Three Portuguesse Orchestras. Alvaro Cassuto. Obras de varios autores.

NAXOS 8579130 · DDD · 66' · ****

Álvaro Cassuto (1938) comenzó su carrera en 1959 como compositor de vanguardia y fue el primer compositor portugués en adoptar el sistema dodecafónico. Nacido en Oporto en 1938, era hijo de alemanes que se refugiaron del régimen nazi en la patria de sus antepasados. Estudió violín, piano y composición desde temprana edad con destacados maestros como Fernando Lopes-Graça, Pedro de Freitas Branco y Herbert von Karajan, entre otros. En 1961 debutó como director con la Orquesta Sinfónica de Oporto e inició una carrera que lo llevó a ser nombrado director musical adjunto de la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Portugal de 1970 a 1974 y elegido su director musical de 1975 a 1987. También dirigió la Orquesta Sinfónica de la Universidad de California en Irvine de 1974 a 1979, la Orquesta Filarmónica de Rhode Island de 1979 a 1985 y la Orquesta Nacional de Nueva York, con la que obtuvo grandes elogios de la crítica, incluso de The New York Times, por su serie regular de conciertos anuales en el Carnegie Hall. Tras graduarse en la facultad de derecho de Lisboa en 1964, obtuvo el grado de maestro de capilla con distinción en Viena un año después, y en 1969 recibió el Premio Koussevitzky a un director de gran mérito en Tanglewood de Erich Leinsdorf. Aunque regularmente fue invitado a dirigir orquestas de primer nivel como la Royal Philharmonic, la London Symphony, la London Philharmonic, la BBC Philharmonic, la Philadelphia Orchestra, la Berlin Symphony, la de San Petersburgo y la de Moscú entre otras, fue con orquestas que se mostraron receptivos a un 'constructor de orquestas' que desarrolló la mayor parte de su carrera.

A lo largo de su carrera, siempre aprovechó la oportunidad para promover la música orquestal de los compositores portugueses, también, con una variedad de orquestas internacionales, produciendo numerosas grabaciones de estas obras para Naxos que recibieron críticas entusiastas. El nuevo disco del maestro Álvaro Cassuto recoge las grabaciones de tres orquestas nacionales bajo su dirección, entre 1983 y 2003, en su mayoría en vivo. La grabación más antigua es la única sin público, Orquestra do Algarve interpretando una pieza corta, “Staccato Brillante”, de Joly Braga Santos (1924-1988), grabada en el auditorio del Hotel Palácio, en Estoril. Única pieza portuguesa del disco. Esta pieza fue compuesta por Braga Santos a pedido de Cassuto, como explica el maestro en el libreto del disco. La pieza fue compuesta expresamente para el concierto de presentación de la Nova Filarmonia Portuguesa, fundada por Cassuto en el verano de 1988. En el CD, “Staccato Brillante” es interpretado por Orquestra do Algarve, que Cassuto comenzó a dirigir a partir de 2002. En el libreto, el director menciona que esta orquesta “se convirtió en un éxito inmediato, con varias grabaciones de Naxos”, pero “dificultades financieras y las diferencias de opinión sobre su futuro” llevaron a Cassuto a dejar la orquesta del Algarve en 2005, para abrazar otro proyecto, la Orquestra Metropolitana de Lisboa, de la que se convirtió en director artístico. La programación de la Orquestra do Algarve también incluye Danzas húngaras de Brahms, con arreglos intersantes para orquesta de Martin Schmeling. Además de Braga Santos y Brahms, el disco incluye piezas de Mozart, Richard Wagner, Glinka, Richard Strauss y Chabrier, de diferentes orquestas, entre ellas la Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP), creada bajo una propuesta do Governo, de Cassuto en 1993, integrado por 110 músicos, y que se convirtió en “la mayor fuerza musical de Portugal”, en opinión del maestro, con quien grabó varias piezas de Braga Santos. Sin embargo, la “independencia de esta orquesta”, dice Cassuto, “fue de corta duración”, ya los seis años se integró en el Teatro Nacional de S. Carlos. Cassuto dejó la OSP y considera que la “actividad sinfónica y artística de la orquesta” ha pasado a ser secundaria frente a las prioridades operísticas de S. Carlos, principal escenario lírico nacional. OSP, en este disco, bajo la dirección de Cassuto, interpreta el preludio del acto III de la ópera “Lohengrin”, de Wagner, grabada en 1994, y también, de Strauss, la obra “D. Juan” y la “Danza de los Siete Velos”, de la ópera “Salomé”, la rapsodia “España”, de Emmanuel Chabrier, y la obertura de la ópera “Ruslan y Ludmila”, de Mikhail Glinka. Por la Nueva Filarmónica Portuguesa (NFP), la Sinfonía núm. 35, “Haffner”, de Mozart, aquí se ve la diferencia de calidad de grabación con respecto al resto de grabaciones, con una menor toma de sonido por parte de la ingeniería.

Interesante, pero sería mejor con obras portuguesas.

Luis Suárez

Fernando Lopes-Graça. Divertimento, Op. 107 (1957). Sinfonieta, Op. 220 ‘Homenagem a Haydn’ (1980). Cinco Velhos Romances Portugueses, Op. 98 (1951–56). Quatro Invenções, Op. 148 (1961). Portuguese Symphony Orchestra. Bruno Borralhinho, conductor & cello.

Naxos · 8574373 · DDD · 63' · *****

Fernando Lopes-Graça (1906/94) fue uno de los más grandes compositores de Portugal del siglo XX, cuyo credo artístico fue unir la música folclórica de su país natal con técnicas modernas para crear una identidad nacional alternativa y original. Con su contexto tonal en constante cambio, el "Divertimento" captura perfectamente el estilo inimitable de Lopes-Graça, que se enriquece aún más en la "Sinfonieta", de construcción concisa, por su admiración por Haydn. Los conmovedores, incluso trágicos, "Cinco Velhos Romances portugueses" se basan en baladas tradicionales, mientras que los desafiantes "Quatro Invenções", en palabras del compositor, exploran un expresionismo dramático esencialmente atonal.

El director y violonchelista Bruno Borralhinho es uno de los músicos portugueses más destacados de su generación y un verdadero embajador de la música portuguesa. Es director artístico del Ensemble Mediterrain y miembro de la Dresdner Philharmonie. Es licenciado en música por la Universität der Künste Berlin, Máster en gestión cultural por la Universitat Oberta de Catalunya, Barcelona y Doctorado en humanidades por la Universidad Carlos III de Madrid.

Aquí el fin es escuchar obras orquestales de Lopes-Graça, con la sorpresa de las cuatro últimas piezas para violonchelo solo, un poco como el "padre" de la música portuguesa del siglo XX. De hecho, dio muchas lecciones de composición a prácticamente todas las generaciones posteriores. Después de Freitas-Branco o Braga-Santos, NAXOS continúa una serie de obras de este gran compositor y eso es bueno. La música portuguesa estaba hasta hace subrepresentada fuera de su país de origen. Los trabajos presentados son interesantes porque son muy diversificados. La orquesta es excelente, y Borralhinho quien lleva los mandos, hace con su interpretación que sea más soberbia si cabe. La "Sinfonietta" es una obra poderosa y memorable. Es una obra colorida que hacerca a Haydn pero sin dejar de lado las características propias de autor. Ciertamente, las melodías del "Divertimento" se quedan en la mente. Las "Invenciones" dejan un buen sabor rompedor con el aprovechamiento de la tímbrica del violonchelo a solo. Y los Romances tienen asímismo un final poderosamente redentor, del género popular portugués. Vale la pena explorar cada obra.

Luis Suárez

Charles Koechlin. THE SEVEN STARS’ SYMPHONY, Op. 132. VERS LA VOÛTE ÉTOILÉE, Op. 129. Sinfonieorchester Basel. Ariane Matiakh, conductor. 

CAPRICCIO 5449 · DDD · 56' · ****

Muy apreciado como teórico y maestro, el francés Charles Koechlin (1867-1950) fue menos célebre en su época como compositor; poco agraciado en el aspecto melódico, gran orquestador, considerado más tarde como demasiado pintoresco para emular, su música ecléctica e inconsistente se desvaneció casi en la oscuridad. Desde los cofres de SWR de su música para piano solo y orquesta, ahora el sello CAPRICCIO CD nos muestra su peculiar "Sinfonía de las Siete Estrellas" y "Vers la Voûte étoilée" (Nocturno para orquesta) siguen ayudando a reparar el abandono y brindan una muestra generosa del estilo programático exuberante y temperamental de Koechlin. "Vers la Voûte étoilée (Hacia la bóveda estrellada" es atractiva por sus hermosos colores impresionistas, en un rico poema sinfónico, pero este suave nocturno es quizás demasiado largo para algo más que su único efecto crescendo. El uso de contrapunto disonante, politonalidad y cromatismo atonal de Koechlin proporciona algunos puntos de interés. Repecto a la intepretación la música está trabajada de correcta y se prolonga en medida después de su clímax, consiguiendo romper la telaraña enredada de la polifonía desenfocada y la orquestación vaporosa de Koechlin.

"Hacia 1933, me interesé más por el cine. Hasta entonces le había mostrado un gran desprecio por su carácter demasiado vulgar y demagógico. Pero confieso sin vergüenza que al conocer mejor este arte tan desigual, no podía dejar de apreciar la gracia espiritual o la 'belleza insolente' de ciertas estrellas... Esto me llevó a mi Sinfonía de las Siete Estrellas". A partir de este reconocimiento tímido y bastante falso, difícilmente se adivinaría la obsesión de Koechlin por las divas del cine o la renovación creativa que suscitaron. La década de 1920 había visto una desaceleración de la composición ya que las finanzas tambaleantes de Koechlin requerían conferencias, trabajo periodístico y la redacción de tratados sobre armonía, fuga y coral para complementar su menguante fortuna. Su vida interior a lo largo de esa década se centró en el trabajo con su alumna, Catherine Urner, quien se convirtió en una especie de soror mystica para su maestro alquimista. Con su regreso a los Estados Unidos a principios de los años 30, estaba a la deriva. Una proyección de "El ángel azul" con Marlene Dietrich y Emil Jannings el 29 de junio de 1933 inició el hábito de ir al cine con regularidad. Su respuesta fue inmediata y potente: mientras completaba el poema sinfónico "Sur les flots lointains" (basado en una canción de Catherine Urner), compuesta entre julio y agosto de 1933, se sumergió en la composición de la "Sinfonía de las Siete Estrellas". En julio, completándolo en septiembre, y finalizando la orquestación en octubre. Sus siete movimientos forman una suite más que una sinfonía, cada uno con sus referencias específicas y carácter distinto. El primer movimiento celebra a Douglas Fairbanks Sr. en El ladrón de Bagdad en "una pequeña improvisación oriental". A Lillian Harvey (un menuet fugué), Greta Garbo (païen coral) y Clara Bow se les asigna un movimiento cada una, aunque Koechlin está respondiendo a las fotografías; aún no había visto ninguna de las tres en películas. Dietrich está agraciada con un conjunto de variaciones sobre un tema formado, por cifrado, a partir de las letras de su nombre, mientras que el movimiento que lleva el nombre de Jannings está francamente subtitulado "Choral pour le répos de l'âme du Professeur Rath (du film L' Ángel azul)". Pero Chaplin se lleva la palma: su movimiento, que se reproduce durante un cuarto de hora, es otra variación que recuerda elementos de su creación, Charlot, en "La Fiebre del Oro", "El Circo" y "Luces de Ciudad". Los movimientos de Fairbanks, Garbo y Chaplin fueron estrenados por la Orquesta de la Radio Francesa, dirigida por Manuel Rosenthal, el 14 de diciembre de 1944; la obra completa se escuchó el 16 de noviembre de 1969, con Norman del Mar dirigiendo la Filarmónica de Londres.

Su música orquestal se toca muy raramente. Cada una de las dos obras grabadas aquí por la Sinfonieorchester Basel bajo la dirección de Ariane Matiakh son hallazgos importantes, y no ha sido una sorpresa ver este álbum ascender en las listas de éxitos de ventas clásicos. El trabajo es natural para la interpretación con cualquier tipo de evento cinematográfico, y es fácilmente accesible para cualquier persona. Las actuaciones aquí son precisas y silenciosamente radiantes, brindando el aspecto técnico un sonido excelente desde el Basilea Stadtcasino. 

Luis Suárez 

Malipiero, Gian Francesco. Violin Concertos. Per una favola cavalleresca. Paolo Chiavacci, Violin. Orchestra Sinfonica di Roma. Francesco La Vecchia, director.

NAXOS 8573075 · 69' · DDD · ****

La música de Gian Francesco Malipiero generalmente se va conociendo cada vez másfuera de Italia. Como sucediera con otros artistas de la época, como Richard Strauss, se le presuponía un posible coqueteo con el fascismo italiano para ser un tanto defenestrado, pero lo más probable es que no complacía a la multitud por su estilo ecléctico, en gran parte tonal, que lo hacía inaceptable para los seguidores del Alto Modernismo. De hecho, es precisamente ese eclecticismo lo que hace que Malipiero esté maduro para un renacimiento, y el director Francesco La Vecchia y la Orquesta Sinfonia di Roma contribuyen fuertemente a ese renacimiento aquí. La suite de cuatro movimientos "Per una favola cavalleresca", extraída de la música para una ópera proyectada de Malipiero, recibe aquí su estreno mundial en grabaciones, y los dos conciertos para violín del compositor no son más comunes. El "Concierto para violín Nº1", escrito a principios de la década de 1930, evita en gran medida las formas clásicas, e incluso esta obra en tres movimientos es formalmente libre y rapsódica. Hay toques de Stravinsky, Vivaldi (a quien Malipiero hizo mucho por popularizar) e incluso Vaughan Williams, pero hay un lirismo bastante italiano, y todo propio de Malipiero, y el violinista Paolo Chiavacci le da a la obra una interpretación adecuada. "Per una favola cavalleresca", inspirada en la leyenda artúrica de "Lancelot of the Lake", tiene un estilo conscientemente antiguo totalmente diferente al ofrecido por Respighi, un verdadero enamorado de la música medieval, y el "Concierto para violín n.° 2" de 1960, aunque más cercano a un idioma atonal, es reconociblemente parte del mismo mundo que el concierto anterior. "Es casi como si el espíritu del Primer Concierto se hubiera refractado a través del prisma de la atonalidad de la posguerra, y emergiera vivo y bien", escribe David Gallagher en las notas completas y, a menudo, elegantes. Estas obras son atractivas para escuchar para cualquiera, desde los admiradores de la tonalidad, hasta los neoclásicos, neorrománticos, o los más admiradores de la vanguardia experimental. Malipiero luchó por modernizar la escena de la música clásica en Italia, una tarea nada fácil considerando el dominio generalizado de la ópera italiana y el barroco italiano. De alguna manera, teniendo un relativo éxito en su época, al incorporar algunos de los componentes estilísticos que buscaban modernizar, a saber, el lirismo y el formalismo. Los conciertos para violín son perfectos ejemplos del intento. Ambos tienen fuertes líneas melódicas y líricas para el violín solo. La orquesta juega un papel mucho más subordinado que en la música de cualquiera de sus predecesores, con el violín casi siempre en el centro del escenario. Esta grabación presenta un sonido claro y bien equilibrado tanto de la orquesta como del solista. El violinista Paolo Chiavacci, posee la abundante técnica necesaria para realizar estas exigentes composiciones, con un sonido más que atractivo. La entonación es generalmente excelente y este álbum ciertamente vale la pena para cualquier oyente que busque ampliar su repertorio de conciertos para violín y de la música italiana del Siglo XX.

Luis Suárez

Händel, G. F. Complete Recorder Sonatas. David Antich, recorders. Mediterrània Consort: Ignasi Jordà, clave, órano; Juan Carlos de Mulder, laud, guitarra barroca; Leonardo Luckert, violonchelo.

IBS CLASSICAL 32022 · DDD · 61' · *****

David Antich nos presta nueva atención al repertorio de flauta dulce barroca, con resultados a menudo espectaculares. Aquí recurre a las sonatas de Händel para flauta dulce y bajo continuo. Hay evidencia de que Handel usó algunas de estas obras como piezas didácticas, lo que habría colocado al propio compositor al clavicémbalo. Las realizaciones del bajo contínuo aquí son vigorosas y ornamentadas, representando una excelente reconstrucción imaginativa de cómo podrían haber sonado realmente estas sonatas en la época de Händel, según los contextos en los que podrían haber sido utilizadas. El genio anglo-alemán presenta varias posibilidades de forma estructural, con el uso de la flauta como una forma de reproducir arias de ópera en casa. Trata los movimientos lentos con una melodía límpida al principio que explota en una lluvia de adornos a medida que el material se repite y desarrolla. Los movimientos exteriores también tienen muchos adornos que, cuando se combinan con el muy activo bajo contínuo, pueden dar como resultado una textura realmente densa. Una pieza como el movimiento Furioso de la "Sonata para flauta dulce en si menor, HWV 367a", se convierte en un dúo virtuoso bastante convincente, y todos los movimientos rápidos (varios de los cuales resultarán familiares para los aficionados a la flauta dulce por su presencia en antologías de arreglos) son nítidos. Antich es un intérprete expresivo con un maravilloso sentido de las líneas largas y un humor pastoral en los movimientos lentos de Handel y una forma de articular los movimientos rápidos para crear los niveles de sonido escalonados de la sonata italiana dentro de las limitaciones de las dos octavas de la flauta dulce de tonos Un placer para cualquiera que haya cogido alguna vez una flauta dulce en una clase de música escolar o cuya colección de Handel carezca de estas obras, que fueron muy populares en su época. Este es un disco que captura el aspecto virtuoso de estas sonatas como pocos lo han hecho.

Luis Suárez