Qvid est veritas? Obras de Benedetto Ferrari, Maurizio Cazzati, Caludio Monteverdi, Tarquinio Merula y Giovanni F. Sances. Los Músicos de su Alteza. 

IBS CLASSICAL 212021 · DDD · 62' · *****R

Los Músicos de su Alteza, Grupo liderado por Luis antonio González, con la figura aquí especial de la soprano Olalla Alemán y con Pablo Prieto y Eduardo Fenoll, violín, Pedro Reula, violonchelo y viola da gamba, Miguel Rincón, chitarrone y Alfonso Sebastián con el órgano de cámara;  defienden el concepto de  "la verdad" con un abanico de piezas de compositores barrocos italianos, y hay que reconocer que el resultado es convincente: cada compositor tiene preferencias en relación con los tipos de ideas melódicas y gestos rítmicos empleados, y las nueve piezas presentadas aquí parecen ajustarse al gusto de una única identidad musical. Este es un álbum cada vez menos inusual,  en el que la vocalista Olalla Alemán ocupa el eje central madrigalesco, aunque incluye una destacada interpretación instrumental del notable conjunto, con las letras incluidas en excelentes traducciones, una necesidad absoluta para un programa de este tipo. Con la popular obra "El Lamento d'Arianna" de Monteverdi, que ha sido una piedra angular de su fama tanto en su tiempo como en el nuestro. En su forma original, Monteverdi compuso este lamento como un punto focal dramático dentro de su ópera Arianna. Como tal, adornó las festividades nupciales de 1608 del príncipe Francesco Gonzaga de Mantua y la duquesa Margherita de Saboya. Varios embajadores y otros testigos de esta primera actuación dieron testimonio del poder especial de la música de Monteverdi para el Lamento. El propio Monteverdi escribió más tarde que esta pieza era la "parte más esencial" de toda la ópera y un desafío particular a su capacidad de invención. Lo publicó como una entidad separada en 1623 (dos veces), lo arregló una vez para un conjunto coral y compuso una monodía sagrada (el "Pianto della Vergine" de la Selva morale e spirituale de 1641) en su música. El Lamento de Ariadne dio lugar a todo un género de música de lamento en el siglo XVII y provocó vibrantes debates teóricos sobre el poder de la música para imitar las emociones humanas. El resto de madrigales incluidos siguen su estela, con unos gestos melódicos cargados de emoción en la voz pura y perfecta de Alemán, recurriendo con frecuencia al cromatismo apoyado con un trabajo instrumental excelente del conjunto que encaja perfectamnete con el estilo de la misma. La acústica de la iglesia es una adición valiosa a la colección de madrigales. La diversidad de estilos y expresiones en este trabajo lo convierte en un vehículo ideal para que un conjunto de música antigua demuestre su gama completa, y las habilidades y recursos tanto del apartado instrumental, como de la soprano se muestran brillantemente. La belleza de la producción vocal-instrumental muestra la calidad de audio menos que excepcional.

Luis Suárez

 Manuel M. Ponce - Sonatas "Romántica y Clásica". 24 Preludios. Ander Clemens, Guitarra

NORDIC SOUND · DDD · 69' · *****S

El guitarrista noruego Anders Clemens vuelve a editar otro disco, esta vez recogiendo parte de la obra compuesta para el binomio Segovia-Ponce por el denominado padre de la música nacional mexicana, Manuel María Ponce (1882–1948). Se basa en dos géneros: la Sonata y Preludio. 

Segovia y Ponce se cruzaron por primera vez en 1923, cuando Segovia tocó en un concierto en México al que asistió Ponce con el propósito de escribir una reseña de conciertos para un periódico local. Ponce quedó instantáneamente impresionado con el virtuosismo y la sensibilidad musical de Segovia y escribió una crítica favorable del concierto. Tras leer la crítica de Ponce, Segovia concertó un encuentro con Ponce para animarle a componer música para guitarra clásica, iniciando una prolífica serie de colaboraciones y una larga amistad durante un período de algo más de veinte años. Esta colaboración dio como resultado la composición de muchas obras de guitarra notables como "Theme Varie, et Finale", "Sonata Mexicana", "Concierto del sur para guitarra y orquesta" y doce de los veinticuatro preludios de Ponce. Segovia también jugó un papel en el refinamiento de estas piezas agregando digitaciones, transponiendo ocasionalmente a teclas más amigables con la guitarra y haciendo otros cambios para fines de interpretación. A fines de la década de 1920, Andrés Segovia (1893– 1987) le encargó a su amigo, el compositor y pianista mexicano Manuel Ponce que escribiera veinticuatro preludios para guitarra. En 1930 se publicaron dos volúmenes de 6 Preludios cada uno, mientras que los doce "Preludios" restantes no fueron publicados hasta 1980 por el guitarrista Miguel Alcazar, 32 años tras su muerte. Los veinticuatro Preludios hacen un uso extensivo de muchos de los atributos y timbres únicos de la guitarra, como el uso de armónicos, diferentes texturas musicales, la colocación de la melodía en registros diferentes y a veces inesperados, y el uso extensivo de cuerdas específicas para resaltar algunos de los colores de tono distintivos del instrumento. Aunque no era principalmente un guitarrista, Ponce compuso muchas obras para guitarra y tenía una habilidad ingeniosa para explotar las características y limitaciones únicas del instrumento, componiendo muchas piezas memorables y únicas que ahora son partes importantes del repertorio estándar de la guitarra clásica.

Ponce compuso estos veinticuatro Preludios durante los primeros cinco años de su estadía de ocho años en París, perfeccionándose con el legendario Paul Dukas en la Schola Cantorum y coincidiendo con varios jóvenes talentos a merger como Joaquín Rodrigo, que comenzó en 1925 y terminó en 1933. Ponce y Segovia originalmente tenían la intención de escribir veinticuatro Preludios para guitarra con el propósito de crear un método de guitarra que introduciría a los guitarristas a las veinticuatro teclas. Sin embargo, después de la publicación de las dos primeras series de 6 Preludios por Schott Publishing en 1930, Segovia informó a Ponce que Schott no publicaría los dos volúmenes restantes debido a la depresión económica de la década de 1930. Segovia grabó la primera serie de 6 preludios para discos Decca en 1952, lo que contribuyó en gran medida a su perdurable popularidad. Casi cincuenta años después de la publicación de los dos primeros volúmenes, el guitarrista Miguel Alcázar obtuvo acceso a algunos de los archivos musicales supervivientes de Ponce y encontró todos menos uno de los doce Preludios adicionales que anteriormente no se habían publicado. Para completar el conjunto, Alcazar usó la canción popular de Ponce “Cuando la Aurora” en lugar del Preludio que faltaba y traspuso la pieza a sol mayor, cumpliendo así el objetivo original de Ponce y Segovia de publicar veinticuatro Preludios que presentarían a los guitarristas a los veinticuatro. Alcazar procedió a publicar el conjunto final de doce Preludios en 1980 (cincuenta años después de la publicación de los dos primeros volúmenes en 1930), que fueron bien recibidos por la comunidad de la guitarra clásica y continúan siendo ampliamente enseñados, aprendidos e interpretados a este respecto. día.

Para empezar este CD Clemens abarca interpretando 2 de las 5 sonatas para guitarra del compositor mexicano, una de ellas "Sonatina Merdional". Tanto la "Romántica" como la "Clásica (a la manera de Fernando Sor) fueron escritas principalmente a instancias de A. Segovia, y las sonatas son las obras más sustanciales y satisfactorias de la obra de guitarra de Ponce, lo que lo convierte en una experiencia auditiva muy generosa. Si Segovia tendía a tener tempos bastante enérgicos y sus interpretaciones a veces carecían de claridad rítmica (aunque siguen siendo imprescindibles para los amantes de la guitarra), Clemens prefiere tempos mucho más pausados ​​(que no lentos) y es muy expresivo en su interpretación. No hay absolutamente nada mecánico en su estilo, todo lo contrario. Se nota que realmente siente esta música y que la está tocando como un trofeo muy querido. Cada sonata está prodigada con un cuidado extraordinario y, a la vez que en los "Preludios" cada una tiene su propio sonido distintivo, desde el estilo neoclásico hasta el romántico. Ponce tenía la asombrosa habilidad de componer con el estilo exacto de los primeros compositores, lo que en algunos casos llevó a confundir la identidad del compositor de algunas de sus obras de guitarra, como una de sus "Suites" al estilo del laudista barroco: L. Weiss. El enfoque de Clemens es muy lírico, claro, colorido y brillante, a veces incluso libremente flexionando sobre frases para un mayor efecto, pero nunca participando en la autocomplacencia. La calidad del sonido es increíblemente vívida, fruto de una acústica especialmente clara. 

Luis Suárez

Americascapes. Obras de Loeffler, Ruggles, Hanson, Cowell. Basque National Orchestra. Robert Trevino, director. 

ONDINE 1396-2 · DDD · 63' · *****R 

Este lanzamiento en la etiqueta finlandesa Ondine es una rareza en sí misma por la obras y autores descocnocidos,  un candidato a ocupar un lugar privilegiado para una ubicación alta en nuestras repisas de cada librería; la música es poco conocida incluso por los americanistas devotos, y una de las piezas, "Before the Dawn", de Howard Hanson, recibe aquí su estreno mundial, pero el público receptivo y con ganas de lo desconocido, oculto tras la sombras misteriosas de la biblioteca de las partituras de orquesta, ha tomado interés incluso fuera de los EE. UU., y es en parte que el programa se junta en una manera inusualmente satisfactoria. El director Robert Treviño y la Orquesta Sinfónica Nacional de Euskadi ofrecen dos piezas fuertemente románticas, la "Hanson" y la "La mort de Tintagiles, op. 6", de Charles Martin Loeffler, que abre el disco y dos más modernistas, "Evocaciones" de Carl Ruggles (en su versión orquestal de 1943) y "Variaciones para orquesta" de Henry Cowell. Lo que emerge es cuán románticos eran los compositores estadounidenses, incluso cuando eran modernistas, al menos hasta que el serialismo entró en escena. Ruggles evita la habitual calidad escarpada y truculenta de las interpretaciones de su música, que se ofrecen animadas, ricas y entusiastas. Incluso aquellos que conocen las variaciones de Cowell (probablemente el elemento más familiar aquí) notarán muchos detalles nuevos en la orquestación increíblemente detallada. El sonido de Ondina, grabado en un enclave histórico de Donostia, hace justicia a la transparencia de las lecturas de Treviño. 

Todo suena bastante improbable, pero el álbum captará la atención de los oyentes desde el principio y no lo lanzará hasta el final. Nos resulta como un estudio de compositores extrañamente olvidados cuyo trabajo sustentaría una investigación más profunda. Por cada pieza de esta selección hace que uno se sienta bien con la música americana, donde la palabra "rarezas" es la operativa aquí, y algunos conocedores de la tarifa histórica podrían no ser capaces de resistirse a estas ofertas. 

Luis Suárez 

Michael Gielen. Edition Vol.10 (1969/2010) Musik Nach 1945.  SWR Sinfonieorchester Baden-Baden u. Freiburg 

Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR SWR Vokalensemble. Varios solistas. Obras de Zimmermann. Ligeti.  Crumb.  López.  Nono.  Feldman.  Cage. Kurtág.  Kagel. Boulez.  Gielen

SWR MUSIC · 6 CD · *****RS

Michael Gielen (Dresde 20 July 1927 – Mondsee, Asutria, 8 March 2019) era uno de los principales especialistas en música modernista, aunque al igual que varios de sus colegas, también demostró una gran aptitud para el repertorio sinfónico estándar, incluidas las sinfonías de Anton Bruckner ya expuestas en esta colección, Haydn, Mozart, Mahler, etc. Las grabaciones de Gielen de compositores vanguardistas se presentan en estos seis discos que componen el décimo volumen, en esta caja recortada de SWR Music, el segundo de dos volúmenes. (El primer volumen consistió en las grabaciones de Gielen de obras de Bach, Mozart, Haydn, Beethoven y Schubert.) Gielen conduce a las orquestas en lecturas eficientes y directas, fieles a las partituras y libres de fluctuaciones de tempo y efectos exagerados, en algunos casos por el propio compositor, en las tendencias contemporáneas. Este conjunto interesará a los oyentes que tienen una mente abierta sobre las tendencias de la segunda mitad del siglo XX y sus complicados métodos, en algunos casos todavía, de ejecución y escucha. Parte de dos "Requiem", tan divergentes como el de un Zimmermann maduro, con técnicas de pastiche en cintas sobre la partitura y otro como el impresionante y ya célebre de György Ligeti, para solistas femeninas, dos coros y orquesta, que puede ser la música de vanguardia más conocida y reconocible que el gran público en general haya escuchado, gracias a su uso en la banda sonora de la película de Stanley Kubrick de 1968, "2001: Una odisea espacial.

Obras en general donde prácticamente no hay melodía discernible o pulso rítmico o armonía tradicional. Nubes de sonido creadas por lo que él describe como micropolifonía: una superposición densamente empaquetada de líneas estrechamente espaciadas cuyo propósito es crear una variedad de texturas, los bloques de construcción diversos y experimentales de las más diversas tendencias de la época. Gielen es fiel a cada autor y a sus propias convinciones y dirige a orquestas y solistas en desgarradoras interpretaciones de estas obras ferozmente modernistas, presentando gran atención al detalle interpretativo con un gran enfoque y definición. La orquestas se vuelcan asimismo en la música nueva y tocan estas desalentadoras partituras con precisión y pasión. Los coros se distinguen igualmente y cantan con tono puro y preciso. Lo mismo puede decirse de las solistas que negocian las líneas estratosféricas y escandalosamente exigentes con seguridad y sin aparente tensión vocal. El sonido de las grabaciones en vivo es limpio pero atmosférico. Una bora un poco al margen del resto, hasta ahora expuesto viene al final del conjunto de grabaciones; el "Concierto para piano y orquesta"; una de las obras más delicadas de Cage. La orquesta se trata como un grupo de solistas en todo momento, y en su mayor parte opera con un pequeño conjunto de tonos y timbres, pero se amplía con una gran variedad de instrumentos de percusión tocados por cuatro intérpretes. El piano, interpretado por el magnífico intérprete de piano contemporáneo Claude Helffer, se entreteje entre las sonoridades orquestales, rara vez con solos prolongados, ya que la pieza se vuelve progresivamente más escasa hasta que se afina en el silencio al final. 

Luis Suárez

Semina Rerum. Italian baroque violin sonatas. Obras de Veracini, Pandolfi Mealli, Fonatana, Albertini, Caldara, Vivaldi, Geminiani y Corelli. Roberto Alonso, violín. Aglaya González, viola d'amore. Brais González, clave.

IBS CLASSICAL 182021 · DDD · 66' · ****

Desde los trinos dobles y triples hasta la deslumbrante "Folía" de Corelli, Roberto Alonso ofrece interpretaciones modelo de estas obras de repertorio estándar, la mayoría no muy conocidas, desde la primeras aproximaciones a la forma de sonata, al modelo ya asentado definitivamente. Todo ello Acompañado con tacto y discreción por el bajo de Aglaya González y Brais González, suenan soberbias con el sonido de IBS siempre absolutamente transparente. Algunos de los elegidos, como Geminiani fueron un verdaderos virtuosos. Autores asimismo algunos influyentes tratado sobre la técnica del violín, y todos con un espíritu libre. Las sonatas, aquí presentadas, originales para violín y continuo, son obras brillantes, con una técnica desplegada al servicio de una elegancia simplista en lugar de un destello puro, expandiendo significativamente el idioma barroco del violín. Es por eso que se necesita un violinista extraordinariamente versátil y sensible para interpretar de manera convincente. Si bien el idioma general es el barroco, cada obra presenta desafíos técnicos y estilísticos particulares. En general, Alonso interpreta estas sonatas con una exquisita ligereza de tacto que roza lo etéreo sin cuestionar los fundamentos estilísticos y formales de la música. Significativamente, las interpretaciones originales del Trío nunca eclipsan la originalidad de la música. Si hay una ligereza extraordinaria en su interpretación, cada obra se aborda con sumo cuidado, la cualidad de la ligereza aparece singular en cada pieza. 

Luis Suárez

Domenico Scarlatti. Complete Keyboard Sonatas, Vol. 26. Bruno Vlahek, piano. NAXOS 8574221 · DDD · 65’ · **** 

Continua Naxos grabando y editando su serie en curso que cubre el enorme cuerpo de sonatas para teclado de Domenico Scarlatti. Aquí nos encontramos el caso del pianista croata, Bruno Vlahek, un verdadero conocedor de la obra del italo-español, tras su paso por la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Ejecuta una ágil lectura usando fuertes contrastes dinámicos, tomándose su tiempo entre éstas y las otras contrastantes piezas más lentas y meditativas, que es uno de varios dispositivos que hacen que Scarlatti parezca aquí como una especie de predecesor inmediato de los poetas del piano romántico. Vlahek posee la perseverancia suficiente para vencer las ​​peculiares dificultades de ejecución en estas sonatas. La interpretación al piano aquí expuesta resalta colores en la obra de Scarlatti del folklore español. Los tratamientos se adaptan bien a varias de las piezas elegidas aquí con una articulación nítida y una delimitación clara de las líneas interiores y un uso juicioso de alteraciones dinámicas y de tempo para aumentar la intensidad, convincentes en su técnica y evitando por completo la ostentación. La lista de nueve de las sonatas de Kirkpatrick, basada en el orden cronológico de las fuentes disponibles, continúa principalmente con los volúmenes de Venecia, en orden cronológico de compilación, incluyendo otras 13 sonatas que se conservan de otras fuentes, la Catedral Metropolitana de Valladolid, Biblioteca de Cataluña de Barcelona, ​​Instituto Portugués de Patrimonio Cultural, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Biblioteca de la Universidad de Turín y Monasterio de Montserrat. 

Luis Suárez

Prokofiev. Conciertos para Violín y Orquesta. Sonata para Vioín Solo, Op.115. Tianwa Yang, Vioín. ORF Vienna Radio Symphony, J. Märkl, director.

NAXOS 8.574107 · 62' · DDD · ****

Con un margen de 18 años compuso Prokofiev sus dos "Conciertos para Violín, op.19/65", entre los 26 y 44 años respectivamente. De estructura y dimensiones claramente opuestas, el primero da la vuelta a la estructura tradicional del movimiento del concierto de rápido-lento-rápido de adentro hacia afuera, los dos movimientos externos y más lentos que enmarcan al deslumbrante Scherzo central encuentran al compositor ya experimentado yuxtaponiendo sus dotes de melodía, humor y exigencia técnica. Si bien éste nº1, en Re mayor, es un concierto muy respetado, el "Segundo Concierto en Sol menor" es de lejos el punto culminante de la producción de Prokofiev para violín y se ha convertido en uno de los conciertos para violín escritos con más frecuencia en el siglo XX. Volviendo a la estructura del movimiento clásico, el Segundo Concierto se centra más en la melodía, la textura y los colores de tono que el Primero, aunque todavía posee algunas exigencias técnicas loft para los intérpretes. Este álbum dinámico presenta a la violinista Tianwa Yang tocando con la Orchestra Sinfónica de la ORF, mostrándose como un intérprete de detalles consumados, entonación pulida y una brillante variedad de colores. El contraste entre las secciones más verticales y agresivas y las secciones más suaves y líricas tiene más éxito en este álbum, dando como resultado un disco que sin duda es una elección respetable para unir estos dos conciertos. El disco termina en una interpretación brillante y complementaria de la "Sonata para Violín Solo, Op.115". Es un hecho poco conocido que no fue pensada originalmente como una obra para violín solo, sino más bien para un grupo de veinte violinistas tocando al unísono. Los tres movimientos de la Sonata de Prokofiev son relativamente simples tanto desde el punto de vista musical como técnico; en manos de intérpretes distraídos, la obra puede incluso adquirir cierta trivialidad. La versión de Tianwa Yang es es una experiencia auditiva deliciosa cuando se escucha pensado en su configuración original de violín masivo. 

Destaca la grabación por su entrega en sus difícil reto de destacar entre las magníficas grabaciones ya existentes; empezando por las realizadas por el legendario David Oistrakh, o la Heifetz con Sir John Barbirolli. Complicado es meterse entre estas grabaciones que son de lejos las más conmovedoras, las más líricas, las más sentidas, y ciertamente las grabaciones más persuasivas de las obras que jamás se hayan registrado. El fuerte tono de canto de Yang, expansivo y completamente concentrado, junto complementados con la "Sonata Op.115" (faltaría la "Sonata a 2 Violines, op.56" para que fuera redondo, solo hace que esta edición sea atractiva, y el sonido es casi tan rico, cálido y claro como las mejores grabaciones realizadas en el último medio siglo.

Luis Suárez