lunes, 18 de enero de 2021


 

Luca Marenzio. Madrigals. Qvinta Esseençia. La Má de Guido · 2157 · 45’ · DDD · ****

En el apogeo de su carrera, en las dos últimas décadas del siglo XVI, el compositor renacentista italiano Luca Marenzio fue reconocido internacionalmente como el principal compositor de madrigales. Era tan popular (y las ventas de su música tan lucrativas) que pocos años después de su muerte, las editoriales flamencas y alemanas habían publicado volúmenes de sus madrigales completos de cinco y seis partes, un honor casi inaudito en ese momento. Los madrigales de Marenzio, al tiempo que anticipaban el lirismo cantoral de la monodia que llegaría a dominar la música vocal del Barroco temprano, hicieron pleno uso de las cualidades texturales y expresivas de la polifonía renacentista. Su música no era tan aventurera como la de  Gesualdo, pero todavía empujaba las convenciones armónicas de la época para sacar la emoción de los textos con la máxima expresividad. Se sabe que Palestrina, el modelo de la corrección polifónica, despreció a Marenzio por colocar el contenido expresivo por encima de las reglas del contrapunto adecuado. Marenzio escribió más de 400 madrigales, y esta colección incluye una muestra saludable de 14 de ellos, escritos durante el período más fructífero del compositor, 1585. Se representan en parte madrigales a capella, utilizando textos de diversos poetas, en una interpretación que destaca por la profundidad emocional y la inventiva del marco del texto, que se acompaña en el libreto de la grabación, el manejo seguro de armonías que a veces son vertiginosamente cromáticas y su amplia gama expresiva. Marenzio encuentra infinitas formas de expresar la intensidad angustiada. Los cantantes de Qvinta Esençia tienen voces distintivas y hermosas, y cada uno canta con calidez y expresividad transparente, pero al mismo tiempo, su mezcla es maravillosamente rica y suave, una combinación ideal para estos madrigales. colección es una excelente introducción al trabajo de Marenzio y debería ser de gran interés para los fanáticos de la música vocal renacentista y el canto de conjunto superlativo.

Luis Suárez


 

Adams, John. My Father Knews Charles Ives. Harmonielehre. Nashville Symphony. Giancarlo Guerrero, conductor. NAXOS · DDD · 69’ · *****SR

Las dos obras de este álbum reflejan los lados de la personalidad musical de John Adams. “My Father Knew Charles Ives”, es una obra muy explícita. El mismo Adams se refiere a los tres movimientos como "tres 'lugares' más en Nueva Inglaterra", y la mezcla “Ivesiana” de sugerencia programática y trascendencia espiritual. El movimiento final, "La montaña", es una expresión particularmente impresionante de la filosofía que una vez expresó que "las montañas son altares de Dios" (en una canción llamada "El lugar donde Yo adoro son los espacios abiertos"). Adams extiende el lenguaje de Ives para que la música suene como algo completamente suyo; el fondo está lleno de swing jazz y otra música que Ives no conocía durante su carrera como compositor. Giancarlo Guerrero responde maravillosamente a esta compleja partitura que nunca suena exagerada, con un resultado final en una transparencia magnífica. Esta es una nueva música maravillosa, colorida, espiritual, divertida, accesible a cualquiera, pero llena de las líneas de conexión que mantienen unidas y extienden una tradición.

Adams escribió el “Harmonielehre” masivo para la orquesta mientras era su compositor en residencia, y Edo de Waart dirigió el estreno en 1985. El sonido extraordinariamente claro y permite que los detalles de la orquestación se escuchen con un brillo fresco y hace de esta una versión sin la cual nadie que ama la pieza querrá prescindir. “Harmonielehre” es un trabajo agotador y estimulante en la forma en que puede ser una sinfonía romántica tardía, y Giancarlo Guerrero transmite magistralmente la volatilidad emocional de la compleja partitura con una ferocidad apropiadamente sorprendente. Los acordes explosivos y fuertes de la apertura del primer movimiento son visceralmente impactantes, y Guerrero mantiene un sentido de la urgencia de la música a través de su montaña rusa extendida de cambios de humor. El segundo movimiento, "The Anfortas Wound", es un feroz aullido de dolor y frustración que, según Adams, caracteriza su angustia durante el extenso período de bloqueo del escritor que finalmente dio paso a la composición de “Harmonielehre”. La Nashville Symphony trae catarsis en el movimiento final brillante y luminoso, "Meister Eckhardt y Quackie". La interpretación de la orquesta es excelente: absolutamente segura técnicamente, con un tono delicioso y vibrante, y con la profundidad interpretativa e idiomática que proviene de la familiaridad íntima con la música.

Luis Suárez



 Haruki Murakami - Seiji Ozawa

"Música, solo Música"
Absolutamente sumergidos en la música, este hermoso libro se trata de una conversación íntima y profundamente personal sobre música y escritura entre el autor de éxito de ventas, eterno candidato al Nobel, internacionalmente aclamado y su amigo cercano, el director de orquesta. La pasión de Haruki Murakami por la música es profunda. Antes de dedicarse a la escritura, dirigió un club de jazz en Tokio, y desde "Norwegian Wood" de The Beatles hasta "Years of Pilgrimage" de Franz Liszt, el poder estético y emocional de la música impregna cada uno de sus libros más queridos. Ahora, en "Música, solo Música", Murakami cumple un sueño personal, sentándose con su amigo, el aclamado director Seiji Ozawa, para hablar, durante un período de dos años, sobre su interés compartido. Transcrito de largas conversaciones sobre la naturaleza de la música y la escritura, aquí discuten todo, desde Brahms hasta Beethoven, desde Leonard Bernstein hasta Glenn Gould, desde coleccionismo de discos hasta orquestas emergentes, y mucho más. En última instancia, este libro ofrece a los lectores una visión sin precedentes de las mentes de los dos maestros. Es una lectura esencial para los amantes de los libros y la música en ambas partes.
"Como dijo una vez Duke Ellington," simplemente hay dos tipos de música, buena música y la otra ". En ese sentido, el jazz y la música clásica son fundamentalmente lo mismo. La pura alegría que uno experimenta al escuchar "buena" música trasciende las cuestiones de género".
Murakami Haruki, es un popular escritor y traductor japonés contemporáneo. Su trabajo ha sido descrito como "fácilmente accesible, pero profundamente complejo". El surrealismo literario comprendido y/o incomprendido a partes iguales, según la capacidad de cada lector para saltar desde ambos lados de la personalidad (el consiente y subconsciente). Desde la infancia, Murakami ha estado fuertemente influenciada por la cultura occidental, particularmente la música y la literatura occidentales. Creció leyendo una variedad de obras de escritores estadounidenses, como Kurt Vonnegut y Richard Brautigan, y a menudo se distingue de otros escritores japoneses por sus influencias occidentales. Murakami estudió teatro en la Universidad de Waseda en Tokio, donde conoció a su esposa, Yoko. Su primer trabajo fue en una tienda de discos, que es donde trabaja uno de sus personajes principales, Toru Watanabe en "Norwegian Wood". Poco antes de terminar sus estudios, Murakami abrió la cafetería 'Peter Cat' que era un bar de jazz por la noche en Kokubunji, Tokio con su esposa. Muchas de sus novelas tienen temas y títulos que invocan la música clásica. Algunas de sus novelas toman sus títulos de canciones: "Dance, Dance, Dance" (después de la canción de The Dells, aunque se piensa que se tituló después de la melodía de Beach Boys), "Norwegian Wood" (después de la canción de The Beatles) y "South of the Border, West of the Sun" (la primera parte es el título de una canción de Nat King Cole)...
El resultado de este libro es genial, tanto que se queda uno con ganas de entrevistar a ambos protagonistas, tanto en conjunto como individualmente. Dos mentes geniales de la cultura japonesa y universal.
Luis Suárez

viernes, 15 de enero de 2021


 

Schoenberg: Gurre-Lieder (Live at Semperoper, Dresden). Staatskapelle Dresden, Gustav Mahler Jugendorchester. Solistas. Christian Thielemann, conductor. PROFIL · PH2052 · DDD · ****

Arnold Schönberg entendió "Songs of Gurre" como "la clave de todo su desarrollo". Obra magna desarrollada en canciones y coros, se basó en la adaptación de Jens Peter Jacobsen de una saga danesa y la transformó en una obra monumental. La edición de este CD consta de dos discos y dos folletos de diseño elaborado: una introducción y el libreto completo.

El “Gurrelieder” de Schoenberg creció a medida que lo compuso. Concebido inicialmente como un ciclo de canciones con acompañamiento de piano, se estrenó una década después como cantata para solistas, coro y enorme orquesta. También era la obra de un joven apasionadamente romántico terminada por un hombre maduro fanáticamente modernista y, a medida que el compositor crecía, la composición mejoraba en algunos aspectos y empeoraba en otros. Si “Gurrelieder” debería haberse convertido en una cantata es discutible. Las orquestaciones puntillistas del hombre maduro son una mejora sobre las orquestaciones impresionistas del joven. Pero el apasionado exceso del joven suena anticuado cuando lo pronuncia el hombre maduro y el “Gurrelieder” de Schoenberg puede ser un poco exagerado y demasiado abrumador para creerlo.

Thielemann deja que el joven compositor cante en el lirismo creciente de la obra y deja que el compositor maduro se lamente de los apasionados excesos de la obra. El sonido digital en directo es enorme y envolvente, con la máxima claridad y un sonido brillante, detalles cristalinos y texturas limpias, una necesidad en esta obra fantásticamente densa; a pesar de que la orquestación de Schoenberg tiene más capas y filigrana que cualquier cosa que se encuentre en Wagner o Mahler, Thielemann hace que el contrapunto más pesado suene completamente transparente, y los cantantes y las partes orquestales reciben una separación y un equilibrio ideales. Las partes líricas de los amantes Waldemar y Tove son cantadas con hermoso tono y presencia creíble por el tenor Stephen Gould y la soprano Camilla Nylund, y los solos de apoyo de la mezzosoprano Christa Mayer como Wood Dove, se caracterizan adecuadamente y son bienvenidos por los contrastes dramáticos que proporcionan. Los conjuntos combinados de la Staatskapelle Dresden y la Gustav Mahler Jugendorchester, junto con los coros hacen de esta una grabación realmente potente en términos de volumen y sonoridades, por lo que los audiófilos que quieran escuchar música de vastas dimensiones físicas y un rango dinámico extraordinario se deleitarán con la suntuosa reproducción.

Luis Suárez

jueves, 14 de enero de 2021


JONATHAN LESHNOFF. Piano Concerto. Symphony nº3. JOYCE YANG, Piano. STEPHEN POWELL, Barítono. KANSAS CITY SYMPHONY. MICHAEL STERN, Director. Reference Recordings · FR-739SACD · DDD · 60’ · *****

La Orquesta Sinfónica de Kansas, dirigida por Michael Stern, Interpreta estas más que interesantes obras de Jonathan Leshnoff que reciben su estreno mundial. La “Sinfonía No. 3” tiene un trasfondo explícitamente nostálgico con un texto final, espléndidamente interpretado por Stephen Powell, sobre unas cartas desde el frente de la Primer Guerra Mundial (Gran Guerra), una dedicación a la esperanza del combatiente a sus familiares, un testimonio poderoso y concreto de esa tragedia de grandes dimensiones, donde en los movimientos instrumentales se oyen con mayor claridad en los lentos pasajes del primer y segundo movimiento, como si fuera un vanguardista Mahler. Una obra potente y emotiva realmente impactante y bella, sublimemente interpretada por la masa orquestal en bellos fraseos. También es notable su “Concierto para Piano”, donde Leshnoff propone escribir un placer para el público en su línea original, ampliando las estructuras tímbricas del instrumento solista y profundizando un poco la tonalidad. La pianista Joyce Yang sobresale con líneas limpias y claras en un perfecto ensamblaje con la orquesta, en una interpretación vivaz y bien estructurada por el autor que funciona bien en cualquier capacidad, y cualquier impulso que obtenga de esta grabación es más que deseable. Un compositor norteamericano a destacar entre sus colegas contemporáneos; un más que agradable descubrimiento.

Luis Suárez


miércoles, 6 de enero de 2021


 

Prokofiev- Romeo and Juliet. Beyond Words. Orchestra of the Royal Opera House. Conductor: Koen Kessels

Opus Arte - Naxos · D OA1294D · DDD · 89’ · ****

Las interpretaciones completas de Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev están reemplazando cada vez más a las tres suites como la versión más disponible de la obra, aunque en este caso se vean recortados algunos números, llegando la duración total solo a la hora y media, y el ballet está bien servido por este lanzamiento de 2020 de Koen Kessels a cargo de la prestigiosa Royal Opera House Orchestra. Diseño de la carátula con mimo en presencia de un fotograma en escena, y fotos del momento de la grabación en estudio, la  reproducción es quizás un poco rápida en algunos pasajes, y clara, con sonoridades vibrantes y ritmos nítidos que dejan pocas dudas sobre lo que el compositor ruso indica en cada página. Nos encontramos con un equilibrio razonable entre el lado sardónico de Prokofiev y sus expresiones más cálidas, y las danzas ingeniosas; así pues la música de lucha violenta se complementa con la exuberante belleza de las escenas de amor, donde  destaca por su refinamiento y lirismo en muchos tramos. El compositor ciertamente se suelta cuando es apropiado, como en la feroz Introducción al Acto III y las diversas peleas, pero la partitura es excepcional en su delicadeza y orquestación finamente calibrada. Con el debido elemento visual se sostiene mejor la narrativa. El sonido del es limpio, claro y brillante para esta cumbre del ballet de todos los tiempos.

Luis Suárez

lunes, 4 de enero de 2021


Ramón Gener (narrador), Fernando Vicente (ilustrador). Beethoven. Un músico sobre un mar de nubes. (Random Cómics) (Spanish Edition) (9788417247812). 142 páginas.

Álbum ilustrado en el 250 aniversario del nacimiento de Beethoven, el artista que revolucionó la música para siempre, de Ramon Gener, el mejor divulgador musical.

¿Quién fue Beethoven? ¿Por qué su música es inmortal? ¿Cómo fue su vida? ¿Cuáles fueron sus sueños? ¿A qué mujeres amó y por qué nunca llegó a comprometerse con ninguna? ¿Cómo enfrentó su espíritu romántico y desmesurado las grandes revoluciones y las profundas transformaciones del mundo en el tiempo en que le tocó vivir?

Ramon Gener, uno de los divulgadores más populares actuales, se ha propuesto hacer, no la biografía definitiva sobre Beethoven, sino el más ameno, desenfadado y al mismo tiempo riguroso acercamiento a la vida y obra de un genio eterno y universal. 250 años después de su nacimiento no ha habido otro músico igual y su legado sigue no solo presente en auditorios de todo el mundo, sino que ha servido de banda sonora a acontecimientos históricos de primer orden, como las protestas de la plaza de Tiananmén, y forma parte viva de nuestra cultura popular, desde los Simpson hasta el inolvidable Schroeder de Peanuts, aquel pequeño genio de la música que adoraba a Beethoven más que a ningún otro compositor y lo interpretaba de forma sublime en su piano de juguete. Este libro, escrito por Ramón Gener, es una biografía (y a la vez no lo es; más un homenaje) para redescubrir a Beethoven en todas sus facetas. A través de estas maravillosas páginas ilustradas por Fernando Vicente, descubriremos al genio y a la persona que habitaron en Ludwig van Beethoven. Posiblemente e compositor más famoso del canon occidental, se ve en una avalancha de trabajos de todo tipo, muchos echados abajo por la pandemia del Covid-19, para coincidir con el 250 aniversario de su nacimiento, arroja una red suelta a través de los siglos y reúne hábilmente las conexiones. Su figura se ve a través de una campaña prolongada, que comenzó poco después de su muerte y que duró casi dos décadas, para que se construyera un monumento al compositor en su ciudad natal, Bonn. Si nuestra preocupación actual es más derribar que erigir, este episodio estatuario nos recuerda nuestra compulsión por honrar, en una réplica realista o en una biografía exhaustiva, a quienes celebramos. Éste no es un trabajo estrictamente musicológico. La amenización, a la cual Gener nos tiene acostumbrados, arroja luz sobre aspectos de la vida, el carácter de Beethoven y, con una atención igual y fácilmente comprensible, la música. Sus opciones abarcan repertorio temprano a tardío: desde uno de sus primeros éxitos en Viena, el Septeto, hasta el “Grosse Fuge”, pasando por la “Sinfonía nº 3 “Eroica”, la ópera “Fidelio” y la “Missa Solemnis”…. Escribe con claridad, explica términos técnicos sobre la marcha y con facilidad; lo cual nunca es una combinación fácil. Más interesado en la realidad que en el mito (con Beethoven, hay demasiado de eso), es particularmente agudo y refrescante sobre los aspectos prácticos que dan forma a la vida de cualquier artista: cómo convencer a los patrocinadores ricos para que donen, cómo lidiar con el incómodo negocio de la autopromoción…, todos marcan la diferencia entre la comida en la mesa o el hambre, el rendimiento o el silencio. Los problemas no han cambiado en gran manera, sino vaya usted al Ministerio de Cultura… Lo público y lo político, lo privado y lo doméstico, se mantienen hábilmente en equilibrio dentro del relato. Nos brinda suficientes detalles para crear un retrato redondeado. Más con el ejemplo que con la teoría, Gener nos muestra la presunción de que Beethoven era cascarrabias, sin amigos, sin amor. Excéntrico, sí, y con una habilidad astuta para conseguir las mejores ofertas por su trabajo, pero también una figura comprensiva, frustrada por su sordera cada vez mayor. Su manejo sensible de la batalla legal en curso de Beethoven por la custodia de su sobrino…

"Frente a la tumba de Beethoven tumba, me desborda el éxtasis y entiendo porque estoy allí cuando siento la certeza de que el poder abrumador de su obra es hoy más actual y más necesario que nunca". Ramon Gener

Luis Suárez


viernes, 1 de enero de 2021


 

Tomàs Buxó. Poblet. Tema i Variacions. Sonatina. Miquel Farré, piano. Marc Farré, flauta.Pep Serdà, Piano. La Mà de Guido · 2165 · DDD · 55’ · ****

Con 84 años, Miquel Farré acaba de publicar nuevo disco sobre la obra pianística, más una inédita “Sonatina para flauta y piano”. Se llama “Poblet”, como la obra homónima que preside la grabación.  Tanto “Tema y Variciones”, como las citadas, son temas inéditos. Un repaso por algunas de las obras de quien fue su maestro, Tomás Buxó y Pujades , en el que quiere rendir homenaje 58 años después de su muerte dando a conocer una faceta del autor desconocida por el gran público. Que era un gran maestro lo demuestra Farré frente a un piano. Paisano de Terrassa, es uno de los pianistas de música clásica más importantes y prestigiosos de Cataluña. Escribió más de trescientas composiciones. Su música está inscrita en una estética post romántica con un lenguaje pianístico post-Lisztiano y con claras influencias de la canción popular catalana. La interpretación de Miquel Farré rebosa de poesía y expresividad llena de delicadeza y colores. Una efervescencia y el sabio equilibrio entre el carácter popular y el aristocrático o la sugerencia de atmósferas y el sentido rítmico. Suavizar los tempos lentos, subrayó los ritardando y los motivos populares. La obra para flauta y piano también rebosa delicadeza y los fraseos Marc Farré con un el sonido fluido y brillante, bajo un enfoque ligero y envuelto por sonidos realmente dulces. La interpretación da forma a las líneas melódicas de de manera detallada e inteligente. Muy interesante trabajo de recuperación de patrimonio musical y de calidad artística.

Luis Suárez