DOMENICO
SCARLATTI. “Sonatas”.
Alberto Urroz, piano.
Ibs Classical 242018 · 73' · DDD
Ibs Classical * * * * * S
Luis
Suárez
domingo, 29 de noviembre de 2020
Soleriana. Joaquín Rodrigo Chamber Orchestra Works. Orquesta de la Comunidad Valenciana Palau de les Arts Reina Sofía. Joan Enric Lluna, director. IBS CLASSICAL · 82020 · 52’ · DDD · **** S
Más que interesante grabación de la no muy programada música
para orquesta de cámara del Maestro Joaquín Rodrigo, basado en el concierto
ofrecido por los mismos intérpretes en abril de 1999, a modo de homenaje. Nos
encontramos con el estilo neoclasicista del genio de Sagunto, con un ritmo y la
textura de la música española y tradicionalmente tonal. Rodrigo siempre se
manifestó como un estudioso de la música clásica española del siglo XVIII,
compositor accesible a todos los públicos y, si poco experimentador a las
tendencias contemporáneas. Bajo el paraguas de su estilo propio y fácilmente
reconocible, las obras aquí expuestas son similares en concepción a sus
composiciones más famosas. Pocas personas consideran a Rodrigo como un
compositor de una sola obra por más tiempo, pero él sigue siendo
desproporcionadamente representado injustamente por un puñado de obras. Aquí
tenemos claros ejemplos de joyas a destacar en su repertorio. En todas ellas la música de Rodrigo ayuda a
que las imágenes fluyan con enorme profusión. Aquí está presente todo lo que
los oyentes disfrutan de su música: las melodías suavemente melancólicas, el
color español, el sabor ocasional de las armonías de "notas
equivocadas" y el evidente disfrute de la vida del compositor.
“Soleriana” es una Suite de bella orquestación y basada en
las “Sonatas” para teclado de Antonio Soler, más conocido como Padre Soler,
músico catalán y máximo exponente del Clasicismo en España, que residió y
concibió gran parte de su corpus en el Real Monasterio de San Lorenzo de El
Escorial. La única pega es haberse saltado los tres últimos movimientos de la
obra, que deja huérfana a la partitura y corta la duración global del disco.
Completan el programa “Tres Viejos aires de Danza”, “Dos Miniaturas Andaluzas”
y Zarabanda Lejana y Villancico”. Pertenecen
al estilo «neoclásico moderno» característico de algunas de las obras de
Rodrigo: durante el flujo “normal” de la partitura, la orquestación comienza de
repente a deslizarse, llevando con él al tono y al ritmo, pero siempre en
beneficio de la expresión, y todo se llena de ironía soleriana y melancolía de
la música antígua. Esto es particularmente agudo en todas ellas, donde la formación
orquestal utilizada por Rodrigo se reduce y crea un diálogo permanente entre
sus miembros. La segunda parte del programa está dotada de magníficas melodías
impregnadas de nostalgia típica de Rodrigo. Las transcripciones, sobre la
guitarra y piano original, se dejan notar en la “Pastoral” y “Zarabanda
Lejana”, llegando a redescubrir una nueva sonoridad tímbrica en la cuerda de
gran belleza.
Aquí se muestra un buen trabajo de Lluna y la Orquesta de la
Comunidad Valenciana que adoptan un enfoque estudiado a conciencia en toda su
extensión, discreto y a su vez colorido y sensible. La segunda parte de
producción de Rodrigo para este tipo de formación queda en el aire, por ahora.
Luis Suárez
Frederic Mompou. Impressions Íntimes. Bernat Padrosa,
guitarra. La Mà de Guido · 2162 · DDD · ****SP
La música del compositor y pianista catalán Frederic Mompou
(1893-1987) no fue interpretada a menudo por él mismo durante su vida, en parte
debido a su disgusto por el proceso de autopromoción y en parte debido a la
extrema moderación de la música en una era de individualismo desenfrenado. Fue
el establecimiento del minimalismo como una empresa en marcha lo que ayudó a
llevar su música a los programas de conciertos: las piezas cortas de Mompou son
mínimas en el mejor sentido de la palabra. Mompou estudió y residió en Francia,
absorviendo las lecciones de Debussy; Su tratamiento de la armonía evita la
dirección del objetivo y crea finos tonos de color. Pero su lenguaje es
reducido en comparación con Debussy's, y casi siempre sus obras tienen títulos
abstractos (como indicaciones de tempo) - Debussy sin el impresionismo, se
podría decir. Mompou también fue influenciado por la música folclórica catalana
y gallega, no citando melodías, pero a menudo comenzando piezas con melodías
simples de contenido característico y luego pasando a un material que ofrecía
contrastes muy sutiles con la música de apertura. Desgraciadamente para
nosotros, escribió una modesta cantidad de música de piano, algunas canciones,
un ballet, un oratorio y muy pocas otras obras para guitarra y música de
cámara. Aquí Bernat Padrosa nos ofrece su valiosa producción guitarrística
Las primeras “Impresiones Intimas” (1911/2), publicadas
antes de la Primera Guerra Mundial, tienen formas tonales más convencionales
pero ofrecen fuertes indicios de Mompou: la extrema concisión y simplicidad.
Originalmente compuestas para piano, aquí Padrosa nos ofrece una más que
estimable transcripción propia, mostrándose como una intéprete preciso y
moderado sin ser cerebral, llevando a puerto la labor admirablemente. Esta es
una excelente introducción a un compositor fascinante cuya reputación está en
aumento. Dos ejemplos de sus “Cançòs i Dansas”, los números 10 y 13, únicos
ejemplos guitarrísticos de las mismas con un margen de 20 años entre que fueron
concebidas (1953/73), son un claro ejemplo del estudio y metamorfosis
folklórico popular del que tanto bebió Mompou, haciéndose célebres (entre su
producción) por la gran difusión de grandes intérpretes en vida del compositor.
Sirven como transición hacia la gran obra cumbre para el instrumento de seis
cuerdas.
Dedicada al legendario Andrés Segovia, esta colorida “Suite
Compostelana” (1962) de seis movimientos incorpora sonidos y modos
tradicionales de guitarra española, así como una sensibilidad armónica del
siglo XX. La tradición musical y legado histórico de la ciudad de Santiago,
donde impartía cursos de verano, son la influencia de inspiración. El
"Preludio" se abre con una figura de selección de guitarra giratoria
tradicional con las notas de la melodía en la línea inferior alternando con un
tono repetido de pedal invertido en el registro superior. La hermosa escala
modal establece un ambiente extraño, antiguo y romántico. Finalmente, este
patrón alcanza la octava más baja y altamente resonante. Siguen algunos acordes
modales modernos y ricos (construidos en cuartos). Cuando los patrones de
rodadura comienzan de nuevo, la escala modal ha sido reemplazada por cromáticas
misteriosas de naturaleza disyuntiva y constantemente errante. Sin embargo, los
patrones pronto encuentran su antigua evocativa expresada a través de una
escala modal en la clave subdominante en la que concluye la pieza. "Coral"
desarrolla sus armonías sombrías y conmovedoras a un ritmo lento de Lento. La
música da la impresión de acordes contemporáneos principalmente al acentuar los
tonos no armónicos en los recuentos principales y resolverlos en tríadas
estándar en los ritmos más suaves, aunque hay lugares donde se destacan novenos
menores no resueltos. El estado de ánimo es íntimo, reflexivo, triste, pero
lírico. El tema principal tierno y dulce de la "Cuna" fluye
suavemente en conjuntos de dos notas en un intervalo cercano entre sí,
acompañado de un simple arpegio en el primer tiempo. La sección central tiene
un sentimiento cantabile como un coral atenuado, un momento reflexivo. El tema
inicial y el movimiento vuelven a la cadencia en un acorde mayor simple. El
"Recitativo" crea una atmósfera extraña, difícil de atribuir a una
emoción específica. El empleo del modo Locriano raramente utilizado (que
contiene el tritono "prohibido" como uno de sus intervalos
principales) con acordes disonantes intercalados tiene algo que ver con este
estado inestable. También hay algunas medidas que suenan como una canción
infantil burlona. Sin embargo, este movimiento en un tempo "Lento molto
espressivo e cantabile" tiene una cualidad inquietante. El tema de la
"Canción" es un vals melancólico en La menor que se desarrolla en el
modo menor puro hasta encontrar sutiles modificaciones cromáticas que expresan
una pasión contenida. El puente del medio también contiene movimiento ondulante
que se resuelve brevemente en un nuevo modo (Dorian en lugar de Aeolian), pero
el tema inicial se recapitula por completo al final. La "Muñeira" final
es interpretada en un tempo Allegro con moto con una sensación de baile de 6/8
y un acento saltador en el quinto ritmo que parece dar un ligero tirón
artificial al movimiento de la muñeca. La melodía se reproduce sobre acordes de
puntos de pedal y líneas descendentes en la voz media. En la sección central,
los intervalos disonantes de la variedad "ho-ho" agregan una
característica cómica y ligeramente grotesca a la imagen antes de que las cosas
se arreglen nuevamente y el tema principal vuelve con armonías mayores más
completas y una bravura que termina con pesante, fortissimo
"rasgueado".
Padrosa es claramente un guitarrista talentoso con una
técnica prodigiosa, un tono opulento y una maravillosa sensibilidad
intepretativa. Es difícil imaginar estas piezas mejor interpretadas impregnándose
del alma poética de Mompou. Todo ello con un sonido claro y fuerte, con todo
tipo de detalles técnicos y expresivos, como se merece este tipo de repertorio intimista.
Luis Suárez
Fin du Temps. Messien. Takemitsu. José Luis Estellés,
clarinete. Aitzol Iturriagagoitia, violín. David Apellániz, violonchelo.
Alberto Rosado, piano. IBS CLASSICAL · 72020 · 61’ · DDD · ****S
Esta obra es una de las composiciones de música de cámara
más importantes y famosas del siglo XX. A principios de sus treinta años,
Messiaen ya era conocido como uno de los compositores y organistas franceses
jóvenes más brillantes e individuales. Fue en Verdun que su unidad del ejército
fue capturada durante el avance relámpago del ejército alemán en 1940. Dos
miembros de la compañía de Messiaen también eran músicos: el violonchelista
Etienne Pasquier y el clarinetista Henri Akoka. Como este último tenía su
clarinete, Messiaen escribió una pieza para él, que se convirtió en el tercer
movimiento de este cuarteto. Los soldados fueron trasladados a Stalag VIII-A a
las afueras de Görlitz, Silesia. Pasquier fue asignado como cocinero, lo que le
permitió mantenerse bien alimentado y pasar de contrabando alimentos adicionales
a Messiaen. Messiaen conoció a otro músico, Jean Le Boulaire, un violinista que
también tenía su instrumento. Pasquier acumuló el dinero que obtuvo vendiendo
patatas adicionales y se le permitió comprar un chelo de un fabricante local de
instrumentos. Messiaen escribió un trío para ellos, que se convirtió en el
cuarto movimiento. Messiaen descubrió un piano en la esquina de una choza
utilizada como iglesia. Rápidamente escribió el cuarteto y los cuatro músicos
lo estrenaron el 15 de enero de 1941, ante una audiencia de varios miles de
prisioneros y el campamento Kommandant y su personal. "Nunca me escucharon
con tanta atención y comprensión", Messiaen escribió. Las teclas del piano
eran pegajosas, y los músicos tuvieron que superar el frío, pero Pasquier dice
que no es cierto, como recordó el compositor, que solo tenía tres cuerdas en su
violonchelo, y agregó que simplemente no puede ser tocó en menos de los cuatro
estándar. El cuarteto significaba libertad para los intépretes. A partir de
entonces, los alemanes los enumeraron como músicos-soldados. La burocracia de
la Wehrmacht tomó esto como que significaban miembros de la banda no
combatientes y los devolvió a Francia.
Esta es una interpretación trascendental de la obra maestra
del cuarteto de Messiaen. El singular mundo sonoro del francés es
exquisitamente capturado por el trío errante con la adición de los tonos lisos de
clarinete y cómo deja que la línea melódica se desplace hacia la existencia sin
ninguna interferencia “super-musical”. Esto es cierto para todo el rendimiento
y, en ese sentido tienden a proyectar más individualmente lo que saca del mundo
al que Messiaen nos lleva. El misterio no es misterio si se presenta en una luz
demasiado brillante y esta obra sublimamente no forzada, más que ninguna otra,
parece permitir que la música hable por sí misma de una manera más natural que,
irónicamente, proyecta imágenes de otro mundo y a menudo desoladas de Messiaen
con mayor intensidad. Técnicamente la grabación es ideal en equilibrio,
acústica y tono.
Luis Suárez
Ernest Chausson. Concerto op.21. Chanson Perpetuelle
op.37. Simon Gollo, violín. John Novacek, piano. Mariola Cantanero,
soprano. IBS CLASSICAL · 62020 · 50’ · DDD · ****
Se podría etiquetar a Ernest Chausson como el descriptor
mortal "de la transición" entre el romanticismo francés y Debussy. Sin
embargo, su música es completamente distintiva e involucra el pensamiento
estructural de su maestro, César Franck y la armonía cromática de Wagner, y una
cualidad interna muy francesa que es completamente suya. El resultado final es
un estilo que parece esperar las cualidades psicológicas de la música de
Debussy. Una obra maestra que marca su papel logrado en la historia de la
música, “Concerto op.21” es mostrado aquí con un Simon Gollo y John Novaceck en
plena forma, recibiendo un fuerte apoyo del cuarteto de cuerda formado por
Benjamin Sung, Inrid Gerling, Randolph Kelly y Maki Kubota. Una inusual
orquesta de cuerda comprimida que se incorpora a la forma de sonata cíclica de
Franck en un discurso intenso antes de retirarse a una hermosa serenidad al
final. Todo ello bellamente grabado, donde se inclinan hacia los tempos,
empujan con fuerza en los clímax, retroceden en los movimientos lentos y
avanzan rápidamente en los movimientos rápidos. Tanto aquí como en la “Chanson
Perpétuele op.37”, las texturas pueden parecer demasiado gruesas, esa es la
influencia inevitable de Franck. Si a veces los ritmos son demasiado pesados,
esa es la influencia inevitable de Wagner. Y si la mayoría de las veces las
actuaciones apasionadas pueden mostrar un poeta emocionalmente inmaduro, ese es
el resultado ineludible de que el compositor haya muerto prematuramente, a los
44 años.
Luis Suárez
Cello Concertos. Asier Polo. Orquesta Barroca de Sevilla.
Andrés Gabetta. Vivaldi. Boccherini. Haydn. IBS CLASSICAL · 52020 · DDD ·
63’ · *****
Asier Polo se muestra de nuevo como un intérprete de grandes
cualidades en musicalidad y virtuosismo con estas estupendas versiones de obras
concertantes de Vivaldi, Boccherini y Haydn, bellamente acompañado por Orquesta
Barroca de Sevilla bajo la dirección de Andrés Gabotta, quien transforma las
partituras orquestales en un tapiz sonoro rico y matizado. Polo toca el “Concierto
para violonchelo en do mayor” (compuesto a principios de la década de 1760) con
brío, encanto y ligereza, tacto, y un impecable sentido del estilo. Como
vehículo perfecto para la destreza técnica de un violonchelista, Polo no descuida
la musicalidad en sí, como algunos que lo han interpretado como un Haydn
tardío, descuidada y anacrónicamente, introduciendo el pathos romántico temprano
en esta joya rococó. En Boccherini, de nuevo Polo impone su inmenso virtuosismo
dedicando sus energías a revelar la belleza excepcional de este trabajo
magistralmente elaborado. Vivaldi, acompañado en el RV401 por Mercedes Ruiz, se
beneficia enormemente de la asombrosa capacidad del intérprete para capturar el
movimiento interno y el espíritu auténtico de la música, con gusto y excelente
consumada musicalidad. El toque de Gabetta muestra un sentido de cooperación,
lo que hace que esta música suene como los conciertos de la época, con un sonido
fresco y claro, pero profundo y lleno. Cualquier persona interesada en los
instrumentos y la práctica de interpretación de época querrá escuchar estas
grabaciones.
Luis Suárez