Homenaje a Falla. Concerto Málaga. J.M. Gil de Gálvez, violin. José Serebrier, dirección.

Fundación Hispania Música · DDD · 57’ · ****

No faltan las grabaciones diversas de “El amor brujo” de Manuel de Falla, gracias al centenario de la obra. en 2019. Estaba a la vanguardia cuando se estrenó y, sin embargo, su fusión de influencias flamencas con el creciente neoclasicismo francés es irresistible para el público sinfónico en general. Las revisiones de la misma por el creador también son varias, desde la versión original. Aquí nos encontramos con otra adaptación realizada para el célebre ensemble de cuerdas, Concerto Málaga, sobre la versión final, que más se interpreta para gran orquesta y que llevara a su audición internacional a un éxito de alturas impresionantes. La versión citada logra cautivar y no llegar a echar de menos la instrumentación de gran formato. Lo que se nos presenta no es una representación de la música flamenca en forma sinfónica, aunque a menudo se piensa así. Falla utiliza los ritmos del flamenco para darle vida a los nuevos sonidos limpios que estaban tomando forma en Francia y que él aprendió allí. Serebrier logra asimismo que no sean meros ejercicios fogosos para que la orquesta emule una guitarra flamenca, sino algo más nítido y no pierde nada de la energía rítmica a esa velocidad. Mantiene en el programa varias piezas de la obra, con otra danza de “El Sombrero de Tres Picos”: Danza del Molinero, con el que comienza el disco. La célebre “Danza nº1 de La Vida Breve” completa la selección de Falla, quedando la segunda de la misma o el Intermezzo que suelen ser tocadas en adaptaciones del propio autor en versión de concierto. Isaac Albéniz aporta dos piezas de su  “Suite Española nº1” (Granada y Cádiz). José Luis Turina aporta asímisno “Dos Sonetos del amor Oscuro”; según las propias palabras del autor: “aprovechando la cercanía entre Falla y Garcia Lorca en una breve suite utilizando algunas de las canciones armonizadas por el poeta, dado el acercamiento de ambos a la música popular; pero al ir madurando la idea de la obra finalmente orientándose por vincularla a la poesía de Lorca más madura, profunda y enigmática”. López Chávarri es escogido a su vez con una de sus “Acuarelas Valencianas” La composición más conocido de Jesús de Monasterio, "Adios a la Alhambra" para violín y piano, cierra el homenaje. Sus obras para violín y conjuntos de cámara ayudaron a difundir estos géneros por toda España. Monasterio fue un niño prodigio y alumno de Beriot que llegó a ser violinista de honor de la capilla real y profesor de violín en el Conservatorio de Madrid.

Una lectura amena de “gastadas obras”, con otras nuevas creaciones, tiene en cuenta las vocaciones artísticas de los intérpretes que ofrece la máxima fidelidad de sonido, logrando un nivel de claridad, profundidad y sutileza de alta calidad. La dirección del mítico Serebrier es matizada, ardiente y apasionada. Especialmente vibrante y colorida es la interpretación de solista de Gil de Gálvez que desgraciadamente no ofrece más ejemplos aquí de su arte.

Luis Suárez

 KURPIŃSKI. Fantasy for String Quartet in C major. MONIUSZKO. String Quartets Nos. 1 and 2. NOSKOWSKI Variations and Fugue on a Theme of Viotti. Lutoslawski String Quartet.

NAXOS 8573978 · DDD · 57’ · ****

El Cuarteto Lutoslawski nos proporciona una visión general del Siglo XIX de música de cámara polaca, un período durante que el deseo de expresión nacional llegó a la vanguardia del esfuerzo creativo y en el contexto de una realidad política que rara vez era más que desfavorable. Kurpinski (1785–1857), Moniuszko (1819–1872) y Noskowski (1846–1909) fueron casi contemporáneos.

La “Fantasía para cuarteto de cuerdas” de Kurpiński fue compuesta en 1825. El formato de fantasía había sido popularizado por varios compositores de esta época, como Carl Maria von Weber, Andreas Romberg y Mozart, entre otros. Está en cuatro secciones principales. Comienza con un Adagio notable por sus varios episodios contrastantes. Luego viene una fuga, luego un Moderato y finalmente un Presto. La Fantasía no solo es una obra atractiva por derecho propio, sino que es históricamente importante, ya que Kurpiński era generalmente considerado como uno de los compositores más importantes, si no el más importante, antes del advenimiento de Chopin. Se dice que ha sido fundamental para ayudar a crear el estilo de música nacional polaco.

Moniuszko es mejor conocido por sus óperas y grandes obras corales sacras; fuera de los dos cuartetos de cuerda interpretados aquí no produjo casi nada en términos de música de cámara. El Scherzo "Bacchanale Monacale" del Cuarteto de Cuerdas Nº 2 en Fa todavía tiene algunos rastros de Haydn, pero está filmado lleno de modulaciones complicadas, paradas repentinas e ideas originales, al menos tiene un estilo más cercano a la corriente de Mendelssohn. en la época de Moniuszko, si no un poco más peculiar. El Cuarteto de Cuerdas Nº 1 en Re menor es una pieza musical muy llamativa, que contrasta el lirismo fluido con figuras más obstinadas y dramáticas que recuerdan vagamente a Beethoven; es incluso más avanzado que el segundo cuarteto. Es cierto que con el Andante del segundo cuarteto presumiendo la melodía lírica "Przasniczka", que Moniuszko reutilizó en un escenario vocal que se hizo popular en Polonia, el segundo cuarteto es más inmediato que el primero, mientras que el primero es más ambicioso: redondean unos a otros bastante bien.

Como alumno de Hornziel, Noskowski aprendió a tocar el violín y gracias a su promesa pudo estudiar más tarde en el Instituto de Música de Varsovia. Mientras estuvo allí estudió con Katski, Moniuszko y Ciaffei, violín, armonía y canto respectivamente. Viajó a Berlín donde estudió con Kiel y Wurst. Fue entonces cuando comenzó a escribir, y los primeros artículos que escribió para el "Kurier Warszawski" fueron críticas. Como director, Noskowski dirigió la Sociedad de Música de Varsovia, la Filarmónica de Varsovia y la Ópera de Varsovia. Las composiciones de Noskowski fueron numerosas, incluida la obertura "Morskie Oko", tres sinfonías y obras breves para piano. "Step" fue el primer poema sinfónico compuesto por un músico de Polonia. Como maestro y director de orquesta, Noskowski fue bastante influyente. Entre sus muchos alumnos estaban Szymanowski y Pankiewicz.

La interpretación del Cuarteto Lutoslawski en estas tres obras es muy dedicada, enérgica y emocionante. Si uno tiene interés en la música polaca del siglo XIX, o simplemente en la interpretación enérgica de un cuarteto de cuerdas, entonces el programa tiene un sentido conceptual, y es seguro encontrarán una audiencia entre aquellos interesados en la escena contemporánea polaca consistentemente fuerte de la época. Las actuaciones son asombrosas; la expresividad es expansivamente concentrada y lírica.

Luis Suárez

 Coste, Napoleón. Guitar Works, vol.6. An Tran, guitar

NAXOS 8574321 · DDD · 65’ · ****

Napoleón Coste (1805/ 83), una figura del virtuosismo de la guitarra recuperada en la actualidad, fue uno de los pocos compositores que mantuvo el interés por la guitarra durante su período de abandono general en las salas de conciertos, desde la década de 1830 hasta finales del siglo XIX. Se dice que Coste aprendió la técnica de la guitarra de su madre a una edad temprana. Estaba escribiendo música para el instrumento en 1830, año en que se mudó a París y vio publicadas sus primeras piezas. Coste estudió con el gran guitarrista catalán de la época, Fernando Sor, y se hizo amigo y compañero de dúo. Pero después de la muerte de Sor, el interés público por la guitarra declinó y Coste se ganaba la vida principalmente como funcionario mientras incursionaba en actividades musicales. Al parecer, participó en el renacimiento de la música antigua francesa del siglo XIX encabezado por Fétis; su papel incluía hacer transcripciones para guitarra moderna de piezas barrocas escritas en tablatura. Coste mantuvo sus propias habilidades con la guitarra como intérprete (hasta que una lesión en la mano en 1863 puso fin a su concreción) y compositor; en 1856 ganó el segundo lugar en un concurso de Bruselas para composiciones para guitarra. Publicó una gran cantidad de sus propias piezas para el instrumento, principalmente una versión de siete cuerdas; también escribió una buena cantidad de música para oboe, generalmente acompañada de guitarra. Su estilo estuvo fuertemente influenciado por el de Sor, pero con armonías más románticas y una mayor tendencia a entregarse a títulos descriptivos. Además, Coste mantuvo en circulación la música de su amigo Sor, y volvió a publicar muchas de las composiciones del mismo (así como su libro de método de guitarra).

El sonido del instrumento por An Tran es innegablemente alto, con una resonancia profunda y suenan notas graves. con una profundidad comparable a los grandes maestros del instrumento del siglo XX. Alterna con eficacia los elementos románticos de Coste, sombríos y sentimentales. Estas piezas se encuentran entre las mejores composiciones del francés y bien merecen un renacimiento completo a través de esta recuperación discográfica progresiva del sello Naxos. An Tran maneja estos trabajos con sensibilidad y transmite una palpable sensación de entusiasmo por el descubrimiento que se irradia a través de la excelente calidad de grabación. A través de la excelente maestría musical, la singularidad de este proyecto y el cumplimiento del deseo global del mundo de la música de convertir estas obras de en el ámbito de las programaciones de las salas de conciertos, merece la pena seguir siguiendo la senda productiva.

Luis Suárez

 

Antheil, George. Violín Sonatas 1-4. Tianwa Yang, violín. Nicholas Rimmer, piano y percusión.

NAXOS 8559937 · DDD · 68’ · *****

Este lanzamiento sobre la combinación para violín y piano del norteamericano George Antheil, ofrece un buen ejemplo de su sonido compositivo característico y se adapta maravillosamente a su personalidad. El compositor Antheil fue una figura fascinante del segundo cuarto del siglo XX que aportó cierto descaro estadounidense a su temprana orientación futurista. La “Sonata nº 1”, con sus movimientos exteriores futuristas motores contrapuestos a los centrales de influencia árabe, parece fluir naturalmente de él. Al preparar las cuatro sonatas numerados de Antheil, Yang y Rimmer han tenido especial cuidado en revisar y ofrecer un resultado tan fiel a sus ideas iniciales como sea posible, y utilizando la personalidad del compositor para un resultado satisfactorio. La música es fascinante: el enfoque de Antheil para escribir música de cámara es completamente único, una vez afirmó: “que en la música de cámara el compositor está desnuda y no tiene dónde esconderse”. Las obras reflejan el ámbito estilístico específico en el que trabajaba Antheil cuando fueron escritas, y revelan una especie de ambivalencia emocional y distanciamiento de su tema, el original es apasionado, rico en humor irónico y citas irónicas de música romántica o jazzística de la época. Durante demasiado tiempo, el trabajo de George Antheil ha sufrido una brecha de credibilidad, en parte como consecuencia de cosas que tienen poco o nada que ver con su música, como su autobiografía "contador de todo", el chico malo de la música. El tremendo cuidado que los intérpretes han puesto en la preparación de la grabación, y el altísimo nivel artístico de las interpretaciones en sí mismas, dan como resultado un estudio encantador de la producción para violín y piano de Antheil que allana el camino para una verdadera comprensión de la relevancia y el mérito del controvertido compositor.

Luis Suárez

 

Ives, Charles. Complete Orchestral Sets for Chamber Orchestra. Orquesta New England. James Sinclair, director.

NAXOS 8559917 · DDD · 68’ · *****

Esta producción de Naxos contiene las series de obras orquestales que Ives (1874/ 1954) designó como "sets", para orquesta de cámara o de teatro, junto a sus cuatro grandes sinfonías numeradas. Este lanzamiento anuncia la primera interpretación completa registrada del conjunto orquestal, un trabajo tardío en el que Ives trabajó principalmente entre 1919 y 1926, aunque, como en el caso se hicieron adiciones ocasionales a la partitura en el 1950 En 1919-1926, sin embargo, Ives estuvo increíblemente ocupado con otros proyectos: la compilación de 114 canciones y la primera publicación de la Concord Sonata, sin mencionar la creación de muchas otras ambiciosas composiciones, incluyendo The Celestial Railroad, Four Transcriptions from "Emerson , y las Tres piezas para piano de cuarto de tono. Que Ives encontró el tiempo y la energía para dedicarse a todo este trabajo creativo, además de mantener su trabajo de tiempo completo como ejecutivo de seguros a raíz de un debilitante ataque al corazón que lo debilitó permanentemente. su fuerza es, en sí misma, un logro aparentemente sobrehumano.

Los conjuntos son interpretados de manera experta y autorizada por el director y editor jefe de la Sociedad Ives James Sinclair, con la Orquesta de Nueva Inglaterra. Sinclair editó e introdujo por primera vez la orquestación completa genuina en la década de 1970, que Ives había puesto en peligro sin darse cuenta al cortar y pegar muchas de sus partes en la partitura más pequeña. Sin embargo, Sinclair ha descubierto aún más la primera versión de 1915/6 del conjunto orquestal nº1, que se aparta del familiar en muchos aspectos: tiene una impresión más larga, una más corta y más directo y es fascinante, y uno se lo agradece al escucharlo por fin. Aunque para Ives fue una obra puramente póstuma, el texto del conjunto orquestal n.º 2 se estableció hace mucho tiempo, aparte de algunas tonterías de directores invasivos que manejaron la partitura al principio de su historia. Ninguno de esos cambios se incorpora al texto que Sinclair utiliza aquí, y la interpretación es más clara y directa; una rara reflexión sobre la actualidad de Ives: se inspiró en el canto espontáneo de la gente. Sinclair también logra una lectura equilibrada y bien expresada sin sacrificar la pura emoción de su estruendo.

Así pues, todos los Sets encajan directamente en la realización muy bien lograda de Sinclair en una concepción trascendental por excelencia, en la que Ives revisita elementos de varias obras, y los entreteje en una atmósfera profunda, de ensueño y de otro mundo que es exclusivamente suya. Todo el Conjunto Orquestal en comparación, es suficientemente finito y definitivamente Ivesiano; poniendo el punto al final de la larga oración de su obra orquestal y, junto con esta grabación, confirma aún más el lugar de Ives como un compositor estadounidense cuya voz le habló al mundo entero y más allá, al infinito.

Luis Suárez

String Quartets from Galicia. Obras de marcial de Adalid, José Arriola y Juan Durán. Cuarteto Novecento.

BRILLIANT CLASSICS 5028421966618 · DDD · 67’ · *****

En esta edición del 2023 de los cuartetos de cuerda de tres compositores gallegos, el Cuarteto Novecento, abarcando un abanico de tres siglos, rinde un merecido homenaje a sus compatriotas: Marcial de Adalid (1826/81), José Arriola (1895/1954) y Juán Durán (1961 -) un talento de compositores quienes logran un dominio total sobre el conjunto y la forma, en obras que tienen atractivos suficientes para complacer tanto a los oyentes casuales como a los críticos rigurosos, y sus miembros ofrecen tres interpretaciones sólidas que rezuman inteligencia, encanto y gracia. Una producción de primeras grabaciones, original, interesante y muy recomendable. Todos ellos miembros de la Real Filarmonía de Galicia: Ildikó Oltai, Irina Gruia, Ioana Ciobotaru y Millán Abeledo, nos muestran a lo largo de esta grabación consistente y lo más cercana posible un sonido claro y nítido que resalta cada parte, mientras mantiene una distancia razonable para capturar la mezcla del conjunto y el ambiente moderadamente resonante. Un Chopin español (Adalid) desconocido hasta ahora en estados de ánimo elegíacos, sin destacar ritmos de danza folclórica y con efectos románticos europeos. El Cuarteto de Arriola (1949) es similar a Richard Strauss, de quien era discípulo, en un homenaje a su madre una vez vuelto a una España arruinada y represiva en tiempos de postguerra. El ejemplo de Juan Durán es un despliegue de técnicas expresivas a la idea moderna del cuarteto de cuerdas como medio del virtuoso; es el más desarrollado y maduro, todavía aventurero y dependiente de los efectos de cuerda novedosos en aras de la originalidad, resaltado con la forma de tocar que en general es apasionada y convincente.

Luis Suárez

 

 

Reverón Piano Trío. Obras de Villa-Lobos, Turina y Manuel Ponce. Simón Gollo, violin. Horacio Contreras, violonchelo. Ana María tamendi, piano.

IBS CLASSICAL 202022 · DDD · 78’ · ****

Este CD reúne una variedad de atractivas piezas para varias obras para trío con piano, de un compositor mexicano, un español y otro brasileño. De la escasa cantidad de obras que dejó Manuel Ponce para conjuntos de cámara de cuerdas. Solo el “Trío Romántico”, la” Petite Suite dans le style ancien” o la “Sonata para Violonchelo y Piano” han sido grabados anteriormente y ejecutados con cierta regularidad, y ésta obra seleccionada será una verdadera sorpresa para los oyentes que solo conocen a Ponce a través de su música para guitarra y la canción popular "Estrellita", que sigue siendo su pieza distintiva. Ponce estaba muy al tanto de las corrientes musicales internacionales y en 1927 (a los 45 años) ingresó a la clase de Paul Dukas en el Conservatorio de París para ampliar su comprensión de las técnicas contemporáneas. Salió de la clase de Dukas capaz de componer música de una complejidad digna de Schoenberg o Bartók, pero no logró descolocar su identidad cultural; ésta piezaa es tan serias como cualquier música de cámara escrita en las décadas de 1930 o 1940, pero en la mayoría de los casos son indudablemente mexicanas, aunque no suenen ni cerca de los modismos de Chávez o Revueltas, se quedan como todas las obras de su primera etapa en un atractivo romanticismo tardío. Sin embargo, es sin duda un esfuerzo importante y consumado, una obra que proyecta con éxito los frutos de la herencia popular mexicana de Ponce.

La música de Heitor Villa-Lobos seguirá siendo bienvenida aunque en este “Trío nº1” todavía no está su imparable energía rítmica y su increíble comprensión de la fusión única de la música de elementos clásicos y populares, sin embargo está su tono dolorosamente hermoso del romanticismo y académico, percepciones musicales profundas y perpetuas que tenía el joven genio brasileño, y los intérpretes logran con su asombrosa habilidad para sacar sonido nítido de sus instrumentos, demostrando su penetrante comprensión de la obra con su ejecución suave y cautivadora.

Con el Trío nº1 de Joaquín Turina (en realidad en nº2) atrapan a los oyentes con su enfoque idiomático altamente estilizado. El Reverón Trío toca con exuberancia y nitidez rítmica. El sonido es mayormente realista y bien equilibrado. La grabación es perfecta: de cerca, íntima, pero nítida.

Luis Suárez