lado las características propias de autor. Ciertamente, las melodías del "Divertimento" se quedan en la mente. Las "Invenciones" dejan un buen sabor rompedor con el aprovechamiento de la tímbrica del violonchelo a solo. Y los Romances tienen asímismo un final poderosamente redentor, del género popular portugués. Vale la pena explorar cada obra.

Luis Suárez

Charles Koechlin. THE SEVEN STARS’ SYMPHONY, Op. 132. VERS LA VOÛTE ÉTOILÉE, Op. 129. Sinfonieorchester Basel. Ariane Matiakh, conductor. 

CAPRICCIO 5449 · DDD · 56' · ****

Muy apreciado como teórico y maestro, el francés Charles Koechlin (1867-1950) fue menos célebre en su época como compositor; poco agraciado en el aspecto melódico, gran orquestador, considerado más tarde como demasiado pintoresco para emular, su música ecléctica e inconsistente se desvaneció casi en la oscuridad. Desde los cofres de SWR de su música para piano solo y orquesta, ahora el sello CAPRICCIO CD nos muestra su peculiar "Sinfonía de las Siete Estrellas" y "Vers la Voûte étoilée" (Nocturno para orquesta) siguen ayudando a reparar el abandono y brindan una muestra generosa del estilo programático exuberante y temperamental de Koechlin. "Vers la Voûte étoilée (Hacia la bóveda estrellada" es atractiva por sus hermosos colores impresionistas, en un rico poema sinfónico, pero este suave nocturno es quizás demasiado largo para algo más que su único efecto crescendo. El uso de contrapunto disonante, politonalidad y cromatismo atonal de Koechlin proporciona algunos puntos de interés. Repecto a la intepretación la música está trabajada de correcta y se prolonga en medida después de su clímax, consiguiendo romper la telaraña enredada de la polifonía desenfocada y la orquestación vaporosa de Koechlin.

"Hacia 1933, me interesé más por el cine. Hasta entonces le había mostrado un gran desprecio por su carácter demasiado vulgar y demagógico. Pero confieso sin vergüenza que al conocer mejor este arte tan desigual, no podía dejar de apreciar la gracia espiritual o la 'belleza insolente' de ciertas estrellas... Esto me llevó a mi Sinfonía de las Siete Estrellas". A partir de este reconocimiento tímido y bastante falso, difícilmente se adivinaría la obsesión de Koechlin por las divas del cine o la renovación creativa que suscitaron. La década de 1920 había visto una desaceleración de la composición ya que las finanzas tambaleantes de Koechlin requerían conferencias, trabajo periodístico y la redacción de tratados sobre armonía, fuga y coral para complementar su menguante fortuna. Su vida interior a lo largo de esa década se centró en el trabajo con su alumna, Catherine Urner, quien se convirtió en una especie de soror mystica para su maestro alquimista. Con su regreso a los Estados Unidos a principios de los años 30, estaba a la deriva. Una proyección de "El ángel azul" con Marlene Dietrich y Emil Jannings el 29 de junio de 1933 inició el hábito de ir al cine con regularidad. Su respuesta fue inmediata y potente: mientras completaba el poema sinfónico "Sur les flots lointains" (basado en una canción de Catherine Urner), compuesta entre julio y agosto de 1933, se sumergió en la composición de la "Sinfonía de las Siete Estrellas". En julio, completándolo en septiembre, y finalizando la orquestación en octubre. Sus siete movimientos forman una suite más que una sinfonía, cada uno con sus referencias específicas y carácter distinto. El primer movimiento celebra a Douglas Fairbanks Sr. en El ladrón de Bagdad en "una pequeña improvisación oriental". A Lillian Harvey (un menuet fugué), Greta Garbo (païen coral) y Clara Bow se les asigna un movimiento cada una, aunque Koechlin está respondiendo a las fotografías; aún no había visto ninguna de las tres en películas. Dietrich está agraciada con un conjunto de variaciones sobre un tema formado, por cifrado, a partir de las letras de su nombre, mientras que el movimiento que lleva el nombre de Jannings está francamente subtitulado "Choral pour le répos de l'âme du Professeur Rath (du film L' Ángel azul)". Pero Chaplin se lleva la palma: su movimiento, que se reproduce durante un cuarto de hora, es otra variación que recuerda elementos de su creación, Charlot, en "La Fiebre del Oro", "El Circo" y "Luces de Ciudad". Los movimientos de Fairbanks, Garbo y Chaplin fueron estrenados por la Orquesta de la Radio Francesa, dirigida por Manuel Rosenthal, el 14 de diciembre de 1944; la obra completa se escuchó el 16 de noviembre de 1969, con Norman del Mar dirigiendo la Filarmónica de Londres.

Su música orquestal se toca muy raramente. Cada una de las dos obras grabadas aquí por la Sinfonieorchester Basel bajo la dirección de Ariane Matiakh son hallazgos importantes, y no ha sido una sorpresa ver este álbum ascender en las listas de éxitos de ventas clásicos. El trabajo es natural para la interpretación con cualquier tipo de evento cinematográfico, y es fácilmente accesible para cualquier persona. Las actuaciones aquí son precisas y silenciosamente radiantes, brindando el aspecto técnico un sonido excelente desde el Basilea Stadtcasino. 

Luis Suárez 

Malipiero, Gian Francesco. Violin Concertos. Per una favola cavalleresca. Paolo Chiavacci, Violin. Orchestra Sinfonica di Roma. Francesco La Vecchia, director.

NAXOS 8573075 · 69' · DDD · ****

La música de Gian Francesco Malipiero generalmente se va conociendo cada vez másfuera de Italia. Como sucediera con otros artistas de la época, como Richard Strauss, se le presuponía un posible coqueteo con el fascismo italiano para ser un tanto defenestrado, pero lo más probable es que no complacía a la multitud por su estilo ecléctico, en gran parte tonal, que lo hacía inaceptable para los seguidores del Alto Modernismo. De hecho, es precisamente ese eclecticismo lo que hace que Malipiero esté maduro para un renacimiento, y el director Francesco La Vecchia y la Orquesta Sinfonia di Roma contribuyen fuertemente a ese renacimiento aquí. La suite de cuatro movimientos "Per una favola cavalleresca", extraída de la música para una ópera proyectada de Malipiero, recibe aquí su estreno mundial en grabaciones, y los dos conciertos para violín del compositor no son más comunes. El "Concierto para violín Nº1", escrito a principios de la década de 1930, evita en gran medida las formas clásicas, e incluso esta obra en tres movimientos es formalmente libre y rapsódica. Hay toques de Stravinsky, Vivaldi (a quien Malipiero hizo mucho por popularizar) e incluso Vaughan Williams, pero hay un lirismo bastante italiano, y todo propio de Malipiero, y el violinista Paolo Chiavacci le da a la obra una interpretación adecuada. "Per una favola cavalleresca", inspirada en la leyenda artúrica de "Lancelot of the Lake", tiene un estilo conscientemente antiguo totalmente diferente al ofrecido por Respighi, un verdadero enamorado de la música medieval, y el "Concierto para violín n.° 2" de 1960, aunque más cercano a un idioma atonal, es reconociblemente parte del mismo mundo que el concierto anterior. "Es casi como si el espíritu del Primer Concierto se hubiera refractado a través del prisma de la atonalidad de la posguerra, y emergiera vivo y bien", escribe David Gallagher en las notas completas y, a menudo, elegantes. Estas obras son atractivas para escuchar para cualquiera, desde los admiradores de la tonalidad, hasta los neoclásicos, neorrománticos, o los más admiradores de la vanguardia experimental. Malipiero luchó por modernizar la escena de la música clásica en Italia, una tarea nada fácil considerando el dominio generalizado de la ópera italiana y el barroco italiano. De alguna manera, teniendo un relativo éxito en su época, al incorporar algunos de los componentes estilísticos que buscaban modernizar, a saber, el lirismo y el formalismo. Los conciertos para violín son perfectos ejemplos del intento. Ambos tienen fuertes líneas melódicas y líricas para el violín solo. La orquesta juega un papel mucho más subordinado que en la música de cualquiera de sus predecesores, con el violín casi siempre en el centro del escenario. Esta grabación presenta un sonido claro y bien equilibrado tanto de la orquesta como del solista. El violinista Paolo Chiavacci, posee la abundante técnica necesaria para realizar estas exigentes composiciones, con un sonido más que atractivo. La entonación es generalmente excelente y este álbum ciertamente vale la pena para cualquier oyente que busque ampliar su repertorio de conciertos para violín y de la música italiana del Siglo XX.

Luis Suárez

Händel, G. F. Complete Recorder Sonatas. David Antich, recorders. Mediterrània Consort: Ignasi Jordà, clave, órano; Juan Carlos de Mulder, laud, guitarra barroca; Leonardo Luckert, violonchelo.

IBS CLASSICAL 32022 · DDD · 61' · *****

David Antich nos presta nueva atención al repertorio de flauta dulce barroca, con resultados a menudo espectaculares. Aquí recurre a las sonatas de Händel para flauta dulce y bajo continuo. Hay evidencia de que Handel usó algunas de estas obras como piezas didácticas, lo que habría colocado al propio compositor al clavicémbalo. Las realizaciones del bajo contínuo aquí son vigorosas y ornamentadas, representando una excelente reconstrucción imaginativa de cómo podrían haber sonado realmente estas sonatas en la época de Händel, según los contextos en los que podrían haber sido utilizadas. El genio anglo-alemán presenta varias posibilidades de forma estructural, con el uso de la flauta como una forma de reproducir arias de ópera en casa. Trata los movimientos lentos con una melodía límpida al principio que explota en una lluvia de adornos a medida que el material se repite y desarrolla. Los movimientos exteriores también tienen muchos adornos que, cuando se combinan con el muy activo bajo contínuo, pueden dar como resultado una textura realmente densa. Una pieza como el movimiento Furioso de la "Sonata para flauta dulce en si menor, HWV 367a", se convierte en un dúo virtuoso bastante convincente, y todos los movimientos rápidos (varios de los cuales resultarán familiares para los aficionados a la flauta dulce por su presencia en antologías de arreglos) son nítidos. Antich es un intérprete expresivo con un maravilloso sentido de las líneas largas y un humor pastoral en los movimientos lentos de Handel y una forma de articular los movimientos rápidos para crear los niveles de sonido escalonados de la sonata italiana dentro de las limitaciones de las dos octavas de la flauta dulce de tonos Un placer para cualquiera que haya cogido alguna vez una flauta dulce en una clase de música escolar o cuya colección de Handel carezca de estas obras, que fueron muy populares en su época. Este es un disco que captura el aspecto virtuoso de estas sonatas como pocos lo han hecho.

Luis Suárez

Malipiero, Ghedini, Casella. Cello Concertos. Nikolay Shugaev, Dmitrii Prokofiev, Cellos. Rostov Academic Symphony Orchestra. Valentin Uryupin, conductor.

NAXOS 8574393 · DDD · 55' · *****

Todos los compositores de estas obras italianas del siglo XX estuvieron asociados con el violonchelo desde una edad temprana. Su profundo conocimiento del instrumento se revela en tres piezas concertantes contrastantes donde el solista y la orquesta colaboran para explorar una amplia gama de colores y estados de ánimo, y cuyos movimientos lentos se encuentran entre los más hermosos que jamás haya escrito cada compositor. Malipiero veía al solista en sus conciertos como una voz que se alzaba entre la multitud; la misteriosa y otoñal "L'Olmeneta" es la mayor y más individual de las obras para violonchelo de Giorgio Federico Ghedini, escrita para dos violonchelos concertantes y orquesta; y "Notturno y Tarantella, Op.54" de Alfredo Casella es una pieza soleada, orquestada por expertos.

Aunque fácilmente reconocido como un pionero modernista en sus obras de las décadas de 1910 y 1920, el compositor italiano Gian Francesco Malipiero es más un estilista cambiante en su extenso catálogo de composiciones posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Ghedini es el más vanguardista del grupo y Casella se le considera encasillado en el Neoclasicismo. Aquí se recopilan tres piezas con un atractivo para seguir el hilo argumental roto, en el caso de Ghedini y el enfoque de la orquestación en todas las obras es único. Dejando de lado la obra "sencilla" y breve para cámara de Casella, el "Concierto" de Malipiero es fácil de entender ya que se basa en el estilo diatónico que Malipiero favoreció a partir de principios de los años 30 y, sin embargo, eso en sí mismo no garantiza un viaje fácil para el oyente. El conjunto de obras parece tener mucho para que el solista le hinque el diente, ya que la parte del piano parece desaparecer en la orquesta durante gran parte del tiempo. La Orquesta es asímismo nítida como se requiere. Las útiles notas de David Gallagher y el propio Ghedini contribuyen en gran medida a aclarar qué buscar en estas composiciones, pero nada reemplazará escuchar este disco varias veces para "captarlo" de verdad en su justa medida. 

Luis Suárez. 

 

Haydn, Franz Joseph. Piano Sonatas nº 16, 31, 33, 38, 46, 60. Josu de Solaun, piano

IBS CLASSICAL 52022 · DDD · 117' · *****

El pianista valenciano, Josu de Solaun se ha convertido en una estrella del teclado en los últimas décadas, pero este brillante conjunto de dos discos de sonatas para teclado de Haydn, un muestra de 10 de las 60 aproximadamente que escribió el compositor, es lo que se dice una sorpresa. La tentación es recurrir a las piezas de gran formato que Haydn escribió la narra el propio pianista en un libreto un tanto filosófico, donde nos explica al final la razón de cada una de las escogidas. La Sonata para piano en do mayor, Hob. XVI/20, 46 y 50, en formato más grande, están incluidas en el programa con una interpretaciones magistrales. Inlcuidas en ellas piezas de humor de Haydn en la que Solaun encuentra el deleite absoluto. La verdadera revelación en la actuación radica en las conexiones que encuentra entre estas obras tardías y las anteriores en la carrera de Haydn. Hay una frescura y un descubrimiento en sus lecturas que da vida a cada obra, cada detalle de estas obras extraordinarias estánbrillantemente ejecutadas y disfrutadas por el intérprete. Solaun es un pianista intrépido y bastante carismático cuyos conciertos en vivo a veces traen sorpresas realmente memorables, como se ha visto en la reciente grabación de "Pandemy City"; sus grabaciones a menudo están elaboradas con extremo detalle y este conjunto proporciona excelentes ejemplos. Vale la pena leer las opiniones de Solaun sobre las obras antes de escucharlas. Se comprende mejor su selección que es inquisitiva, estructuralmente perspicaz y detallada donde juega absolutamente con sus puntos fuertes, dando un sentido casi palpable del creciente sentido de Haydn de las profundidades armónico-motívicas de la forma sonata para piano. Su lectura captura los desarrollos inesperados que aparecen a cada paso, y está llena del humor astuto y delicado. 

Luis Suárez

Schumann, Robert. Lieder Edition, Vol.11. Lieder und Gesänge. Caroline Melzer, soprano. Simon Bode, tenor. Ulrich Eisenlohr, piano.

NAXOS 8574261 · DDD · 85' · ****

Con este último volúmen, el número 11 de la integral de lieder de Robert Schumann, Naxos parece dar por finalizado tal ardua labor. Pasa de obras de juventud de compositor alemán, "11 Jugendlieder Anhang M2 (1828)" hasta composiciones editadas póstumamente por Heinze, fechadas en 1850/1, su segunda etapa más productiva.  Su año más fecundo en este género fue en 1840, el "año de la canción" de Schumann, durante el cual puso música al menos a 137 poemas. Poco después dejaría Dresde para convertirse en el director musical de la ciudad de Düsseldorf, tras lo cual compondría muy pocas canciones. Op. 96, el cuarto volumen de "Lieder und Gesänge", fue publicado en 1851 por Whistling.

Caroline Melzer y Simon Bade tienen una voz poderosa, hábil, colorida, hermosa y, a menudo, una voz conmovedora, pero también poderosa. Adoptan en esta grabación un repertorio más personal, más vulnerable y más delicado, y algunos argumentarían que su voz puede ser demasiado poderosa para la música romántica de Schumann. Las canciones internas de la vida y el amor del genio alemán requieren intimidad, pero no menos intensidad. Aunque Melzer y Bode claramente tienes una voz potente, aquí la enfocan, concentrándola en expresar la emoción agudizada de la fusión de palabras y música, como requiere la sensiblidad de poesía y partitura. Y el efecto es totalmente electrizante, excelente para adentrarse en los personajes de las canciones y darles vida sin dramatizarlos histriónicamente. Acompañados por el experto pianista Ulrich Eisenlohr en un programa brillantemente elegido que mezcla un repertorio familiar y menos familiar, usan su voz como un medio para un fin, el fin último en cualquier gran recital de lieder: expresión lírica. El sonido de NAXOS es rico, exuberante, profundo y casi palpable.

Luis Suárez

Nacho Para

"Concierto para George. Crónica íntima del último milagro Beatle" (2022)

El periodista y músico, Nacho Para nos narra el acto que tuvo lugar aquel 29 de noviembre de 2002. Un año después de su muerte, se llevó a cabo un concierto tributo a George Harrison en el mítico Royal Albert Hall de Londres. Amigos y familiares se reunieron para tocar sus canciones, y fue una lista impensable hoy en día, aunque entonces predecible, salvo por ausencia de Bob Dylan: Paul McCartney, Ringo Starr, Billy Preston, Tom Petty, Jeff Lyne, Eric Clapton, quien también se desempeñó como director musical, el hijo de George, Dhani Harrison, Ravi y Anoushka Shankar, Joe Brown y Gary Brooker. 20 años después parece como una premonición del futuro, pues a nuestro pesar nos dejaron otros tres durante el camino, Preston, Petty y Brooker (líder y alma de Procol Harum). Todos tenían una conexión personal cercana con George, lo que le dio a la música una verdadera sensación de calidez que brilla incluso cuando las actuaciones son demasiado profesionales. El testamento audio-visual dejado, y que tantos melómanos tenemos, abarca dos discos en cd's y dvd's. Como Para describe, el primer volúmen abarca la primera parte, con música de Shankar, padre e hija, más una versión de "The Inner Light" cantada por Jeff Lynne, y el segundo, está repleto de algunas de las grandes canciones de Harrison, entre ellas las versiones de Carl Perkins que cantó en los Beatles y la bella"Photograph", que escribió para/ con Ringo Starr. En general, estas son actuaciones menorables, y si Clapton a veces suena un poco "ronco", lo compensa con creces dirigiendo a la banda de manera experta. El set más llamativo y conmovedor es el de McCartney, que hace una versión preciosa de "All Things Must Pass", se divierte con "For You Blue" y arranca "Something" solo acompañado por el ukelele, instrumento adorado por George, y un arreglo que funciona tan bien cuando la banda completa entra en acción. Suerte la de Para de verlo en persona, un muy buen concierto tributo, uno que es sincero y disfrutable. Un álbum en vivo clásico, quizás uno de los mejores de la historia, que muestra a algunbos de los mejores músicos del mundo juntos, algo ahora casi impensable de reunión. Y así es como se hace un pináculo de lo que es posible. Todo y todos los involucrados en esta obra maestra están impregnados de misticismo y una rica historia, y las actuaciones impecables que reflejan cuán épico es realmente todo. ¡Gracias al dulce señor por tan especial documento de esta histórica noche!

Aquí está la función, que Para edita y vuelve a secuenciar el concierto mientras inserta sensaciones, imágenes de entrevistas y ensayos, como si acompásemos al autor a lo largo del momento, con voces en off que a menudo se ejecutan con la música a menudo que vamos leyendo los capítulos. Nos sentimos acompañando a Clapton mientras le vemos utilizar múltiples guitarristas, teclistas y percusionistas, respaldados la banda de escenario. En cada secuencoa narrativa nos va haciendo flashbacks asociativos para ver la realción que cada músico participante ha tenido con el verdadero protagonista, Harrison que controla todo desde sus retratos en lo alto del magno escenario. La asociación cinematográfica de Harrison con la compañía de comedia Monty Python se hace referencia a una aparición hilarante de la mayoría de los miembros del grupo, con Tom Hanks casi desapercibido como un montado en "The Lumberjack Song". Por lo tanto, la crónica ofrece un retrato completo de la música y los intereses de Harrison, incluso llegando a conmocionar al lector con lluvia de lágrimas nostálgicas. Todo un logro.

Luis Suárez