Rodrigo, Joaquín. Guitar Works, Vol.3. Celil Refik Kaya, guitar. 

NAXOS 8579053 · DDD · 65' · ****R

Se completa, con este tercer volumen, la producción completa para guitarra, del maestro Joaquín Rodrigo, en el sello NAXOS. Toda una paleta de piezas que siguen presentando su estilo neoclásico y nacionalista con los colores de la tradición romántica impresionista francesa. Obras menos conocidas que en las anteriores entregas, como el virtuoso tríptico del "Elogio de la guitarra" hasta sus encantadoras miniaturas, como "Dos pequeñas fantasías", o la "Sonata Española", escrita para Ernesto Bitteti, la música de guitarra de Rodrigo explora la naturaleza española del instrumento y mezcla la tradición con la innovación, siempre lleno de variedad, contraste y atmósfera cautivadora. Todo ello, con las obras concertantes y las canciones con acompañamiento del intrumento protagonista, hacen de ello una valiosa aportación a la literatura musical guitarrística única en la historia. El guitarrista y compositor turco-estadounidense Celil Refik Kaya, nos ofrece esta nueva producción. 

El valor musical de esta integral es evidente, con unas interpretaciones receptivas capaces de aportar una gama de expresión más amplia a su interpretación de lo que cabría esperar, que sumado a una labor de ingeniería óptima da como resultado un resultado detallistae evidente. El resultado es una interpretación fuertemente rítmica que es más delicadamente reveladora de lo normal, incluso suave por naturaleza, cuando así se requiere. Joaquín Rodrigo escribió muchas piezas de guitarra solista que merecen más crédito, a ello sumando dos aportaciones para flauta y guitarra: "Aria Antigua" y "Serenata al Alba del Día", realmente interesantes. Composiciones que están fuertemente influenciadas por la música folklórica española. Quien ama la guitarra clásica también bebe una y otra vez de este legado, de su técnica e ingenio y, por supuesto, de su comprensión de las posibilidades de la guitarra. En estas interpretaciones se puede valorar un virtuosismo, donde prácticamente se pueden sentir sus dedos trabajando intuitivamente a través del instrumento, y el sonido limpio de la grabación solo hace que la experiencia sea más vívida. Estas actuaciones transmiten un amor contagioso y una comprensión de la guitarra que es un placer experimentar.

Luis Suárez

 Cayetano Brunetti. Complete Oboe Sextets. Robert Silla & Il Maníatico Ensemble. 

IBS CLASSICAL 92021 · DDD · 130' · ****RS

Primeras grabaciones mundiales de esta colleción inestimable de obras de cámara de Cayetano Brunetti, compositor italiano activo en las cortes españolas a mediados del siglo XVIII. Aunque bastante prolífico (451 obras), Brunetti no es conocido hoy en día como Luigi Boccherini (otro empleado de la corte española). La razón principal parece ser que Brunetti no publicó en vida su producción. La mayoría de sus obras fueron para el entretenimiento de Carlos III y Carlos IV. Fuera de España, Brunetti era prácticamente un desconocido. Así que es para estar satisfecho por cualquier lanzamiento de su música, especialmente uno tan bien interpretado como este, demitificando la carencia de obras de embergadura en el periodo del Clasicismo en España.

La mayoría de las composiciones de Brunetti fueron para grupos de cámara. Esta colección de seis sextetos de oboe es parte de ese cuerpo de trabajo. Escritos para "la diversión de Su Majestad Católica", son accesibles y encantadores. Pero estos sextetos también tienen cierta profundidad, haciéndonos a veces imaginar que estamos incluso ante obras dle mismo Haydn. La instrumentación requiere dos violines, dos violas, violonchelo y oboe. Tener un par de instrumentos de cuerda superior le proporcionó a Brunetti varias opciones. A veces, los dos violines tocan juntos, a veces por separado, a veces solo uno toca, y lo mismo ocurre con las violas. Brunetti podría reducir el conjunto a un trío de cuerdas, expandirlo a un cuarteto de cuerdas o entregar el sonido completo de los cinco instrumentos. Y aunque el oboe es el foco, hay muchos pasajes donde las cuerdas toman la delantera.

El oboísta Robert Silla toca con un tono limpio y fluido. Es especialmente ágil en pasajes rápidos. Y juega con un sonido cálido y expresivo durante los movimientos lentos. Nos enocntramos con obras muy notables del período al final de su vida, y el resultado es una interación entre solista y conjunto ágil en el concierto, donde Silla puede coordinar pequeños detalles tímbricos con sorprendente precisión. Los movimientos lentos parecen elevarse con una energía sostenida y los movimientos externos son animados de una manera que proviene solo del dominio total al que se agrega algo personal. El control del conjunto sobre la estructura general es igualmente preciso con situaciones de interpretación muy similares, y simplemente no hay un momento en el que la música no esté exactamente en su lugar. El concepto de diseño del álbum, con Silla vestido con las mejores galas del siglo XVIII, es también digno de tener en cuenta, siempre dispuesto a batirse con su espada-oboe ante cualquiera de las partituras. 

Luis Suárez

 Le Tombeau de Claude Debussy. - Homenajes musicales a Debussy por varios compositores:  Bartók, Béla; Dukas, Paul; Falla, Manuel de; Goossens, Eugène; Malipiero, Gian Francesco; Ravel, Maurice; Roussel, Albert; Satie, Erik; Schmitt, Florent; Stravinsky, Igor. Intérpretes: Lev, Rostorf-Zamir, Gandelman, D. Yablonsky, Seroussi, Z. Dorman.

NAXOS 8.573935 · DDD · 63' · *****RS

En diciembre de 1920, dos años después de la prematura muerte de Claude Debussy, los editores de la reconocida revista musical parisina La Revue musicale publicaron un número especial dedicado a la memoria del compositor. En su esencia, había una composición conmemorativa conjunta de destacados compositores de la época que se publicará en un suplemento especial con su edición de diciembre de 1920. Cada uno rindió homenaje al difunto maestro con su propio estilo típico y al mismo tiempo reflexionó sobre la estética de Debussy, creando una especie de "cápsula del tiempo" musical de París en este período histórico único. Desde la obra final para piano de Dukas hasta el monumental coral de Stravinsky, esta es la primera grabación completa, realizada con motivo de su centenario, de Le Tombeau con las obras relacionadas que se derivaron de ella.

¿Cómo nunca había oído hablar de esto? ¿Por qué no se publicó de manera más amplia, es decir, con propiedad?

Se han rastreado los archivos físicos de la revista hasta Nueva York, esta biblioteca, y ahora, aquí estaba, un número especial en memoria de Debussy en el segundo aniversario de su muerte; pasando las páginas de 10 composiciones con nombres tremendamente familiares: Ravel, Stravinsky, Bartók, Falla, Satie, Dukas, Schmitt, Malipiero, Roussel, Goosens. 

La razón por la cual esta colección no se interpreta y no pasa a formar parte del repertorio de conciertos. No es que no fuera una pieza importante de la historia, ya que constituye una sección transversal única del París musical justo cuando una generación de compositores estaba entregando el testigo a otra. No es que no funcionara musicalmente, de hecho, todo lo contrario. No, es porque Le Tombeau es, a todos los efectos prácticos, prácticamente imposible de ejecutar. Al no haber recibido ningún criterio preciso para escribir, los compositores dejaron volar la imaginación y compusieron para una vertiginosa variedad de instrumentaciones. ¿Y qué institución musical podría reunir fácilmente piano solo, cantante soprano, guitarra, violín y violonchelo, y mucho menos una orquesta para incluir 23 músicos de viento? (La pieza de Stravinsky fue tomada de las Sinfonías de instrumentos de viento más largas y orquestales, en las que estaba trabajando simultáneamente, pero aunque lo que le dio a la revista fue un arreglo de piano, siempre se ha creído que sólo funciona en su visión orquestal acabada y eso es lo que Stravinsky tenía en mente).

Pero han pasado los años y la industria ha cambiado. El nuevo énfasis de las compañías discográficas en un repertorio raro y olvidado brinda oportunidades. Fui testigo de cómo a principios de la década de 2000 se estaban grabando partes crecientes del ciclo de Tombeau en diferentes escenarios, pero a pesar de estas excelentes grabaciones, la obra en su conjunto permaneció en las sombras. Pero ahora, finalmente, las estrellas se han alineado.

Con esta producción de Naxos, este sueño ahora se hace realidad, con el lanzamiento digital emitido 100 años después del mismo mes desde ese número especial de La Revue musicale, y el lanzamiento físico son interpretaciones dignas, bien grabadas, en apoyo de una empresa musicalmente valiosa. El pianista Tomer Lev fue el impulsor de esta realización, y sale solista destacado de la mayor parte de la producción. Ha proporcionado notas delineadas excepcionalmente detalladas: no solo el contexto, sino también breves descripciones de los compositores y una discusión informada sobre cada pieza. Se incluyen las biografías habituales de los artistas intérpretes o ejecutantes. 

Destaca la portada del volumen, una ilustración del pintor posimpresionista Raoul Dufy (1877-1953). Parte de esto está impreso en la portada de las notas del transatlántico y la imagen completa está incluida en el texto.

 La calidad del sonido es ideal. Permite a los oyentes apreciar las sutiles sonoridades de cada pieza. Tomer Lev ha reordenado el orden de las piezas al de la partitura original. En un ensayo para The Gramophone (diciembre de 2020), escribió: “Le Tombeau es, a todos los efectos prácticos, prácticamente imposible de ejecutar. Al no haber recibido ningún criterio preciso para escribir, los compositores dejaron volar su imaginación y compusieron para una vertiginosa variedad de instrumentaciones ”. Lo que ha resultado de la realización de Lev es una pieza de arqueología musical a menudo hermosa y siempre interesante. Para mí, la diversidad obvia se convierte en una gran fortaleza más que en un dilema.

A destacar la interpretación completa de la "Sonata para violín y violonchelo" de Maurice Ravel. Comparada con gran parte de su música, esta es una pieza mordaz que refleja su reacción a la Primera Guerra Mundial. El primer movimiento se incluyó en el volumen conmemorativo. Las otras dos se agregaron en 1922. Las notas del trazador de líneas explican: “la escritura ultra transparente para dos instrumentos melódicos se corresponde con las últimas obras de Debussy, y especialmente con sus últimas sonatas para violín y violonchelo, donde renunció a su característico espectro impresionista multicolor en favor de de concentrada claridad neoclásica ". Aquí se ofrece una espléndida interpretación a toda la obra.

Luis Suárez

Erwin Schulhoff. Flammen (1932). Raymond Very, Arnold Schoenberg Chor, ORF Vienna Radio Symphony Orchestra, Bertrand de Billy.

Capriccio 5382 · DDD · 127' · ****R

Flammen es la ópera más puramente erótica que jamás hayas escuchado. La historia es una versión fuertemente simbólica de la leyenda de Don Juan. En realidad, el Don está condenado a pasar por la vida seduciendo mujeres, quiera o no. Las mujeres no pueden resistirse a él y él no puede detenerse. Incluso la Muerte (una mujer, por supuesto) se pasa toda la ópera persiguiéndolo, aunque nunca podrá reclamarlo. Pues justo cuando llega al colmo del aburrimiento y el auto-disgusto, se dispara en la cabeza y vuelve a la vida, joven y viril, para comenzar de nuevo el ciclo. Schulhoff fue solo uno de los muchos compositores judíos talentosos asesinados por los nazis cuya música ahora está siendo redescubierta, y esta es su obra maestra. Es un logro magnífico, magníficamente interpretado y grabado.

Flammen, terminada en 1932, fue la única ópera de Schulhoff. Su historia es un recuento surrealista de la leyenda de Don Juan con elementos de la leyenda del judío errante, fuertemente influenciado por la psicología (pseudo) freudiana simbolista fin-de-siècle, surrealista, donde Don Juan - buscando desesperadamente escapar de su libido - no es arrastrado al infierno al final, sino castigado con la condena a vivir para siempre (el libreto, por cierto, parece no tener conexión con la ópera homónima de Schreker). Musicalmente, pertenece quizás a los últimos suspiros del expresionismo post-romántico extremo, exagerado; es hiperdramático, densamente cromático (en realidad no hay mucha melodía funcional en ningún sentido tradicional, aunque la música tiene una base tonal) con elementos de jazz añadidos, a menudo para ser tragados por fuerzas orquestales densamente oscuras y rechinantes. El estado de ánimo es omnipresente - la acción toma la forma de una secuencia onírica de eventos - y se basa mucho en texturas brillantemente oscuras y siempre cambiantes que generan clímax aplastantes y apocalípticos y zambullidas repentinas en el abismo. La impresión es la de tomar el lenguaje musical de Schreker, Zemlinsky tardío y Schoenberg temprano y llevarlo a su punto de ruptura absoluto. Y la experiencia es reveladora. Aunque conocía bastante de la producción de Schulhoff de antes, el nivel de invención, el poder absoluto y el dominio absoluto de la orquesta que se muestra en esta ópera fueron alucinantes. Y hay muy pocas otras obras con las que pueda comparar esta obra; sí, están los elementos del jazz; hay oscuridad bergiana, hiperexpresionismo schrekeriano, mucho surrealismo, pero la música en realidad no suena como ninguna otra cosa. Y afortunadamente para nosotros, Capriccio ha reunido un elenco de primer nivel. Rangos expresivos para hacer que cada personaje funcione de manera convincente. La Muerte es positivamente aterradora (y seductora al mismo tiempo). Los papeles más pequeños se desenvuelven bien, y la orquesta, bajo Bertrand de Billy, está en una forma absolutamente asombrosa, que es quizás el elemento más importante en este tumulto escénico apabullante. El sonido también es de primera, por lo que la conclusión es sencilla: se trata de una grabación imprescindible de una de las grandes obras maestras del siglo XX. 

Hay muchas secciones en 'Flammen' sin cantar. Estos pequeños poemas de tono son exquisitos. Muchos recuerdan el clásico 'Putnam's Camp' de Ives, donde se escuchan dos bandas de música convergiendo y chocando entre sí, al menos musicalmente. Schulhoff utiliza música con dos ritmos y / o dos melodías y / o dos instrumentaciones que se superponen. Estas no son las "disonancias crujientes" de Prokofiev. Estos pequeños interludios siempre se resuelven en cierta estabilidad y belleza tonal. A menudo son misteriosos, e incluso sugieren la languidez de Korngold. Pero también hay jazz de muchas formas en 'Flammen'. En el escenario, una banda de jazz, ritmos sincopados de jazz y música de baile se incorporan a los interludios y las secciones vocales a lo largo de esta gran obra. "Flammen" tiene momentos de gran belleza y pasión con un mundo sonoro variado. 

Luis Suárez

British Guitar Works, Vol.2. Obras de John Dowland, Benjamin Britten, John Rutter, Cyril Scott, Nicholas Maw. Graham Anthony Devine, guitarra.

NAXOS 8573692 · DDD · 61' · *****RS

Julian Bream, leyenda entre los guitarristas del siglo XX, instó a varios compositores británicos a componer para guitarra, para ampliar tanto el repertorio como las posibilidades del instrumento más allá de los estilos y convenciones de la música española para guitarra. Sin embargo, es normal notar cómo recurrieron, casi por reflejo, a la música española y la leyenda renacentista del laud británico, Joh Dowland, en busca de inspiración, y cuántas de sus piezas conservaron sus características más destacadas. A pesar de los toques modernistas, las "Sonatina" de Ciryl Scott, obra dedicada a Andrés Segovia y oculta durante d`´ecadas en un cajón del artista que rescatara y revisara Bream, no se alejan mucho de los estados de ánimo o las técnicas que se encuentran en las obras modernas de concierto de compositores españoles contemporáneos al mismo. Lo mismo puede decirse de las piezas de John Rutter donde es probable que el oyente confunda estas piezas con el neoclasicismo de Joaquín Rodrigo o Manuel Ponce, donde tan fuertes son las similitudes. Se pueden encontrar excepciones a esta imitación estilística en el "Nocturnal, op.70" de Benjamin Britten, una orginal y rompedora obra, bastante abstracta donde los mundos del sueño, los sueños y las pesadillas, y el inconsciente fueron todos de gran importancia. Britten asignó descripciones para cada una de las variaciones creando una narrativa del sueño, la noche, los sueños y, en última instancia, la muerte. La obra está escrita como un conjunto de ocho variaciones de la melancólica canción para laúd de John Dowland "Come, heavy Sleep", con el tema de Dowland que aparece al final de la obra. Como se diría del tópico inglés, justo al revés del género de la variación acostumbrado. La obra que cierra el disco de Nicholas Maw, es otro conjunto de variaciones organizadas libremente, o 'meditaciones' en el Intermezzo del "Cuarteto de cuerdas en la menor de Mendelssohn, Op. 13". Todo el conjunto con el uso de diferentes tipos de técnicas y materiales relacionados con la memoria durante el trabajo: sonidos de guitarra típicos del instrumento y su repertorio, y la memoria de la coda ". El guitarrista Graham Anthony Devine toca las obras con sensibilidad y gran control técnico, y Naxos ofrece su excelente calidad de sonido habitual. 

Luis Suárez

PÉTERIS VASKS. Orchestral Works. ULADZIMIR SINKEVICH, violoncello. ANNA-MARIA PALII, soprano. MÜNCHNER RUNDFUNKORCHESTER. IVAN REPUŠIC´, conductor

BR CLASSICS 900336 · DDD · 76' · ****

"Música serena, dolorosa y apasionada", con el "Concierto para violonchelo nº2", son evocaciones muy personales de los sentimientos, con una escritura de Vasks muy idiomática, principalmente con las cuerdas. En general, su estilo en estas obras, que son totalmente modales o tonales, podría caracterizarse como ampliamente impresionista, con elementos que recuerdan de diversas maneras a Mompou, Ravel y Messiaen, aunque un fuerte elemento folk es con frecuencia una corriente oculta, lo que les da una sensación de espontaneidad e improvisación. El despliegue pausado del material es una representación atmosférica hermosamente adecuada de la quietud y austeridad de un paisaje interno. Son evocaciones más activas, incluso evocativas, de las temporadas sensitivas cálidas y espesas del alma humana de Letonia, alguna presagiando un presagia largo invierno letón. La accesibilidad y el atractivo inmediato de la música de Vasks hacen de este un disco que debería atraer a cualquiera que ame la música lírica para piano del siglo XX. 

La música de Peteris Vasks ofrece un enfoque ideal de la nueva música para las personas que piensan que no les gusta la nueva música. Ciertamente, su música no debe confundirse con la de un compositor tonal tradicional o con la de un neorromántico; está lleno de golpes, racimos y sonoridades sorprendentes. Si bien incluye una muestra generosa de técnicas de los siglos XX y XXI en su caja de herramientas de composición, eso no es todo lo que tiene allí; también usa armonías tonales, formas reconocibles, melodías memorables, y no sería exagerado caracterizar su música como esencialmente dulce y sensual sin ser empalagosa. Lo más importante es que combina sus materiales dispares de formas que tienen un impacto emocional ineludiblemente directo, a menudo con la simple capacidad de comunicación de los místicos minimalistas de Europa del Este, con los que razonablemente podría agruparse. Uno de estos eventos es un armónico bastante estático. El resultado es una música cuyos atributos más llamativos son su sencillez, colorido atmosférico y melodía. Esta casi ausencia de contrapunto también le da a la música una monumentalidad que podría percibirse como impasible y en bloque, si no fuera por la orquestación colorida del compositor y su habilidad para crear impulso con elementos muy simples.

El "Concierto para violonchelo", que el compositor describe como inspirado por el sufrimiento y la perseverancia del pueblo lituano, consta de cinco movimientos, con momentos de serenidad alternados con agitación. Aquí, la línea adicional del violonchelo aumenta la complejidad de la textura de la música, haciéndola más convencional y accesible que la sinfonía. El violonchelista toca con un tono resonante y transmite tanto la turbulencia como la tranquilidad lírica del concierto. La Orquesta es dirigida con maestría en interpretaciones comprometidas y nítidas. La calidad del sonido es notablemente clara y presente. 

Luis Suárez

 Visca L’Amor. Catalan Art Songs of the XX and XXI Centuries. Isaí Jess Muñoz, tenor. Oksana Glouchko, piano.

Bridge Records, Inc. · 9548 · DDD · 45' · ****

Hay lieder de la historia de la música que nunca deberían faltar, joyas del canto que definen a la cultura territorial, compositor, poeta, la época y el repertorio con un arte tan rico y prolífico que justifican la invención de las grabaciones. Uno piensa en aquellos realizados en lenguas mayoritarias, como el alemán, inglés, francés, italiano, ruso o castellano..., sin embargo no deben faltar aquellas lenguas monoritarias que identifican la historia y cultura de territorios diversos. Cantnates de primera líena de Cataluña han prestado su voz para dejar testimonio de estas perlas y plasmarlas en grabaciones y conciertos por todo el mundo. Hay otros cantantes extranjeros que, sin embargo, al descubrir las partituras que aquí se citan, del siglo XX, quedan impresionados e intentan perfeccionar su pronunciación foránea a la lengua descubuierta e incorporarlas a sus repertorio. Eso es lo que hace el tenor estadounidense Isaí Jess Muñoz, cuya hermosa voz, interpretaciones conmovedoras, inteligencia penetrante y profunda humanidad hacen vivir la canción artística para innumerables oyentes. El resultado es una bonito logro; junto con Oksana Gluchko al piano, explora todos los aspectos del incomparable genio lírico de Toldrá, Mompou, Ricard Lamote de Grignon, Narcís Bonet, Elisenda Fábregas y Joan Comellas. Todo el puñado de partituras recogidas bajo el concepto del canto al amor. Obras de exuberante belleza, desde el amor dichoso hasta el desamor. El metraje se hace muy corto, apenas unos 45 minutos, dejando algún ciclo, como es el "Combat del Somni" de Mompou, uno de los más bellos de la historia de la música, incompleto en solo tres número. Este conjunto pertenece al corazón de todos los que aman la buena música y la gran musicalidad, el gran arte y la gran maestría. El sonido es claro, cálido y verdadero y siempre te hace quedar con ganas de más. Agradecimiento por el esfuerzo del estudio del material y ver que su estudio de la canción oriunda, en la ciudad de Barcelona, ha dado unos óptimos frutos.

Luis Suárez