Gaetano Donizetti. Linda Di Chamounix. Jessica Pratt. Teresa Iervolino. Francesco Demuro. Vittorio Prato. Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino. Michele Gamba, director.

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Linda di Chamounix es una linda chica de campo que está enamorada de Carlo, a quien cree un artista sin dinero. Su honor se ve amenazado por el hacendado local y ella escapa a París en busca de fortuna. Esta es una historia de valentía y locura, en la que descubrimos y experimentamos la fuerza y ​​el sufrimiento de una mujer desgarrada por el alejamiento de la familia y el amor. Donizetti cosechó pleno y duradero éxito con "Linda di Chamounix", y se convirtió en una de sus obras más modernas, apreciadas y longevas. Jessica Pratt encabeza un elenco estelar en esta aclamada producción del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino. Es una grabación en vivo, con buen sonido claro, de una de las obras olvidadas de Donizetti, lo cual se agradece en esta recuperación. La voz y las acrobacias de la soprano son impecables, hermosas y perfectas. Los otros papeles son bastante carnosos y por lo tanto se necesitan buenos cantantes. Aparte de Canonici, a quien prefiero a Kraus y Valetti por su sonido más cálido, no me impresionaron mucho los demás que, sin embargo, cantan bien. Michele Gamba dirige una actuación fresca que funciona bien en esta encantadora música. El villano de "Linda de Chamounix" es inusual, a pesar de todos los problemas que causa, y a pesar del conjunto dramático obligatorio cuando los padres de Linda se dan cuenta de que sus intenciones no son buenas: lo canta un bajo buffo y es una figura cómica más que amenazante. El contraste se dibuja con más fuerza en el dúo del segundo acto cuando él hace avances estilo bufón hacia Linda, y ella los rechaza con un estilo que parece sacado directamente de la ópera seria. Es esta ligereza lo que evita que la historia se vuelva completamente ridícula para los oyentes modernos. Por ejemplo, la heroína reacciona a la solicitud de un abrazo de su amado con un horror que sería más creíble si él le hubiera pedido que abrazara a una serpiente venenosa.

La ópera es mejor conocida por el chispeante "Ah, tardai troppo... O luce di quest'anima" de Linda desde el primer acto, una obra maestra deliciosa para la agilidad de la coloratura y una de las escenas de entrada más exigentes de la ópera. Pero el resto de la obra también tiene melodías atractivas, e incluso a pesar de la trama, la música para el padre de Linda, con su ternura, ira y orgullo, parece señalar el camino hacia los padres que Verdi representó con tanta fuerza en Luisa Miller. , Rigoletto y Giovanna d'Arco.

Donizetti (que vivió hasta los 51 años) fue prolífico, produciendo unas 73 o 76 óperas. Ha sido elogiado y vilipendiado (yo diría difamado). Lo han llamado de todo, desde un genio consumado hasta un productor de espagueti ópera, que es fácil de aceptar pero no hay nada allí. La música expuesta, aún sin ser su mejor ópera, lo dice todo. Puede que no hayan alcanzado la fama de otra de sus predecesoras, pero merece esta revisiones. Esta es la razón por la que se han venido evitando las grabaciones completas de este trabajo. El papel de "Linda di Chamounix" fue creado originalmente por una de las grandes estrellas de la coloratura de la época, Eugenia Tadolini. A Donizetti le encantó tanto su actuación que dijo que había convertido la loca escena de Linda en un vehículo dramático superior incluso al de "Lucia Di Lammermoor". El estreno, el 19 de mayo de 1842, fue tan exitoso que Donizetti fue llamado a hacer reverencias al final de la función un total de 17 veces; el teatro estuvo repleto todas las noches de su primera función y la obra recibió grandes elogios de la crítica. El éxito de Linda conduciría finalmente al nombramiento de Donizetti como Kapellmeister en la corte austriaca. El doble éxito de sus estrenos en Viena y París garantizó la popularidad de la obra hasta finales del siglo XIX, pero sus resurgimientos declinaron drásticamente en el siglo XX. La ópera ocupa ahora un lugar marginal en el repertorio, no del todo oscuro, pero no al nivel de las obras más frecuentes del compositor.

Luis Suárez

Hindemith, Paul. Nusch-Nuschi-Tänze, Op.20. Sancta Susanna, Op.21. Mathis Der Maler, Symphony. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Women of the Wiener Singakademie. Marin Aslop, conductor.

NAXOS 8574383 · DDD · 60' · ****

La vida del compositor alemán Paul Hindemith (1895/1963) estuvo dominada por los acontecimientos de las dos guerras mundiales. En 1917, su descubrimiento de la poesía y el teatro expresionistas contemporáneos lo transformó de un estudiante talentoso en el nuevo compositor líder de Alemania. Sus óperas en un acto "Sancta Susanna" y "Das Nusch-Nuschi" datan de este período. Sancta Susanna, la primera obra maestra de Hindemith, combina el simbolismo religioso y erótico en una narrativa espeluznante que fue impactante para su época, mientras que la "Suite de Danzas de Das Nusch-Nuschi" enfatiza el origen de la trama como una comedia birmana. Los tres movimientos sinfónicos de la ópera "Matías el Pintor" se refieren a los tres paneles del Retablo de Isenheim del pintor renacentista Matthias Grünewald, pero también reflejan gráficamente las propias luchas artísticas de Hindemith en la Alemania nazi.

"Das Nusch-Nuschi (El Nusch-Nuschi), op. 20", es una ópera en un acto con libreto en alemán de Franz Blei. Subtitulada Una obra de teatro para marionetas birmanas en un acto, es una obra escénica con cantantes y bailarines. Es la segunda obra de un tríptico de óperas expresionistas en un acto, siendo las otras "Mörder, Hoffnung der Frauen" y "Sancta Susanna." Son las primeras óperas escritas por Hindemith. Las dos primeras se estrenaron juntos en el Württembergisches Landestheater de Stuttgart el 4 de junio de 1921; los tres se realizaron en la Ópera de Frankfurt en 1922. Hindemith experimentó la Primera Guerra Mundial como soldado en Bélgica y el norte de Francia. En una segunda ola de expresionismo después de la guerra, se interesó por el movimiento. Fue un período de cambios en la sociedad. Hindemith describe: "el viejo mundo explotó". "Das Nusch-Nuschi" se basa en una obra de 1904 de Franz Blei, el cual era un entusiasta de Wagner cuando era joven, pero se dedicó a colaborar con el semanario satírico Simplicissimus y escribió obras de teatro para el cabaret Die Elf Scharfrichter (Los once verdugos), fundado en Múnich y centrado en la sátira de los títeres. Hizo reimprimir su Nusch-Nuschi en 1913 en una edición de Die Aktion que estaba dedicada a su trabajo. Mientras que Mörder, Hoffnung der Frauen trata sobre la brutalidad entre los sexos, Das Nusch-Nuschi es, en cierto modo, incluso "más subversivo", ya que ridiculiza la brutalidad y las emociones intensas. La grabación aquí presenta nos presenta una Suite basada en tres danzas instrumentales de la misma.

"Sancta Susanna" es una de las primeras óperas de Paul Hindemith en un acto, con libreto en alemán de August Stramm. Compuesta durante un período de dos semanas en enero/febrero de 1921, su estreno fue el 26 de marzo de 1922, en la Ópera de Frankfurt. La obra es la tercera y última en un tríptico de óperas en un acto con influencia expresionista; las dos anteriores son "Asesino, esperanza de la mujer op.12 (1921)"  y Das Nusch-Nuschi op. 20 (1921), y al igual que las obras anteriores, escandalizó al público asistente a los conciertos de Frankfurt, lo que le brindó al joven compositor una mayor atención crítica y notoriedad. Aquí se nos presenta la obra en su totalidad que rebasa apenas los 23 minutos de duración. Los papeles en solitario de la ópera tienen un reparto homogéneo. Causan fuertes impresiones y suenan con potencia y especialmente comprometidas con el libreto. 

Aunque la ópera "Matías el Pintor" de Hindemith de 1935 es ampliamente reconocida como una de las óperas más significativas y profundas del siglo XX, rara vez se representa y está escasamente representada en disco. Si, por le contrario, la "Sinfonía en tres Movimientos" sobre la misma que por sí sola puede crear verdadera emoción. Es una obra con una consolidación misteriosamente efectiva de elementos aparentemente dispares; se presenta como austero pero profundamente íntimo, y radiantemente puro pero lleno de pasión y ardor. La nobleza es difícil de definir en términos musicales, pero es una cualidad que se puede aplicar sin reservas a la sinfonía majestuosa y cálidamente humana de Hindemith. Marin Aslop lidera una interpretación llena de perspicacia, sutileza y atención al detalle excepcionales. Hace que las tres obras realmente brillen y se deleita con su sonido completo y pulido. Los aspectos más notables de las interpretaciones son el excelente equilibrio y la atención matizada a los matices de la dinámica, que permiten que brillen los detalles orquestales en conjunción perfecta con los solistas y el coro. Parte del crédito por la claridad y el sonido vivo sin duda también se debe al excelente trabajo de los ingenieros.

Luis Suárez

Price, Florence Beatrice. Symphony nº3. The Mississippi River Suite. Ethiopia's Shadow in America. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. John Jeter, conductor.

NAXOS 8.559897 · DDD · 66' · ****

Segunda entrega del sello discográfico Naxos sobre las sinfonías de la compositora afroamericana Florence Beatrice Price que promete una exploración completa de la producción orquestal de la compositora afroamericana. Tal cosa ciertamente es bienvenida, porque aunque Price fue la primera mujer de color en tener una obra interpretada por una importante orquesta sinfónica, su música ha sido grabada escasamente. La Sinfonía nº3 que se escucha aquí viene con dos obras más orquestales de su produccción: una dedicada al gran río americano de las novelas de Mark Twain y otra compuesta con todas las intenciones sobre la llegada de los afroamericanos como esclavos al Nuevo Mundo, sus penurias y su final adaptación al nuevo entorno (y lo que les queda para alcanzar plenos derechos). Su modelo sinfónica es claramente el de  Dvořák, como se puede apreciar desde un primer momento, con materiales afroamericanos esparcidos por la música más allá de las melodías pentatónicas básicas de Dvořák. Estos varían en su nivel de éxito; los movimientos "Juba" en cada sinfonía reproducen la música negra a través de un filtro blanco; una forma simplificada que fácilmente podría haberle llegado a Price de cualquier cancionero popular. Los movimientos lentos, sin embargo, vuelven a ser otra cosa. Tienen el tono lírico de Dvořák, pero su estructura es totalmente original, especialmente la de la Sinfonía n.° 1; Joh Jeter capta allí algunas coyunturas armónicas encantadoras, con más precisión que los pocos otros grupos que han grabado esta música. 

Price, que se ganaba la vida como profesora de música en el Sur y renovó sus estudios después de huir del "terrorismo" blanco en la década de 1920 y aterrizar en Chicago. Price era una pianista de considerables habilidades (impresionante dada su formación). Fue influyente como profesora de piano, pero probablemente no haya mucho vínculo entre las dos obras que se escuchan aquí y la música de compositores afroamericanos posteriores. La música de Price ha sido revivida bajo los auspicios del Centro para la Investigación de la Música Negra de Chicago, y los académicos han estado interesados ​​en buscar rastros de africanismos en su estilo. El lenguaje melódico en tono menor oscuro pero lírico de las obras sinfónicas, que se desliza fácilmente en escalas pentatónicas, es bastante convincente. En esta segunda entre la Orquesta de la ORF está a la altura de sus desafíos, y las lecturas son limpias e idiomáticas. Recomendado para aquellos interesados ​​en la historia de la música clásica afroamericana de principios del siglo XX.

Luis Suárez

Schubert, Franz. Sonatas para Piano, Vol.1 Nº16 D 845 y Nº18 D 894. Yasuyo Yano, fortepiano.

IBS CLASSICAL 102020 · DDD · 76' · *****

La pianista japonesa, residente en Suiza, Yasuyo Yano, nos ofrece una primera tanda de la producción de Schubert para la forma "Sonata", tendiendo como principal aliciente en el instrumento de época en el que están grabadas, para el que fueron inicialmente concebidas. Dos obras maestras expansivas donde  hay profundidades de expresión e imaginación. Las "Sonata para piano nº 18 en sol mayor, D.894", y "Sonata para piano nº 16 en La menor, D.845", escritas no para la sala de conciertos, sino para el círculo de amigos y entendidos del compositor, se encuentran entre las últimas obras maestras de Schubert, y desafían al intérprete a encontrar el tono lírico sostenido en su núcleo que los unifica y trasciende las restricciones más estrechas de la forma clásica. Yasuyo Yano ciertamente da forma a las sonatas con un fraseo elegante, un sello distintivo de la transición entre clasicismo y el romanticismo, pero con la misma seguridad se conectará con las emociones internas que dan a estas obras su elocuencia y sentimiento romántico, parecido a un lieder. Por supuesto, estas piezas largas requieren concentración y control total para ser convincentes, y Yano juega con un toque seguro que le permite extender líneas y estados de ánimo todo el tiempo que desee. Teniendo en cuenta la duración de cada movimiento, esta capacidad de producir melodías con conexión es un regalo, y Yano es generosa con ello en estas sublimes interpretaciones. El rasgo más distintivo de sus lecturas en general es su tranquilidad, su espiritualidad. 

Luis Suárez

El Clave del Emperador. Diego Pantoja and his legacy. Todos los tonos y ayres. Íliber Ensemble.

IBS CLASSICAL 142021 · DDD · 58' · *****RS

'El clave del emperador' es un homenaje al cruce cultural que se produce a principios del siglo XVII entre China y Europa a través de la figura del jesuita Diego de Pantoja, uno de los primeros occidentales en conseguir el favor del emperador, junto con su mentor Mateu Ricci. Gracias a sus dotes diplomáticas, y a los presentes que trajeron consigo, ambos religiosos recibieron el prestigio extraordinario de ser recibidos en audiencia simbólica por el emperador Wan Li de la Dinastía Ming, además del permiso para residir en Beijing y entrar en la Ciudad Prohibida sin previo aviso. Esta hazaña fue considerada un triunfo significativo en el proceso de evangelización de Oriente. La música tuvo un papel relevante en toda esta iniciativa, lo que justifica esta joint venture creada por los conjuntos de música antigua Íliber Ensemble y Todos los Tonos y Ayres para llevar hasta las pistas del disco el espíritu de la misión jesuita. Y es que Ricci, conocedor de la inclinación del emperador hacia los “objetos exóticos”, planeó llevarlo como presente, además de una serie de relojes, un clavicordio, y así se aseguró que Pantoja -que previamente se hubo formado en la técnica de interpretación del instrumento, tuviera la entrada franca en la Ciudad Prohibida para enseñar a los eunucos de la corte a extraer melodías de las teclas. Diego de Pantoja tuvo que aprender en cuatro meses a tocar 'el clave' para cumplir esta misión que acercaba la Compañía al trono de dragón del emperador Wan Li.

Así pues "El clave del emperador" propone una selección de la música que se pudo escuchar en ese momento en la corte Ming, tanto entre las piezas europeas de la época laicas y sacras como canciones chinas. De esta forma, entre otras piezas, está presente una obra del gran polifonista del Renacimiento Critóbal de Morales, así como dos laudio de Francisco Soto de Langa, dos "Sonatas para Violín" del músico barroco y misionero en China Teodoric Pedrini, y una versión de "Las salvajes" del francés Jean-Philippe Rameau. Una selección de música occidental que se va entrelazando a lo largo de las pistas del disco con temas de la tradición china. Selección de trabajos incluidos en este trabajo que se ofrece como un ejemplo de la extraordinaria cultural diversidad que existe en la Corte China para al menos dos centurias como resultado de la motivación de Diego de Pantoja y la introducción de la Unión Europea de la Cuidad Prohibida. Las piezas están vinculadas sin interrupción, respetando la programación forma concevida para los conciertos. Este programa es tributo en el Español Jesuito Diego de Pantoja (1571-1618) en el 450 aniversario de su cumpleaños, junto con el Italiano Matteo Ricci (1552-1610). Iniciativa que sitúa en el contexto de la música las relaciones entre la España del Siglo de Oro y la corte de la Dinastía Ming, subrayando el valor de las relaciones de intercambio cultural entre Oriente y Occidente.

Íliber Ensemble es una formación de cámara dedicada a la investigación e interpretación de la música antigua, dirigida por el clavecinista Darío Tamayo. Su labor se centra principalmente en la recuperación y difusión de aquellos repertorios que, pese a su gran calidad e interés, permanecen sumidos en el abandono y el olvido, con especial atención al patrimonio musical barroco español. En este proyecto han colaborado con Tamayo Mar Blasco, Aníbal Soriano, Javier Utrabo y Luis Vives.

Por su parte, Todos los Tonos y Ayres es la primera agrupación de música china en España, y está integrada por el dúo formado por Abigail R. Horro y Rubén García Benito. Tras formarse en China, ambos miembros fundaron este proyecto que tiene entre sus objetivos dar a conocer las relaciones históricas y musicales que se dieron en tiempos pasados ​​entre Europa y Asia, así como la presencia de músicas ibéricas más allá de las propias fronteras, siempre desde el máximo respeto y rigor históricamente informado hacia las manifestaciones musicales de todos los contextos culturales que trabajan en ellas.

Luis Suárez

Verdi, G. Macbeth (Versión Francesa 1865).  Ludovic Tézier. Silvia Dalla Benetta. Riccardo Zanellato. Giorgio Berrugi. Filarmonica Arturo Toscanini. Coro del Teatro Regio di Parma. Conductor: Roberto Abbado.

Dynamic 7915.02 · DDD · 152' · *****

Giuseppe Verdi siempre estuvo fascinado por las obras de Shakespeare; escribió tres óperas basadas en ellos y contempló una cuarta (basada en El rey Lear), pero nunca pudo encontrar el libreto adecuado. "Macbeth" fue la primera de estas adaptaciones, y una obra que nunca satisfizo del todo al compositor. La primera versión de la ópera se estrenó en 1847 en Florencia, pero la versión más conocida y que aquí se muestra, es la revisión que hizo el compositor para el estreno parisino de 1865. Los cambios incluyen un nueva aria para Lady Macbeth en el segundo acto, la adición de una escena de ballet para las brujas y la eliminación de la escena de la muerte de Macbeth. En casi todas las escenas, hay al menos algunos cambios menores. Hay una famosa carta en la que Verdi afirma que Lady Macbeth no debe tener una voz hermosa, sino que debe retratar la maldad de su personaje. Es difícil conciliar esta afirmación con la música que compuso para ella, que es una de las más floridas, difíciles y dramáticas de su carrera. Su entrada comienza con una lectura hablada de la carta de Macbeth, seguida de un recitativo. En su escena de sonambulismo, encontramos a Verdi en su estado más dramático, con la línea vocal más hablada que cantada, pero al final se requiere que se eleve a un re bemol alto lo más suavemente posible. El papel principal, aunque no es tan complejo, requiere un estilo dramático considerable, así como la línea del bel canto para llevar a cabo su aria, "Pietà, rispetto, amore". De los personajes secundarios, Macduff y Banquo son los más notables, y ambos tienen arias inspiradas. Las tres brujas de Shakespeare se convierten en un coro de tres partes cuya música inspira más risa que miedo en este escenario. Los coros que denunciaban la tiranía a menudo sacaban lo mejor de Verdi, por lo que no es sorprendente que el clamor coral patriótico ante el aria de Macduff sea una de las piezas más fuertes de la obra. La música de ballet escrita para el estreno de la versión revisada en París suele omitirse sin mucho daño a la partitura, pero resulta indispensable para esta otra faceta de Verdi.

En sus mejores momentos, como éste Macbeth transmite todo el drama de Shakespeare y lo fusiona con algunas de las mejores músicas de Verdi. Se trata de una grabación en directo del Festival de Parma 2020.  Así pues éste último lanzamiento de la obra, es una conclusión mucho más que digna digna, y hay que recordar que esta era una forma muy común de interpretar óperas de todo tipo hasta hace relativamente poco tiempo. Interpretada aquí en su revisión de 1865, Macbeth fue quizás la primera ópera de Verdi en señalar el camino hacia la ruptura en la estructura del recitativo y el aria que vendría muy pronto: el poder fantástico del drama y la comprensión de Verdi sobre él traspasó los límites. Hay mucho en él que suena a Rossini, pero también mucho que suena a ópera alemana. Se presenta aquí por un elenco encabezado por el barítono Lodovic Tézier en el papel principal, con una variedad de otros cantantes, en particular la soprano Silvia Salla Benetta, que encaja en la concepción colorida y dinámica de la obra del director Roberto Abbado. Es una lectura emocionante que transmite la música, y los oyentes se distraerán con la traducción al inglés, de la traducción al francés del libreto de Francesco Maria Piave por Charles Nuittier y Alexandre Beaumont, en 1864, que es simple y utilitaria en el extremo de agradecer que se incluya en el libreto en ambas versiones.

Luis Suárez

Edward Elgar, Frank Bridge. Conciertos para violonchelo y orquesta. Gabriel Schwabe, violonchelo. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Christopher Ward, director. 

NAXOS 8574320 · 56' · DDD · ****

Para los amantes de la música inglesa, de la música de violonchelo y de la música elegíaca, para los fanáticos de la buena música, esta grabación interpretada por el alemán Gabriel Schwabe, con el británico Christopher Ward no se puede pasar desapercibida, sobre todo por la "Oración" de Bridge, presentado aquí con una interpretación de una intensidad sincera y un virtuosismo notable. En su "Oración-Concierto elegiaco" de 1930, Bridge llora a los muertos de la Primera Guerra Mundial con una abrumadora efusión de dolor apasionado; en su Concierto para violonchelo de 1919, Elgar lamenta el fallecimiento del mundo anterior a la guerra que conocía con una dura dosis de dolor concentrado; son tocadas con una tremenda profundidad de alma y una inmensa nobleza de espíritu, y Schwabe, al frente de la Orquesta Sinfónica de la ORF, son socios fieles y otorgan el apoyo sin reservas que necesita. Si bien los cambios en la interpretación de Elgar, que aquí son leídos con rapidez, más de la acostumbrada por intérpretes de la talla de Jacqueline Du Pré (quien inmortalizara la obra con su incomparable fuerza y ​​sensibilidad emotiva) será la razón por la que muchos oyentes regresen a las versiones de ésta una y otra vez.  Schwabe presenta en Bridge su tono delgado y poderoso, técnica consumada y desdén por embellecer la partitura. La orquesta tiene su propia oportunidad de brillar con su cálida y superlativamente atractiva interpretación particularmente dotada para capturar el lado lírico y conmovedor de la partitura, creando un tono y un paisaje sonoro diferente para cada concierto. El equilibrio entre violonchelo y orquesta es excelente en todas partes. La calidad de sonido es nítida y detallada sin ser estéril.

Luis Suárez