El Clave del Emperador. Diego Pantoja and his legacy. Todos los tonos y ayres. Íliber Ensemble.

IBS CLASSICAL 142021 · DDD · 58' · *****RS

'El clave del emperador' es un homenaje al cruce cultural que se produce a principios del siglo XVII entre China y Europa a través de la figura del jesuita Diego de Pantoja, uno de los primeros occidentales en conseguir el favor del emperador, junto con su mentor Mateu Ricci. Gracias a sus dotes diplomáticas, y a los presentes que trajeron consigo, ambos religiosos recibieron el prestigio extraordinario de ser recibidos en audiencia simbólica por el emperador Wan Li de la Dinastía Ming, además del permiso para residir en Beijing y entrar en la Ciudad Prohibida sin previo aviso. Esta hazaña fue considerada un triunfo significativo en el proceso de evangelización de Oriente. La música tuvo un papel relevante en toda esta iniciativa, lo que justifica esta joint venture creada por los conjuntos de música antigua Íliber Ensemble y Todos los Tonos y Ayres para llevar hasta las pistas del disco el espíritu de la misión jesuita. Y es que Ricci, conocedor de la inclinación del emperador hacia los “objetos exóticos”, planeó llevarlo como presente, además de una serie de relojes, un clavicordio, y así se aseguró que Pantoja -que previamente se hubo formado en la técnica de interpretación del instrumento, tuviera la entrada franca en la Ciudad Prohibida para enseñar a los eunucos de la corte a extraer melodías de las teclas. Diego de Pantoja tuvo que aprender en cuatro meses a tocar 'el clave' para cumplir esta misión que acercaba la Compañía al trono de dragón del emperador Wan Li.

Así pues "El clave del emperador" propone una selección de la música que se pudo escuchar en ese momento en la corte Ming, tanto entre las piezas europeas de la época laicas y sacras como canciones chinas. De esta forma, entre otras piezas, está presente una obra del gran polifonista del Renacimiento Critóbal de Morales, así como dos laudio de Francisco Soto de Langa, dos "Sonatas para Violín" del músico barroco y misionero en China Teodoric Pedrini, y una versión de "Las salvajes" del francés Jean-Philippe Rameau. Una selección de música occidental que se va entrelazando a lo largo de las pistas del disco con temas de la tradición china. Selección de trabajos incluidos en este trabajo que se ofrece como un ejemplo de la extraordinaria cultural diversidad que existe en la Corte China para al menos dos centurias como resultado de la motivación de Diego de Pantoja y la introducción de la Unión Europea de la Cuidad Prohibida. Las piezas están vinculadas sin interrupción, respetando la programación forma concevida para los conciertos. Este programa es tributo en el Español Jesuito Diego de Pantoja (1571-1618) en el 450 aniversario de su cumpleaños, junto con el Italiano Matteo Ricci (1552-1610). Iniciativa que sitúa en el contexto de la música las relaciones entre la España del Siglo de Oro y la corte de la Dinastía Ming, subrayando el valor de las relaciones de intercambio cultural entre Oriente y Occidente.

Íliber Ensemble es una formación de cámara dedicada a la investigación e interpretación de la música antigua, dirigida por el clavecinista Darío Tamayo. Su labor se centra principalmente en la recuperación y difusión de aquellos repertorios que, pese a su gran calidad e interés, permanecen sumidos en el abandono y el olvido, con especial atención al patrimonio musical barroco español. En este proyecto han colaborado con Tamayo Mar Blasco, Aníbal Soriano, Javier Utrabo y Luis Vives.

Por su parte, Todos los Tonos y Ayres es la primera agrupación de música china en España, y está integrada por el dúo formado por Abigail R. Horro y Rubén García Benito. Tras formarse en China, ambos miembros fundaron este proyecto que tiene entre sus objetivos dar a conocer las relaciones históricas y musicales que se dieron en tiempos pasados ​​entre Europa y Asia, así como la presencia de músicas ibéricas más allá de las propias fronteras, siempre desde el máximo respeto y rigor históricamente informado hacia las manifestaciones musicales de todos los contextos culturales que trabajan en ellas.

Luis Suárez

Verdi, G. Macbeth (Versión Francesa 1865).  Ludovic Tézier. Silvia Dalla Benetta. Riccardo Zanellato. Giorgio Berrugi. Filarmonica Arturo Toscanini. Coro del Teatro Regio di Parma. Conductor: Roberto Abbado.

Dynamic 7915.02 · DDD · 152' · *****

Giuseppe Verdi siempre estuvo fascinado por las obras de Shakespeare; escribió tres óperas basadas en ellos y contempló una cuarta (basada en El rey Lear), pero nunca pudo encontrar el libreto adecuado. "Macbeth" fue la primera de estas adaptaciones, y una obra que nunca satisfizo del todo al compositor. La primera versión de la ópera se estrenó en 1847 en Florencia, pero la versión más conocida y que aquí se muestra, es la revisión que hizo el compositor para el estreno parisino de 1865. Los cambios incluyen un nueva aria para Lady Macbeth en el segundo acto, la adición de una escena de ballet para las brujas y la eliminación de la escena de la muerte de Macbeth. En casi todas las escenas, hay al menos algunos cambios menores. Hay una famosa carta en la que Verdi afirma que Lady Macbeth no debe tener una voz hermosa, sino que debe retratar la maldad de su personaje. Es difícil conciliar esta afirmación con la música que compuso para ella, que es una de las más floridas, difíciles y dramáticas de su carrera. Su entrada comienza con una lectura hablada de la carta de Macbeth, seguida de un recitativo. En su escena de sonambulismo, encontramos a Verdi en su estado más dramático, con la línea vocal más hablada que cantada, pero al final se requiere que se eleve a un re bemol alto lo más suavemente posible. El papel principal, aunque no es tan complejo, requiere un estilo dramático considerable, así como la línea del bel canto para llevar a cabo su aria, "Pietà, rispetto, amore". De los personajes secundarios, Macduff y Banquo son los más notables, y ambos tienen arias inspiradas. Las tres brujas de Shakespeare se convierten en un coro de tres partes cuya música inspira más risa que miedo en este escenario. Los coros que denunciaban la tiranía a menudo sacaban lo mejor de Verdi, por lo que no es sorprendente que el clamor coral patriótico ante el aria de Macduff sea una de las piezas más fuertes de la obra. La música de ballet escrita para el estreno de la versión revisada en París suele omitirse sin mucho daño a la partitura, pero resulta indispensable para esta otra faceta de Verdi.

En sus mejores momentos, como éste Macbeth transmite todo el drama de Shakespeare y lo fusiona con algunas de las mejores músicas de Verdi. Se trata de una grabación en directo del Festival de Parma 2020.  Así pues éste último lanzamiento de la obra, es una conclusión mucho más que digna digna, y hay que recordar que esta era una forma muy común de interpretar óperas de todo tipo hasta hace relativamente poco tiempo. Interpretada aquí en su revisión de 1865, Macbeth fue quizás la primera ópera de Verdi en señalar el camino hacia la ruptura en la estructura del recitativo y el aria que vendría muy pronto: el poder fantástico del drama y la comprensión de Verdi sobre él traspasó los límites. Hay mucho en él que suena a Rossini, pero también mucho que suena a ópera alemana. Se presenta aquí por un elenco encabezado por el barítono Lodovic Tézier en el papel principal, con una variedad de otros cantantes, en particular la soprano Silvia Salla Benetta, que encaja en la concepción colorida y dinámica de la obra del director Roberto Abbado. Es una lectura emocionante que transmite la música, y los oyentes se distraerán con la traducción al inglés, de la traducción al francés del libreto de Francesco Maria Piave por Charles Nuittier y Alexandre Beaumont, en 1864, que es simple y utilitaria en el extremo de agradecer que se incluya en el libreto en ambas versiones.

Luis Suárez

Edward Elgar, Frank Bridge. Conciertos para violonchelo y orquesta. Gabriel Schwabe, violonchelo. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Christopher Ward, director. 

NAXOS 8574320 · 56' · DDD · ****

Para los amantes de la música inglesa, de la música de violonchelo y de la música elegíaca, para los fanáticos de la buena música, esta grabación interpretada por el alemán Gabriel Schwabe, con el británico Christopher Ward no se puede pasar desapercibida, sobre todo por la "Oración" de Bridge, presentado aquí con una interpretación de una intensidad sincera y un virtuosismo notable. En su "Oración-Concierto elegiaco" de 1930, Bridge llora a los muertos de la Primera Guerra Mundial con una abrumadora efusión de dolor apasionado; en su Concierto para violonchelo de 1919, Elgar lamenta el fallecimiento del mundo anterior a la guerra que conocía con una dura dosis de dolor concentrado; son tocadas con una tremenda profundidad de alma y una inmensa nobleza de espíritu, y Schwabe, al frente de la Orquesta Sinfónica de la ORF, son socios fieles y otorgan el apoyo sin reservas que necesita. Si bien los cambios en la interpretación de Elgar, que aquí son leídos con rapidez, más de la acostumbrada por intérpretes de la talla de Jacqueline Du Pré (quien inmortalizara la obra con su incomparable fuerza y ​​sensibilidad emotiva) será la razón por la que muchos oyentes regresen a las versiones de ésta una y otra vez.  Schwabe presenta en Bridge su tono delgado y poderoso, técnica consumada y desdén por embellecer la partitura. La orquesta tiene su propia oportunidad de brillar con su cálida y superlativamente atractiva interpretación particularmente dotada para capturar el lado lírico y conmovedor de la partitura, creando un tono y un paisaje sonoro diferente para cada concierto. El equilibrio entre violonchelo y orquesta es excelente en todas partes. La calidad de sonido es nítida y detallada sin ser estéril.

Luis Suárez

Azevedo, Sergio. Hukvaldy Cycle. Ensemble Darcos. Nuno Corte-Real, director.

NAXOS 8579079 · DDD · 69' · *****RS

Compositor y escritot portugués, nacido en Coimbra en 1968,  de un ya gran catálogo de obras orquestales, de cámara y para piano que se han interpretado en Europa y en otros lugares. Uno de los más importantes músicos del panorama musical europeo y mundial. Aquí nos presenta un más que interesante programa de obras de cámara, inspiradas en la figura del gran compositor nacido en Brno, (en la entonces Checolovaquia), Leoš Janáček. Una gran figura entre el siglo XIX Y XX, que creó sus últimas décadas de vida un estilo propio, claramente diferenciado e importante aún hoy en día.  Tomando su título del pueblo en el que nació, Hukvaldy, este álbum de obras de cámara del premiado compositor portugués Sérgio Azevedo revela su profunda afinidad por la música y la personalidad del gran compositor checo. El uso de fragmentos de "In the Mists (En las Nieblas)", ciclo de piano, la última de sus obras solistas más sustanciales para el instrumento, compuesto en 1912, algunos años después de que Janáček sufriera la muerte de su hija Olga y mientras sus óperas seguían siendo rechazadas por los teatros de ópera de Praga; y "On an Overgrown (En el Camino Cubierto de Maleza), otro ciclo para piano escrito a partir de 1900 hacia 1911, descrita por el autor como una doble trayectoria de "reminiscencias lejanas" de su infancia y una reflexión sobre la muerte de su hija Olga, de 20 años, en 1903. Así pues, Janáček le ha permitido a Azevedo crear una "reelaboración reflexiva" del material original. Dibuja su música en direcciones insospechadas, ya sea abandonando los fragmentos a medida que la música se desarrolla o generando nuevos contextos auditivos. La música resultante representa unas inclasificables formas libres, con una profunda comunicación entre dos compositores de dos épocas distintas. Su estilo, aquí presentado, es aparentemente una mezcla del pasado interactuando con las identidades progresistas de hoy, siendo la tonalidad el principal estímulo de su material temático. El resultado son cinco piezas de diferentes duraciones y compuestas para diferentes grupos de instrumentos, todas, en diversos grados, utilizando la música de Janacek como base. Flauta y piano, y que conduce a la Sonata Hukvaldy para violín y piano. En una amplia gama de colores tonales, se inspira materialmente en fuentes tan diversas como la ópera de Janacek, "La Zorrita Astuta", y sus obra para piano citadas. La partitura más extensa del disco, "Hukvaldy Trio", fue compuesta en un solo movimiento continuo que se aleja un paso muy grande de Janacek, su origen en 2015 es evidente en los sonidos gran parte de su tiempo. Según notas del propio compositor, relatan que habiendo completado el Ciclo Hukvaldy con "V mlhach ... In The Mists", de 1912, donde la dirección de la música parece tentadoramente indefinida, se volvió a acercar al temario de genio checo, en 2019, para escribir una partitura final que cierra el disco para flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano, "A procura da raposa (Buscando al zorro)", que representa un resultado colorido, más vital y optimista. A lo largo de Ensemble Darcos ofrece actuaciones profundamente comprometidas en una grabación bien equilibrada realizada en 2020 y publicada en 2021, de excelente resultado e interés, tanto por la intepretación como por las obras expuestas.

Luis Suárez

Wolf-Ferrari, Ermanno.: Complete Overtures and Intermezzi. Oviedo Filarmonía. Haider, Friedrich, conductor.

NAXOS 8.573582 · DDD · 62' · *****R

La Oviedo Filarmonía, de la mano de Friedrich Haider nos ofrece una integral basada en las piezas instrumentales inmersas en las obras escénicas de Wolf-Ferrari. Como es habitual su estilo se puede definir como adorables melódico y efímero, y estas piezas cautivarán a los oyentes que busquen música del siglo XX que recuerde con cálida nostalgia los últimos años del siglo XIX. Todas ellas son completamente románticas en sus melodías arqueadas, armonías cromáticas y enfoque libre, y ​​ligeramente neoclásicos en su tono exuberante, ritmos alegres y un ingenio ligeramente irónico. De hecho, hay secciones importantes que parecen haber sido escritas a mediados del siglo XIX si no fuera por la intrusión ocasional de un puccinismo o lehárismo. El protopoliestilismo de Wolf-Ferrari puede que no sea del agrado de todos, pero el compositor podría escribir una buena melodía, y hay varias de ellas en estas óperas. Wolf-Ferrari tenía un don genuino para la música divertida, lo cual es bastante raro entre los compositores de ópera. La actuación es muy buena, como se esperaría de una orquesta especializada en la música de ópera, estando durante años en el foso del Teatro Campoamor de Oviedo, actuando con delicadeza y espíritu. Tienen una vitalidad atractiva que es inmediatamente evidente desde las primeras notas de la alegre obertura. Probable es que esta siga siendo una grabación indispensable durante un tiempo; siendo de interés para los fanáticos del oscuro repertorio operístico.

Luis Suárez

 Qvid est veritas? Obras de Benedetto Ferrari, Maurizio Cazzati, Caludio Monteverdi, Tarquinio Merula y Giovanni F. Sances. Los Músicos de su Alteza. 

IBS CLASSICAL 212021 · DDD · 62' · *****R

Los Músicos de su Alteza, Grupo liderado por Luis antonio González, con la figura aquí especial de la soprano Olalla Alemán y con Pablo Prieto y Eduardo Fenoll, violín, Pedro Reula, violonchelo y viola da gamba, Miguel Rincón, chitarrone y Alfonso Sebastián con el órgano de cámara;  defienden el concepto de  "la verdad" con un abanico de piezas de compositores barrocos italianos, y hay que reconocer que el resultado es convincente: cada compositor tiene preferencias en relación con los tipos de ideas melódicas y gestos rítmicos empleados, y las nueve piezas presentadas aquí parecen ajustarse al gusto de una única identidad musical. Este es un álbum cada vez menos inusual,  en el que la vocalista Olalla Alemán ocupa el eje central madrigalesco, aunque incluye una destacada interpretación instrumental del notable conjunto, con las letras incluidas en excelentes traducciones, una necesidad absoluta para un programa de este tipo. Con la popular obra "El Lamento d'Arianna" de Monteverdi, que ha sido una piedra angular de su fama tanto en su tiempo como en el nuestro. En su forma original, Monteverdi compuso este lamento como un punto focal dramático dentro de su ópera Arianna. Como tal, adornó las festividades nupciales de 1608 del príncipe Francesco Gonzaga de Mantua y la duquesa Margherita de Saboya. Varios embajadores y otros testigos de esta primera actuación dieron testimonio del poder especial de la música de Monteverdi para el Lamento. El propio Monteverdi escribió más tarde que esta pieza era la "parte más esencial" de toda la ópera y un desafío particular a su capacidad de invención. Lo publicó como una entidad separada en 1623 (dos veces), lo arregló una vez para un conjunto coral y compuso una monodía sagrada (el "Pianto della Vergine" de la Selva morale e spirituale de 1641) en su música. El Lamento de Ariadne dio lugar a todo un género de música de lamento en el siglo XVII y provocó vibrantes debates teóricos sobre el poder de la música para imitar las emociones humanas. El resto de madrigales incluidos siguen su estela, con unos gestos melódicos cargados de emoción en la voz pura y perfecta de Alemán, recurriendo con frecuencia al cromatismo apoyado con un trabajo instrumental excelente del conjunto que encaja perfectamnete con el estilo de la misma. La acústica de la iglesia es una adición valiosa a la colección de madrigales. La diversidad de estilos y expresiones en este trabajo lo convierte en un vehículo ideal para que un conjunto de música antigua demuestre su gama completa, y las habilidades y recursos tanto del apartado instrumental, como de la soprano se muestran brillantemente. La belleza de la producción vocal-instrumental muestra la calidad de audio menos que excepcional.

Luis Suárez

 Manuel M. Ponce - Sonatas "Romántica y Clásica". 24 Preludios. Ander Clemens, Guitarra

NORDIC SOUND · DDD · 69' · *****S

El guitarrista noruego Anders Clemens vuelve a editar otro disco, esta vez recogiendo parte de la obra compuesta para el binomio Segovia-Ponce por el denominado padre de la música nacional mexicana, Manuel María Ponce (1882–1948). Se basa en dos géneros: la Sonata y Preludio. 

Segovia y Ponce se cruzaron por primera vez en 1923, cuando Segovia tocó en un concierto en México al que asistió Ponce con el propósito de escribir una reseña de conciertos para un periódico local. Ponce quedó instantáneamente impresionado con el virtuosismo y la sensibilidad musical de Segovia y escribió una crítica favorable del concierto. Tras leer la crítica de Ponce, Segovia concertó un encuentro con Ponce para animarle a componer música para guitarra clásica, iniciando una prolífica serie de colaboraciones y una larga amistad durante un período de algo más de veinte años. Esta colaboración dio como resultado la composición de muchas obras de guitarra notables como "Theme Varie, et Finale", "Sonata Mexicana", "Concierto del sur para guitarra y orquesta" y doce de los veinticuatro preludios de Ponce. Segovia también jugó un papel en el refinamiento de estas piezas agregando digitaciones, transponiendo ocasionalmente a teclas más amigables con la guitarra y haciendo otros cambios para fines de interpretación. A fines de la década de 1920, Andrés Segovia (1893– 1987) le encargó a su amigo, el compositor y pianista mexicano Manuel Ponce que escribiera veinticuatro preludios para guitarra. En 1930 se publicaron dos volúmenes de 6 Preludios cada uno, mientras que los doce "Preludios" restantes no fueron publicados hasta 1980 por el guitarrista Miguel Alcazar, 32 años tras su muerte. Los veinticuatro Preludios hacen un uso extensivo de muchos de los atributos y timbres únicos de la guitarra, como el uso de armónicos, diferentes texturas musicales, la colocación de la melodía en registros diferentes y a veces inesperados, y el uso extensivo de cuerdas específicas para resaltar algunos de los colores de tono distintivos del instrumento. Aunque no era principalmente un guitarrista, Ponce compuso muchas obras para guitarra y tenía una habilidad ingeniosa para explotar las características y limitaciones únicas del instrumento, componiendo muchas piezas memorables y únicas que ahora son partes importantes del repertorio estándar de la guitarra clásica.

Ponce compuso estos veinticuatro Preludios durante los primeros cinco años de su estadía de ocho años en París, perfeccionándose con el legendario Paul Dukas en la Schola Cantorum y coincidiendo con varios jóvenes talentos a merger como Joaquín Rodrigo, que comenzó en 1925 y terminó en 1933. Ponce y Segovia originalmente tenían la intención de escribir veinticuatro Preludios para guitarra con el propósito de crear un método de guitarra que introduciría a los guitarristas a las veinticuatro teclas. Sin embargo, después de la publicación de las dos primeras series de 6 Preludios por Schott Publishing en 1930, Segovia informó a Ponce que Schott no publicaría los dos volúmenes restantes debido a la depresión económica de la década de 1930. Segovia grabó la primera serie de 6 preludios para discos Decca en 1952, lo que contribuyó en gran medida a su perdurable popularidad. Casi cincuenta años después de la publicación de los dos primeros volúmenes, el guitarrista Miguel Alcázar obtuvo acceso a algunos de los archivos musicales supervivientes de Ponce y encontró todos menos uno de los doce Preludios adicionales que anteriormente no se habían publicado. Para completar el conjunto, Alcazar usó la canción popular de Ponce “Cuando la Aurora” en lugar del Preludio que faltaba y traspuso la pieza a sol mayor, cumpliendo así el objetivo original de Ponce y Segovia de publicar veinticuatro Preludios que presentarían a los guitarristas a los veinticuatro. Alcazar procedió a publicar el conjunto final de doce Preludios en 1980 (cincuenta años después de la publicación de los dos primeros volúmenes en 1930), que fueron bien recibidos por la comunidad de la guitarra clásica y continúan siendo ampliamente enseñados, aprendidos e interpretados a este respecto. día.

Para empezar este CD Clemens abarca interpretando 2 de las 5 sonatas para guitarra del compositor mexicano, una de ellas "Sonatina Merdional". Tanto la "Romántica" como la "Clásica (a la manera de Fernando Sor) fueron escritas principalmente a instancias de A. Segovia, y las sonatas son las obras más sustanciales y satisfactorias de la obra de guitarra de Ponce, lo que lo convierte en una experiencia auditiva muy generosa. Si Segovia tendía a tener tempos bastante enérgicos y sus interpretaciones a veces carecían de claridad rítmica (aunque siguen siendo imprescindibles para los amantes de la guitarra), Clemens prefiere tempos mucho más pausados ​​(que no lentos) y es muy expresivo en su interpretación. No hay absolutamente nada mecánico en su estilo, todo lo contrario. Se nota que realmente siente esta música y que la está tocando como un trofeo muy querido. Cada sonata está prodigada con un cuidado extraordinario y, a la vez que en los "Preludios" cada una tiene su propio sonido distintivo, desde el estilo neoclásico hasta el romántico. Ponce tenía la asombrosa habilidad de componer con el estilo exacto de los primeros compositores, lo que en algunos casos llevó a confundir la identidad del compositor de algunas de sus obras de guitarra, como una de sus "Suites" al estilo del laudista barroco: L. Weiss. El enfoque de Clemens es muy lírico, claro, colorido y brillante, a veces incluso libremente flexionando sobre frases para un mayor efecto, pero nunca participando en la autocomplacencia. La calidad del sonido es increíblemente vívida, fruto de una acústica especialmente clara. 

Luis Suárez