REMEMBERING RUSSIA. Jesús Rodolfo, viola. Min Young Kang, piano. Obras de Prokofiev, Rachmaninov y Stravinsky. 

PENTATONE DDD · 84' · *****R 

Grabación maravillosa de una selección musical lírica, conmovedora y sensible. Grabado y producido en tiempos pandémicos, el tono diferente de ser un puñado de transcripciones para el intrumento estrella del cual Jesús Rodolfo es uno de sus más destacados embajadores, la viola, lo hacen aún más interesante. Otra característica es el equilibrio entre la viola y el piano, que  no permite que se impregne de esa sensación omnipresente de la tristeza rusa que impregna muchas de sus obras. Las actuaciones son maravillosas: Rodolfo impone una interpretación fuerte y apasionado con un arco sensible. El pianista, Min Young Kang es una música sensible matizada con una mano derecha lírica. Juntos, su conjunto es fácil e intenso y siempre alerta a las sutilezas de las partituras. El sonido es maravilloso: ligero y claro pero pleno y cálido con una asombrosa sensación de inmediatez.

La sabiduría común de Prokofiev y Rachmaninov es que en realidad sus obras son a partes iguales para ambos intsrumentos; no para piano como mero acompañante. En la época en la que volvió a la Unión Soviética, Sergei Prokofiev es un compositor maravillosamente lírico y, a veces, incluso profundamente conmovedor. Junto a momentos y movimientos completos de virtuosismo egocéntrico y tremenda vulgaridad, hay momentos y melodías, pasajes y páginas en su Ballet "Romeo y Julieta" tan hermosos como cualquier cosa que haya compuesto. Y toda la música se encuentra entre las más líricas y expresivas que el genio haya compuesto y su "Suite de Piano" (diez piezas) extraída del ballet, aquí  tiene una intimidad y una conmoción que desmiente la imagen del compositor como un enfant terrible. Al virtuoso ruso Vadim Borisovsky  (1900-1972), es quien debemos esta adaptación a su instrumento de seis números de la misma. Rodolfo tiene una técnica a la altura de las exigencias de la virtuosa escritura de Prokofiev Borisovsky. El lirismo expresivo del dúo Rodolfo/ Young Kang de la música fluye a través de sus dedos y en gran parte de la suite Romeo y Julieta de Lugansky se encuentramos interpretaciones deslumbrantes que irremediablemente comparamos con el original para orquesta y de la música para piano. 

La "Sonata para Violonchelo y piano, op.19" de Rachmaninov, multiples veces grabada e interpretada, es otra adpatación de Vadim Borisovsky y se estructura en cuatro movimientos. Apasionada y hermosa es intepretada aquí por Rodlfo en un tono, caracterizado por una moderación en el uso del vibrato y una calidad de flautando curiosamente omnipresente y contundente, penetrante sin ser estridente: un sonido puro, sin adornos, que en muchos sentidos hace que de esta obra desnuda e intensa. El tono resonante y verdaderamente masivo de Young Kang es asimismo simplemente asombroso, desafiando el reto de las difucltades de Rachamaninov con una escritura de piano que recuerda a veces los pasajes más rápidos y siniestros de la Rapsodia sobre un tema de Paganini, donde la viola presenta una idea rítmica en varios momentos iniciales de interés marginal. Punto culminante es el tercer movimiento, donde comienza en el piano con un tema encantador de carácter íntimo y apasionado. Después de que entra la viola, el material se expande de la misma manera que lo hace la melodía en el segundo movimiento del Segundo Concierto para piano. Se alcanza un clímax poderoso y el tercer movimiento finaliza suavemente, donde el compositor manipula hábilmente su interacción. 

La "Suite italiana" de Stravinsky es un arreglo de varios movimientos de su ballet "Pulcinella" (1919/20), sobre temas de Pergolesi (1710/1736). Aquí la transcipción es el propio Jesús Rodolfo. No fue el primer intento de Stravinsky de transformar algunos de los números del ballet en una obra para cámara. En 1925, escribe una "Suite para violín y piano", después de temas, fragmentos y piezas del ballet. En 1932, Stravinsky solicitó la ayuda del violonchelista Gregor Piatigorsky para reelaborar la Suite anterior en la "Suite italienne para violonchelo y piano". En 1932, Stravinsky y el violinista Samuel Dushkin organizaron la Suite Italienne para violonchelo y piano en la Suite italienne para violín y piano. En esta versión, el orden de los movimientos es "Introducción", "Serenata", "Tarantella", "Gavotta con due variazioni", "Scherzino" y "Minuetto e final". El encanto de las melodías de Pergolesi y el sabor picante de la reescritura de Stravinsky hacen de su Suite italienne una de sus obras más agradables y sin duda la más popular de sus obras camerísticas. Al contrario de las dos páginas anteriores, refleja el neoclasicismo genial e ingenioso de Stravinsky, pero proporcionan suficientes diferencias en la instrumentación, la calidad melódica y las texturas armónicas para demostrar la gran variedad de métodos que empleó en su fase estilística media. De nuevo Rodolfo y Young Kang presentas estas piezas de ballet con gran refinamiento y encanto, con una profundidad apreciable y sonoridades ricas en timbres y dinámicas que darán un gran placer a cualquier mélomano. 

Luis Suárez

Mozart. Missa Longa K.262. Coronation Mass K.317. Carolina Ullrich, Soprano. Marie Henriette Reinhold, Mezzo-soprano. Angelo Pollak, Tenor. Konstantin Krimmel, Bass. West German Radio Chorus Cologne

Cologne Chamber Orchestra • Christoph Poppen.

NAXOS 8574270 · DDD · 56' · *****R

Mozart compuso esta Misa en Do mayor, K. 317, la más conocida de sus 16 misas completas, para los servicios en la Catedral de San Pedro en Salzburgo el 23 de marzo de 1779, poco después de su regreso del viaje a Mannheim y París. A partir de entonces, escribió solo la Missa solemnis de 1780 en C, K.337, y en Viena esos dos torsos colosales, la "Misa en Do menor grande", pero incompleta de 1783 (K.427 / 417a), y el "Réquiem" inacabado (K. 626).

Cuando Hieronymous Colloredo se convirtió en príncipe-arzobispo de Salzburgo en 1772, decretó que las misas, con música y todo, no duraran más de 45 minutos. Esto explica la designación de ocho de Mozart como "Missa brevis" o misa corta. Dos más se titulan formalmente "Missa solemnis" (misa solemne; K. 61a y K. 337), y un tercero "Missa longa" (misa larga; K. 262). El resto, todo en Do mayor que culminó en K. 317, se llamaba simplemente Missa, aunque varios adquirían subtítulos, incluido "Coronación". Durante más de un siglo, se supuso que el K. 317 celebraba la investidura local de una estatua de la Virgen. No es así, según un consenso académico más reciente: se le asignó ese sobrenombre en los círculos de la corte de Habsburgo después de que Antonio Salieri dirigiera una actuación en la coronación de Leopoldo II en Praga en agosto de 1791, menos de cuatro meses antes de la muerte de Mozart.

Al igual que las otras misas en Do mayor/ menor, en los manuscritos de Mozart en Salzburgo, esta está compuesta para trompetas, además de dos oboes y trompas, tres trombones, timbales, continuo, órgano y dos violines. El uso de la estructura musical es notable más allá de la forma ABA tradicional de Kyrie. El Gloria es igualmente ternario, mientras que el Credo es un rondo, con un "Et incarnatus est" silencioso, armónicamente aventurero y sobrecogedor en su centro. Aún más llamativas son las recurrencias temáticas en todas partes; por ejemplo, la música Kyrie en la conclusión de "Dona nobis pacem" y el tema del "salto de fe" del Credo en movimientos posteriores. Igual de sorprendente es el aria "Agnus Dei ... miserere nobis" de la soprano, que anticipa siete años al desesperado "Sono de la paloma" de la condesa Almaviva en Las bodas de Fígaro.

El Kyrie, Gloria, Credo y Sanctus comienzan con proclamas corales en Do mayor, acompañadas de timbales y trombones. Las cuatro voces solistas no pasan a primer plano hasta "benedicamus te, adoramus te" en el Gloria. Mozart les da la estrofa "Dominus Deus ... Filius Patris" antes de que el coro cante un solemne tono menor "Qui tollis peccata mundi ... Qui sedes". El Gloria "Amen" cuenta con solistas hasta una última interjección coral. Al escuchar un jubiloso "Et resurrexit" después de las devociones murmuradas de "Et incarnatus" y "Crucifixus" en el Credo, uno se da cuenta de que la música de masas de esta expresividad sostenida no se repetiría hasta las últimas seis obras maestras de Haydn de 1796-1802, aunque la música de Mozart comparable el dominio del contrapunto permaneció encadenado hasta que finalmente se liberó de las prescripciones del príncipe-arzobispo Colloredo. El Sanctus en K. 317 es más solemne que jubiloso; lo mismo ocurre con las Hostias, aunque se mueve a un ritmo acelerado. Seguramente Beethoven conocía esta misa; su Benedictus en la Missa solemnis de 1823 comienza con un solo de violín consolador, como lo hace aquí el de Mozart. La escritura del viento anticipa los grandes conciertos para piano vieneses entre 1782 y 1791. En el umbral de la liberación permanente de Salzburgo sin saberlo todavía, de hecho, mientras sentía desde el comienzo de 1779 que había sido enviado a la servidumbre en un purgatorio provincial, el incomparable Mozart alcanzó la mayoría de edad musicalmente.

En total, el resultado con la "Missa Longa, K.262" en Do menor de Wolfgang Amadeus Mozart es óptimo, infundiéndole un sentido de convicción y una seriedad grave mientras logra evitar la esterilidad o la pomposidad. El coro es excelente en todas partes, y la orquesta interpreta las partes orquestales en instrumentos con un brío y brío típicamente mozartianos. Las fuerzas vocales incluyen solistas de soprano, alto, tenor y bajo; su contribución es excelente en el diálogo entre el coro y orquesta que ofrece a los solistas una escritura cantabile como la que Mozart había escuchado en la música sacra en Italia. Los solistas han aportado integridad litúrgica en la obra con la virtud de la concisión, en su base, una muy buena interpretación que hace justicia a las obras, independientemente de las veces que ya se hayan grabado ya, parcialmente o en su totalidad.

Luis Suárez

 Beethoven. Complete Piano Sonatas. Boris Giltburg, piano.

NAXOS 8509005 · DDD · 9 CD’S · *****

Boris Giltburg, pianista ruso-israelí, es alabado en todo el mundo como un intérprete profundamente sensible, perspicaz y convincente, y los críticos elogian su enfoque apasionado de la interpretación. Este proyecto para grabar las 32 sonatas para piano de Beethoven es una exploración personal de Giltburg, impulsada por la curiosidad y su profundo respeto por el compositor. Estas actuaciones excepcionales recibieron elogios generalizados en su lanzamiento digital original y este lanzamiento en CD de estreno incluye folletos personales e informativos extendidos escritos por el pianista. Desde la vívida energía de las primeras sonatas, pasando por las oscuras pasiones y el lirismo encantado del período medio de Beethoven, hasta la trascendente trascendencia de las sonatas finales, este ciclo abarca toda la gama de la emoción humana. Giltburg ha sido conocido por Liszt y otros repertorios virtuosos, y si tomó algunas de las transiciones de tempo acelerado en el movimiento de apertura aquí de las primera Sonatas que generalmente no se encuentran entre las más difíciles técnicamente de Beethoven. Por supuesto, Beethoven también fue un virtuoso, y las interpretaciones de Giltburg van juntas. La lectura de Giltburg es enérgica, técnicamente atractiva e inquieta y explosiva de Giltburg . El ciclo ya había sido inaugurado con la serie de Giltburg de los cinco Beethoven conciertos para piano, y ahora habiendo completado las 32 sonatas para piano, que marca el 250 aniversario del nacimiento del compositor. Todo el pack aquí expuesto sigue el patrón que podría esperar del anterior. Su combinación de tempi rápido y forma elegante de frases funciona bien en muchas de las primeras sonatas, cuidadosamente en su fraseo, y muchos movimientos tienen una vivacidad maravillosa. La expresividad general trae tanta música al oído del oyente. La actuación de Giltburg, en las Sonatas centrales trae tantos matices y expresividad a la luz que ahora realmente se disfruta escuchando. Su interpretación es viva, variada y exacta.

La colección puede ser atrevida en muchos sentidos, pero está a la altura de sus ambiciones y exige atención. La Sonata nº32 es absolutamente magistral, abarca la música con energía que se transfiere al oyente. Las interpretaciones de las últimas Sonatas son distintas e inteligentes, sin originalidad gratuita. Estas son, en una palabra, interpretaciones emocionantes, y hacen que uno espere con ansias las versiones de Giltburg de otro repertorio que se encuentra cerca del borde de las posibilidades técnicas del piano. El escenario sonoro es un poco empotrado, pero esto funciona muy bien para el piano, ya que da a los densos armónicos la oportunidad de fundirse antes de golpear el oído del oyente. El sonido es completo, redondo y resonante. Calidad superior.

Luis Suárez

Robert Schumann. Fantasie, Op.17. Carlos Civera, piano. 

D.L.B. 8208-2021 · DVD · *****RS

"Quizás la música más apasionada que he escrito".

Robert Schumann escribiendo a Clara Wieck, marzo de 1838

La "Fantasía en Do mayor, Op.17", es una de las obras de teclado más importantes de Schumann, un esfuerzo completamente original convincente en la concepción y el diseño. Es una carta de amor en la música, la culminación de la pasión, el virtuosismo y la delicadeza. El "tema de Clara" que impregna la obra se escucha inmediatamente en las octavas descendentes de la mano derecha. La música es una mezcla intrigante de grandeza e intimidad: la declaración de apertura, un acorde de novena dominante, expresa toda la profundidad de la pasión del compositor y la música pasa de un estado de anhelo a uno de ternura tenue antes de la reafirmación de la apertura. La coda Adagio comienza con un mensaje de amor secreto para Clara: una frase citada de la última canción de "An die ferne Geliebte" de Beethoven: "Toma, entonces, estas canciones, amada, que te he cantado". Schumann originalmente compuso el primer movimiento como parte de un esfuerzo de recaudación de fondos para un monumento al genio de Bonn. Los dos movimientos restantes fueron adiciones posteriores; si la obra tiene algún defecto, es que la superioridad del primer movimiento hace que el segundo y el tercero puedan resultar bastante convencionales en comparación inicial. La Fantasía se diferencia del elenco de improvisación de un solo movimiento más habitual de la fantasía del teclado en que su forma es en realidad más cercana a la de una sonata; el primer movimiento, de hecho, probablemente se describa mejor en sí mismo como una sonata-allegro muy modificada. Aquí, Schumann convierte su defecto habitual (la sustitución de sucesivos fragmentos musicales no relacionados para el desarrollo real) en la premisa estructural. Cada sección parece expirar, sin resolver, seguida de un nuevo comienzo; sin embargo, con el elemento unificador del motivo de Beethoven, así como con la consistencia con la que cada pasaje sucesivo crece y mengua, Schumann crea una estructura única que proporciona la apariencia de unidad a pesar de la fragmentación de su contenido. Nunca pudo duplicar esta hazaña en trabajos posteriores, que tienden a estar fragmentados por diseño en pequeños movimientos o, en el caso de sus esfuerzos a gran escala, excepciones aparte, carecen de la cohesión de Fantasía. El segundo movimiento, “Me pone caliente y frío por todas partes”, escribió Clara sobre el mismo, una marcha con Trio, parece bastante anodino a pesar de su gran escala. Aún así, trasciende lo mundano por el puro brillo del material en sí. El incesante impulso rítmico de la sección principal es absolutamente convincente, mientras que los extraños ritmos cruzados del Trío dan como resultado un pasaje de excepcional belleza lírica. Sublimemente hermoso, tierno e íntimo, el tercer movimiento es una canción extendida sin palabras, con deslumbrantes desviaciones hacia las teclas remotas de A-bemol y D-bemol mayor que crean una extraordinaria sensación de tiempo suspendido. En este movimiento se puede restar importancia a la pasión, pero no se siente con menos fuerza. El largo final de Adagio es de una forma similarmente sencilla que alcanza su punto máximo en dos grandes clímax antes de la coda bastante abreviada; en el transcurso del movimiento, el tono pasa de místico a lírico a majestuoso antes de repetirse. Schumann originalmente escribió un final más largo para la Fantasía que citaba del primer movimiento, pero lo rechazó antes de su publicación a favor de la coda existente. La profundidad y la grandeza de este trabajo es tal que solo un artista de primer nivel puede esperar hacer justicia completa a sus riquezas. Casi se puede imaginar Robert y Clara se abrazaron profundamente. La coda es una declaración de éxtasis, que aumenta gradualmente en velocidad, antes de retroceder hacia Adagio para el cierre y los tres acordes de Do mayor silenciosos que son a la vez pacíficos y, sin embargo, teñidos de tristeza. La prohibición del padre de Clara a Robert para ver a su hija es en efecto la base de composición de esta bella partitura.

Civera es de los que insisten en que la esta obra es una de las Grandes Obras Maestras Románticas, y ha entendido realmente el trabajo y mucho menos ha sido capaz de darle el tipo de interpretación bravura que requiere, en una interpretación completamente suya. El tipo de interpretación imprudentemente virtuosa, emocionalmente incandescente y absolutamente individualista donde no solo toca las notas, sino que las infunde con una energía insoportable y una intensidad abrumadora, aprovechando al máximo cada acorde y título de la partitura. Va detrás, por debajo y por encima de la partitura y, como los grandes pianistas románticos, recrea la partitura como una experiencia musical y emocional totalmente convincente, de una sensibilidad asombrosa, un poder asombroso y, por supuesto, un virtuosismo demoledor. Cualquiera que ame el trabajo o simplemente tocar el piano se lo debe a sí mismo al escuchar este disco, especialmente con el sonido vívido y vibrante de la grabación en DVD y audio solo; no solo de la edición final de la obra que conocemos, sino también de un manuscrito anterior procedente de la Biblioteca Nacional De Budapest. 

Luis Suárez

"Entre todos los sonidos suena

en el multicolor sueño de la tierra

un levísimo sonido, tocado

para quien escucha en secreto"

(Fr. Schlegel)

Saint-Georges, Joseph Boulogne, Chevalier de. Symphonies Concertantes, Op.9, 10 y 11 nº1. Yury Revich, violín; Libor Jezek, violín; Pavla Honsová, viola. Czech Chamber Philarmonic Orchestra. Michael Halász, director.

NAXOS 8574306 · DDD · 64' · *****R

Grato es para culauiqer melómano el redescubrimiento de la música por Joseph Boulogne, Chevalier de Saint-Georges, un compositor y violinista afrocaribeño que llegó a París, alcanzó una celebridad moderada y se hizo conocido como Le Mozart noir o el Mozart Negro. nacido en Guadalupe en 1745 de un terrateniente y un esclavo africano. Cuando su familia se mudó a Francia en 1753, se formó como compositor, violinista y director y en deportes aristocráticos como la esgrima, una habilidad por la que obtuvo el título de Caballero. Se convirtió en uno de los músicos más destacados de París a finales del siglo XVIII y dirigió una de las mejores orquestas continentales, Le Concert des Amateurs, con la que estrenó sus conciertos para violín durante las décadas de 1770 y 1780. (Uno de sus logros como director fue encargar a Haydn que escribiera sus seis Sinfonías de París, el primer encargo extranjero del compositor). Con las obras de la década de 1770 por las que ha sido más conocido, en realidad podría haber influido en Mozart y no al revés; sus conciertos para violín y sus sinfonías concertantes, incluídas aquí tienen la calidad dulce y profusamente melódica familiar de las obras parisinas de Mozart. En estas maravillosas obras, Saint-Georges incorpora rasgos de la música de sus grandes contemporáneos en un estilo personal que sigue siendo muy francés. Cada Sinfonía consta de dos movimientos: Allegro y Rondó. Aquí muestra su experiencia escénica en las texturas esencialmente solistas que emplea; la música está llena de melodías efusivas para el primer y segundo violín solista. Saint-Georges también marca con eficacia un curso entre las texturas solistas y el ideal dialógico del sinfonismo del clasicismo; entre las melodías intercala grandes pasajes orquestales que crean un efecto de concierto. El ingenio musical y la inventiva melódica y armónica de los primeros rivalizaban con los de Mozart, pero sus acompañamientos tendían a ser más prosaicos. El virtuosismo del compositor como violinista se manifiesta en los versos solistas, que anticipan los conciertos del siglo XIX en las exigencias que imponen al solista. Utiliza paradas dobles con tanta habilidad que en algunos puntos es difícil creer que no haya dos instrumentos tocando. La actuación es ejemplar; los intérpretes marcan con éxito un rumbo de un ligero sonido francés. La Orquesta Filarmónica toca con la precisión y el fervor característicos de las principales orquestas internacionales, y los solistas clavas absolutamente las partes a solo con una seguridad y un estilo impresionantes. La excelente calidad de sonido de Naxos es equilibrada y limpia.

Luis Suárez

Ottorino Respighi. Songs. Ian Bostridge, tenor; Saskia Giorgini, piano. 

Pentatone 5186872 · 67' · DDD · ****R

Principalmente conocido por sus poemas sinfónicos ricamente descriptivos Las obras sinfónicas de Respighi son elogiadas principalmente por su exquisita orquestación, pero estas composiciones también poseen un encanto que trasciende lo meramente pintoresco. Este encanto es particularmente evidente en obras inspiradas en la música medieval y renacentista.

Nacido en 1879, Respighi estudió desde 1891 hasta 1900 en el Liceo Musicale de Bolonia. En 1900 y 1902 viajó a Rusia, donde tocó la viola en la Orquesta Imperial de San Petersburgo. Durante sus dos extensas visitas a Rusia, Respighi estudió con Rimsky-Korsakov, absorbiendo las ideas del maestro ruso con respecto al color orquestal. En 1903, Respighi se dedicó a la carrera de concertista de violin; también tocó música de cámara, y se unió al Cuarteto Mugellini de Bolonia como violista. A principios de la década de 1900, Respighi comenzó a componer música, pero sus composiciones (obras de cámara y orquestales) atrajeron en un principio poca atención. En 1908-1909, estuvo en Berlín, donde se sumergió en la cultura musical alemana. En 1913, Respighi se instaló en Roma, aceptando una cátedra de composición en el Liceo (posteriormente Conservatorio) di Santa Cecilia. Encantado por Roma, Respighi encontró inspiración en la atmósfera única de la ciudad y, en consecuencia, formuló un lenguaje musical original y personal, ejemplificado por Fontane di Roma (Fuentes de Roma), escrito en 1914-1916.

Aquí se hace una amplia selección de una de sus vertientes menos conocidas, la de su obra vocal de cámara. Aunque poco consideradas, estas composiciones, sin embargo, exudan una frescura y sinceridad únicas. La principal inspiración de las mismas viene dada por su papel de pianista acompañante a cantantes, entre ellos su esposa, Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien también fue compositora. 

Así pues, viendo su catálogo podemos ver que dedicó una cantidad significativa de energía a escribir para la voz. Esta colección de su música vocal, interpretada por el tenor Ian Bostridge y la pianista Saskia Giorgini, incluye canciones, y extractos de ciclos de canciones. La música revela que Respighi es un compositor con un don excepcional para escribir con gratitud para la voz. Estas canciones también demuestran su originalidad y la variedad de estilos en los que hablaba con fluidez. En el ciclo "Deità Silvani", escrito en 1917, escribe con una libertad armónica que contradice su reputación de conservador musical. Su don para crear melodías altísimas y apasionadamente líricas es evidente en casi todas estas selecciones. Bostridge tiene una voz grande y suntuosa que despliega con cálida expresividad, mostrándose completamente sólido en su amplio rango y puede llevar todo su peso al registro más bajo tan efectivamente como puede flotar serenamente en la parte superior. Su habilidad para colorear sutilmente su voz le permite dar a estas canciones variadas la máxima diversidad interpretativa. Giorgini aporta un acompañamiento contundente, colorido y receptivo. Asimismo nos ofrece un intermezzo instrumental interpretando el bello "Nocturno" de las "Seis Piezas para Piano, P44". El sonido es limpio y claro.

Luis Suárez 

Mieczyslaw Weinberg. Chamber Symphonies nº 2, op.147 and 4, op.153. East-West Chamber Orchestra. Rotislav Krimer, conductor. 

NAXOS · DDD · 58' · *****RS

La obra de Mieczyslaw Weinberg está comenzando lentamente a abrirse camino en el mercado internacional. Este disco combina las sinfonías de cámara Segunda y Cuarta del compositor polaco-ruso. La Segunda es una obra de tres movimientos para orquesta de cuerdas de 1987 y la Cuarta es una obra de cuatro movimientos en uno para orquesta de cuerda y clarinete de 1992. Ambas ocasionalmente obras de carácter arduo que nunca es menos que atractivo a la manera modernista soviética. La Cuarta es una obra mucho más cáustica con toques de melancolía en sus temas. Los músicos de la East-West Chamber Orchestra realizan actuaciones de gran ímpetu que hacen convincentes casos para cada pieza. Aunque esta música no es para todos, los oyentes que disfrutan de las sinfonías de cámara de Shostakovich probablemente disfrutarán de las de Weinberg, seguidor de Shostakovich que fue muy defendido por su mentor ante las pujas stalinistas, no califica del todo como olvidado, pero gran parte de su música, incluidas las sinfonías de cámara tardías grabadas aquí, ha esperado interpretaciones persuasivas. Las sinfonías de cámara no son un género en sí mismas, las tres primeras están arregladas a partir de cuartetos de cuerda anteriores de Weinberg, tal y como hizo Shostakovich, mientras que la "Sinfonía de cámara n° 4",  la última obra completa de Weinberg, es original. Es una pieza fascinante, con un triángulo que suena los trazos de la muerte que se acerca al final. Las actuaciones, dirigidas por Krimer son maravillosamente sensibles, y la ingeniería, soberbia. Si estaba pensando en pasar esto por alto porque consiste principalmente en arreglos de repertorio oscuro, bueno, los arreglos tienen sentido, y el repertorio no va a ser oscuro por mucho más tiempo. Este lanzamiento es especial de dos maneras. Primero, sigue marcando el centenario del nacimiento de Mieczyslaw Weinberg en 1919. Segundo, es la primera grabación de la East-West Chamber Orchestra; conjunto interno del Festival Internacional de Música Yuri Bashmet. Está formado por concertistas y solistas de todo el mundo. Los niveles de rendimiento son bastante altos, al igual que la calidad de los instrumentos. No es sorprendente que haya más de unos pocos Guarneris, Gaudagninis y Stradivaris. Y la música merece el esfuerzo; Weinberg tiene más dificultades para controlar sus emociones que su mentor, lo cuartetos se escribieron justo antes de la Segunda Guerra Mundial, los conciertos a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. Weinberg aporta una vida de experiencia a estos trabajos. La profundidad de expresión que ofrecen puede ser impresionante, como se puede apreciar en esta grabación y la primera tanda con la Primera y Tercera obras.

Luis Suárez