Hector Berlioz – Symphonie Fantastique op.14. Fantasie sur la Tempete de Shakespeare op.14b

Toronto Mendelssohn Choir. Toronto Symphony Orchestra. Sir Andrew Davis, conductor.

CHANDOS RECORDS · CHSA 5239 · **** · 70’s

De nuevo una versión de la quizá composición más célebre de la figura eterna del Romanticismo francés, Hector Berlioz, la “Sinfonía Fantástica”. Ésta vez de las manos de Sir Andrew Davis y la Orquesta Sinfónica de Toronto. Berlioz recibe una lectura de estilo como un producto de una febril imaginación romántica de la época: el empuje y arrastre del rubato, los ataques explosivos y las acentuadas sonoridades. Todos los miembros de la orquesta conspiran para hacer de esta una actuación verdaderamente sorprendente, arriesgada y divertida. Hay muchas grabaciones excelentes que pueden colocarse a lo largo del espectro, desde versiones convencionales hasta versiones auténticas (con instrumentos de época), pero pocas pueden hacer una conjetura tanto como lo hace este fascinante rendimiento. El éxito de Davis se reduce a las decisiones que toma acerca de la dinámica, los estados de ánimo, los gestos, la expresión y la acentuación, todas brillantemente efectivas con ricos colores de la orquesta en su variedad. Presenta sus cinco movimientos con firmeza y un claro sentido de la trayectoria, conectados con la narrativa. La inclusión de la parte “tempestuosa” de “Lelio o El Regreso a la Vida” es un regalo adicional. Berlioz la concibió como una secuela de su “Sinfonía Fantástica”. El soliloquio sobre “La Tempestad” de Shakespeare es el epílogo a este “Monodrama lírico”, sección más importante, y la más desarrollada y musicalmente satisfactoria, para coro, orquesta y piano a cuatro manos, cuyo texto, inexplicablemente, está en italiano. Davis, de nuevo, muestra al compositor en su forma más imaginativa: una música que parece flotar, mágica y encantadora, con una orquestación que es característicamente extraña, pero efectiva. La grabación de Chandos es maravillosamente vívida y resonante.

Luis Suárez

Ritorna Vincitor! Veronika Dzhioeva sings favoRite arias
Veronika Dzhioeva, soprano. Kaunas City Symphony Orchestra. Constantine Orbelian, conductor
DELOS · DE3575 · *****S
La soprano dramática rusa, de la región de Osetia, se destaca en este bello recital de arias, en una amplia variedad de papeles, con un rango, hermoso timbre de bella coloratura en un abanico de octavas graves y una apreciable agilidad aportando funciones bien definidas a sus roles. Las arias que seleccionó incluyen algunos estándares muy exigentes que destacan su versatilidad musical y dramática. Constantine Orbelian dirige en un acompañamiento obediente, sin hacer destacar mucho la orquesta. Quizás sea debido a que parte de las arias no verdianas, no van acompañadas de al menos una parte de su enmarcación escénica, a diferencia de otros álbumes de presentación de otras nuevas divas como Pretty Yende. Dzhioeva aporta inteligencia, pasión y una fuerte personalidad interpretativa. Tiene una voz Potente, bella y expresiva. Resalta el valor musical de óperas “one hit Wonder” del repertorio estándar por una sola obra: Giordano o Cilea, con otras joyas de la amplia producción de Verdi y Puccini. La escuela de verismo ofrece algunas de las músicas más convincentes, además de los extractos de joyas como “Aida”, “Il Trovatore”, “Un ballo in maschera” o “ La forza del destino” son especialmente atractivos, formando un abanico de exhibiciones de talento que al final se queda corta. El sonido de Delos es excelente, claro y presente.
Luis Suárez

Antón García Abril – “El Hombre y la Tierra” – Banda Sonora Original de la Serie de RTVE.
¿Orquesta y Coro de RTVE? · A. G. Abril, director.
Quartet Records – RTVE – Limited Edition (1974/81 – 2018)
QR350 · *****SPR
Quartet Records, en colaboración con el legado del desgraciadamente desaparecido sello discográfico de RTVE, publica un cuádruple CD con la música que el Maestro turolense Antón García Abril compuso para la mítica serie 'El hombre y la tierra', del inolvidable Dr. Félix Rodríguez de la Fuente. Aquella que se abría con la siempre perdurable (y memorable) en nuestros cerebros, sintonía de aires africanos. Emitida por TVE entre 1974 y 1981, el todo en su conjunto, forma ya parte de la historia de la televisión y de la memoria colectiva de muchos españoles que descubrimos la riqueza y la diversidad de la fauna ibérica (también la venezolana, canadiense y norteamericana) de la mano del afán divulgativo, aventurero y la inconfundible voz narradora del mítico Félix Rodríguez de la Fuente, un hombre adelantado a su tiempo en una España tan retrasada culturalmente, fallecido en pleno rodaje en Alaska en marzo de 1980, lo que supuso sin duda un trauma inolvidable en lo corazones de tantos infantes, y no tan niños. Pero ahí sigue, imperecedero al paso de los tiempos, aunque sus discípulos (por suerte) hayan seguido sus pasos y ese país haya mejorado bastante, aunque nunca suficiente en concienciación de desarrollo social, mirando a la naturaleza como base sostenible esencial del bienestar común.
Estamos por tanto ante un verdadero acontecimiento de la música cinematográfica y televisiva española, pero sobre todo ante un monumental y heterogéneo catálogo de música programática que busca una traslación al lenguaje orquestal y sinfónico, a la manera de un vodevil de la naturaleza con algunos arreglos pop, de la fauna, el paisaje y los tiempos, ritmos y flujos biológicos, en el que vendría a ser uno de los trabajos pioneros en el género imitado luego por documentales similares. García Abril nos deleita con ritmos salvajes y sincopados, lirismo en otras veces, siempre dotados de heterodoxa, brillante orquestación y compleja estructura. Una extensísima y memorable música de García Abril para la serie, piezas compuestas al cronómetro y otras de libre disposición a lo largo de los capítulos, según palabras del maestro. 80 cortes, más de 260 minutos de música convenientemente restaurada y remasterizada por Chris Malone bajo supervisión del compositor que es quien orquestó y dirigió toda la extensa producción, con la casi totalidad de los temas recuperados para nuestro disfrute, que acompañaron los 124 episodios de la serie en sus temporadas.
El libreto es ampliamente explicativo de las condiciones de producción y alta estima entre ambos genios. “Félix Rodríguez de la Fuente contagiaba entusiasmo y emoción. Era muy gesticulante. El día de la grabación cuando oyó la música se entusiasmó. Tanto que me robó la partitura. Como hice toda la serie, cada dos o tres semanas, nos reuníamos para hablar. Fueron casi ocho años trabajando con TVE. Entendí que había que tratar musicalmente a los animales como seres humanos. Cada animal tenía su melodía. Fue un aprendizaje enorme".
Lirismo nostálgico para describir las estaciones según los estados de ánimo que cada una de ellas ofrece al ser humano. Scherzos sobre las notas graves del trombón para las imágenes de los juegos de los oseznos. Lobos cazando recupera cierta rítmica ancestral desde el piano para progresar en un crescendo instrumental al que se suman, en genial contrapunto, los distintos colores de la sección de metales para concluir en una furiosa orgía depredadora, con voces corales sombríos como ambiente descriptivo. Hombres a caballo imita el trote propio del western desde el contrabajo como ritmo de base para la guitarra española, ukelele y armónica en la mítica tierra de la fiebre del oro… todo ello y mucho más en un perfecto equilibrio entre la música de vanguardia y la tonalidad más pura, llegando a veces a rozarse. Su reconocible e irrenunciable sello melódico y la herencia del lenguaje postromántico y cinematográfico se funden en un auténtico relato con vida, narrativa y personajes propios que lo han convertido en uno de nuestros compositores vivos más respetados e interpretados en todo el mundo.
Luis Suárez

JOHANNES BRHAMS. CELLOS SONATAS. Asier Polo, cello. Eldar Nebolsin, piano
Ibs Classics · 82019 · 70’ · DXD
Ibs Classics ****
No importa cuántas grabaciones de las sonatas para violonchelo de Brahms se hayan realizado, de hecho, esta grabación de Asier Polo y Eldar Nebolsin merece ser escuchada. Polo , un jugador fuerte y conmovedor con un rico registro inferior y un registro superior que canta, y Nebolsin , un virtuoso poderoso con una sensibilidad poética con sutilezas de la asociación. La “Sonata menor nº1” es juvenil pero aún trágica, precursora de la Cuarta Sinfonía, mientras que la “Sonata mayor nº2” es madura pero aún heroica, es un seguimiento de la Tercera Sinfonía. Estas magnas obras para violonchelo de Brahms son la esencia del dorado otoño del romanticismo alemán en su momento más brillante y nostálgico. En las actuaciones correctas, uno puede probar la manzana y oler el humo de la madera y, más aún, puede sentir la hinchazón del lirismo sincero y, con ello, el surgimiento de la buena y honesta emoción alemana. El alma de Johannes Brahms canta a través de la música. El tono de Polo es fuerte y flexible, mientras que el papel de Nebolsin es rico y completo, y juntos son poderosamente persuasivos y completamente convincentes. Su actuación brilla con colores nítidos y baila con ritmos robustos, pero sobre todo canta con la máxima expresión de la belleza infinita del mundo y las profundidades apasionadas del corazón solitario en otoño. Asimismo el sonido de Ibs es rico y completo, profundo, cálido y tan real que puedes probarlo, degustando su audición desde el silencio de la noche, internándote en la simbiosis entre las compleja alma y cerebro de uno de los genios de la música que utiliza la música para expresar su sentir plenamente.
Luis Suárez

Roberto Aussel, guitarra. Tangos y Milongas
Ibs Classical 62019 · 52' · DDD
Ibs Classical ****

La diversidad de la música argentina va más allá del omnipresente tango. Auseel contrarresta sus propias intenciones al mostrar una amplia variedad de género eterno, también al mostrar otros estilos que no son el mismo, como la milonga. También se suceden entre las piezas la surtida cantidad de compositores argentinos que existen, a parte de los siempre encumbrados. La alegorías a Piazzolla están siempre presentes en elegías nostálgicas, como no.  Si bien la maestría de Assuel al frente de la guitarra marca la primera desviación del enfoque principal desde el primer acorde, el sonido siempre regresa lo suficientemente rápido al tango y la milonga, con una interpretación sorprendentemente capaz   de actualizar el sonido con un poco más de ritmo, sin dejarse caer por la monotonía expansiva a lo largo de todo el álbum. Las piezas minimalistas se presentan en secuencia, con una emotiva interpretación con la adición de lirismo a lo básico en la canción milonga. Todas excelentes piezas de los mejores artistas. Sustentado en la escritura original de un instrumento muy prodigado en el cono sur, también contiene partituras transcritas de autores como el mencionado Piazzolla, que no por ello han de perder nada de su fuerza natural, de los conjuntos naturales para la que fueron escritas (también Don Astor posee obras propiamente escritas para guitarra). Escuche el tango, la milonga y escuche también las partes buenas del repertorio que no es tango. Imprégnese del Mar de la Plata y el inmenso panorama pampeano.
Luis Suárez

8-9/06/2018 – Teatre-Auditori de Hospitalet de’l Infant – Vandellós Palau de la Mùsica de Barcelona
Orchestra Camera Musicae, Seong-Jin Cho, piano, Tomàs Grau, dirección – Obras de Chopin y Beethoven
Escrito por un joven y ambicioso Chopin como vehículo de autopromoción para demostrar sus capacidades de interpretación y, en menor grado, sus habilidades compositivas, los dos conciertos para piano han permanecido como una parte importante del repertorio del instrumento. Obras hermosas y completamente agradables, el “Concierto nº2, op.21” nos ha sido ofrecido por otro pianista joven, Seong-Jin Cho con una claridad e intimidad de tono, colores de sonido únicos y expresividad dinámica. La interpretación intrincada y detallada de Cho se traduce en una experiencia auditiva personal e íntima, gracias en gran parte a la gran acústica del recinto y al acompañamiento por una delicada y refinada orquesta bajo una dirección acertada del maestro Grau, necesario en este frágil trabajo, el más pequeño de los dos conciertos de Chopin, pero el más nocturno de expresión. La calidad de sonido de ha sido es agradablemente equilibrada y naturalmente resonante.
La archiconocida “Sinfonía nº5 Op.67” de Beethoven supone todo un giro interpretativo en la segunda parte de concierto, no solo para seguir sus frecuentes cambios de ritmo e individualismos únicos del genio alemán, otorgándole a la partitura un juego poderoso pero conmovedor y un juego sensible pero colorido en el tema lento. También se debe tener en cuenta el sonido, limpio y vibrante, espontánea y vigorosa. Música clásica interpretada por una orquesta pequeña y magra, con cuerdas brillantes y instrumentos de viento y metales característicos, tempos enérgicos que se repite escrupulosamente, y todas las intenciones del compositor se observan de cerca, con unos músicos y dirección con gran capacidad de respuesta.
Luis Suárez

Cuarteto Quiroga – Heritage. The Music of Madrid in the Time of Goya. Boccherini, Brunetti, Canales, Almeida. Cobra Records 0067 ***** SP
Las grabaciones de estos importantes cuartetos, tesoro patrimonial español, son raros. Los rasgos característicos de los mismos son tan comparables y valiosos como los de cualquier otra Corte Europea de la època que definirían la música tanto de los “Tiempos de Goya”, como los de los compositores radicados en nuestro país durante el Siglo XVIII, Boccherini, Brunetti o De Almeida Mota (que recaló en Madrid previo paso por Galicia, donde fue maestro de capilla en Mondoñedo y Lugo),, considerados como artistas hispanos. Otro de estos puede ser considerado como el único exprofeso nacido dentro del Estado, Manuel Canales. Las piezas de expuestas también son más que importantes por tratarse, al menos dos de ellas, como primicias en cuanto a grabación (ambas) y desempolvadas de las arcas, como es la de Boccherini.  No sorprenderá a quienes conocen al compositor, es una joya igual al resto de sus obras de cámara en  cuanto a estilismo y forma. La grabación en conjunto es brillante y cautivadora y excepcionalmente buena, como no podía ser menos de un conjunto como el Cuarteto Quiroga, Premio Nacional de Música 2018, oficialmente encargado de la curaduría de un grupo de instrumentos Stradivari españoles. Trabajo diseñado por el musicólogo Miguel Ángel Marín, uno de los principales expertos en este legado, le rinde homenaje al mismo, tan injustamente olvidado. Aitor Hevia, Cibrán Serra, Josep Puchades y helena Poggio buscan mostrar como Madrid se convirtió en uno los epicentros del continente en los albores de este género. Bajo un hermoso sonido y una técnica impecable nos muestran la relación entre grandes artistas. Saben que Goya y Bocherini se conocieron, así que no les parece muy alejado de la verdad que el aragonés escuchara cualquiera de las partituras de los autores que han elegido. De hecho, para la portada del disco, el sexto de sus trabajos de estudio, han elegido el cuadro de Goya "La familia del infante don Luis" (en la Fundación Magnani-Rocca, en Parma), entre otras razones porque aparece en él Boccherini. Es un disco que llevaban mucho tiempo queriendo grabar y este era "el momento ideal" porque, presumen, han afianzado su presencia internacional y su capacidad de llegar a salas de todo el mundo, lo que les permite ser "embajadores" de esa música "con mayor autoridad".
Luis Suárez

31 de mayo de 2019
Auditori Josep Carreras – Vila-Seca, Tarragona
Gerhard Quartet
El concierto empieza con una amena charla sobre la obra camerística a estrenar de Josep María Guix, compositor destacado de la vanguardia catalana, “Tres Haikus para cuarteto de cuerda”. Las tres miniaturas expuestas magistralmente por nuestros solistas dan en apenas cinco minutos toda impresión transmitida, por el poeta, de la propia escena mostrada anteriormente expuesta en verso por el propio Guix en la entrevista. El oyente fue capaz de contemplar lo mismo que han contemplado el poeta, compositor e intérpretes y crear una perfecta sinestesia a cuatro bandas creando un círculo perfecto y homogéneo y, con ello, sentir la misma emoción. Todo tipo de ténicas, como la percusión, el fraseo melódico, el pizzicato… todo un éxito empático. 
El grupo de cámara nos ofrece dos grandes obras de Schubert y Mozart respectivamente. Con Mozart nos meten en uno de sus cuartetos más conocidos, el K. 458 nº17, “La Caza”. Resalta el notable equilibrio del conjunto ofreciendo una descripción muy fina y delicada en la que los efectos de las características de la textura general se transmiten de manera muy sutil. Los tempos son rápidos, y el grupo generalmente favorece la intensidad emocional sobre el equilibrio formal, manteniendo un control perfecto. Es una actuación muy emocionante en todo, con un trabajo en equipo compacto equilibrado con los objetivos de cada integrante, y Mozart no puede ser mejor que esto.
Entre los grandes cuartetos de Schubert destaca el D. 887 nº15. El conjunto comienza su interpretación con el tipo de intensidad apasionada que refuta la sabiduría recibida de que los cuartetos de Schubert eran casi obras sinfónicas de gran intensidad. La rica complejidad es abarcada de un modo implacable incluso cuando el tempo es sorprendentemente ágil. Nadie podría decir que la expresividad extrema y fluida, no nos lleva de lleno al impacto emocional de la música. Se meten de lleno en el alma sensible del músico, cálida y cercana, dejando al oyente impactado ante tan basta y compleja partitura de un Schubert en plena madurez, la cual sería su última aproximación al género.
La aclamación final no podía ser mejor ejemplo de la maestría expuesta por este ya enorme conjunto, asentado de lleno en el panorama musical internacional, y que a pesar de la juventud de sus componentes demuestran siempre una gran madurez y entrega. Lluís Castán, Judit Bardolet, Miquel Jordá y Jesús Miralles: Cuatro grandes intérpretes de la gran hornada que se ha ido cociendo en los últimos tiempos, en todo el panorama estatal, con una larga y exitosa carrera de fondo.
Luis Suárez