LEO BROUWER. GUITAR SONATAS. RICARDO GALLÉN.

Ibs Classical · 142019 · 114’ · DDD · DXD

Después de las pasadas ediciones, de grabaciones del propio creador y la editada en la casa Naxos, de la música para guitarra sola del compositor, guitarrista y director cubano Leo Brouwer, la aparición de este doble disco por el virtuoso español Ricardo Gallén, para el sello Ibs Classics, dedicado a la primera integral de sus Sonatas, es de muy esperada acogida. Un complemento esperado y muy apreciado desde todos los puntos de vista. Excepto la primera obra (por cronología) el resto es plena producción del Siglo XXI, primicia en grabación y reunión conjunta. La nº6 es una adaptación de la original escrita para archilaud, transcrita por Gallén y “bendecida” por el propio Brouwer. El lenguaje compositivo evita las tradicionales raíces estilísticas españolas e iberoamericanas de ese instrumento casi en su totalidad. De hecho, a veces Brouwer parece casi desafiarse a sí mismo a hacer que las expresiones de la guitarra se escuchen claramente en entornos difíciles. Brouwer permite que la estructura musical defina el ámbito de la guitarra: la guitarra simplemente avanza por caminos intrínsecos y farragosos, en cuanto a la dificultad lectora e interpretativa que son lo suficientemente interesantes como para que el oído se aleje de lo convencional y se adentre en las inexploradas experiencias de un nuevo siglo. Ricardo Gallén navega con maestría por las partituras, afrontando los desafíos estilísticos de ideas rítmicas afrocubanas, sudamericanas, africanas y narrativa global que llega a abarcar todo tipo de tratados con una abstracción que anuncia el nuevo Brouwer maduro a estas etapas de su carrera que teje una gran variedad de sonidos e ideas, pasando de un todo líricamente expresivo a la abstracción total. La sombra de Julian Bream es alargada en la consecución productiva y Gallén tiene la mezcla correcta de intelecto y músculo expresivo para dar sentido a la música de Brouwer. Un doble libreto, escrito por los propios protagonistas, explica palmo a palmo las dificultades creadoras e interpretativas de cada obra. El resultado global sublime, en lo meticulosamente que ha sido estudiado y el sonido cristalino de la grabación lo convierten en una necesidad para los fanáticos de la guitarra de todo tipo.

Luis Suárez

ELGAR AND HOLST. ENIGMA VARIATIONS AND THE PLANETS SUITE. Bergen Philharmonic Orchestra. Female voices from Bergen Philharmonic Choir and Edvard Grieg Choir. Andrew Litton, conductor

BIS · 2068 · 82’ · ***

Hay numerosas grabaciones de las “Variaciones Enigma, op. 36” de Edward Elgar y de “Los Planetas” de Gustav Holst, en el mercado. Algunos de ellos, a pesar de la creencia general de que se necesita a los ingleses para interpretarlas, de la misma manera que a los rusos para realizar su patrimonio, éste, por la Filarmónica de Bergen puede hacer frente a la competencia. Litton elabora unas Variaciones detalladas, bastante deliberada con marcadas caracterizaciones de los individuos nombrados por sus iniciales en la partitura de Elgar, pero también con un sentido del flujo de la totalidad. Esto es clave: a pesar de la naturaleza personal del trabajo, Elgar lo consideró como susceptible de ser escuchado como una especie de sinfonía. Detalladas vienen las “misteriosas” personalidades de cada destinatario/a en un libreto ampliamente. En plan global es un conjunto de tonos ricos, cálidos y equilibrados y texturas opulentas características del lenguaje del compositor. Con sus tempos en el lado lento y sus interpretaciones en el lado sentimental, la lectura de Litton es discursiva y leal a la partitura.

La composición más popular de Holst puede o no complacer aquí a los fanáticos de “The Planets”. El poder de los dioses es inconfundible en la riqueza profunda y en el gran volumen orquestal. La gama de colores es bastante amplia y variada en timbres como la de orquesta completa para esta Suite mística y espectacular. Litton se adhiere a lo que escribió Holst, sigue todos los giros y curvas de la partitura, con acentuaciones a veces no muy afortunadas para resaltar más el vigor de los contrastes de la partitura. Todo un arsenal de cambios de fase, bridas, cambios de tono, seguimiento de envolventes evocaciones… La naturaleza mística de "Neptuno" adquiere más de un escalofrío con las resonancias corales. En definitiva, no es la mejor versión, pero siempre es interesante escuchar cómo se pueden explotar las capacidades de una orquesta en tan magna partitura, aunque ofrezca resultados desiguales a tantas otras versiones míticas.

Luis Suárez

ROBERTO SIERRA. 33 SUEÑOS. JULIA. Javier Povedano, barítono. Quiteria Muñoz, soprano. Juan Carlos Garvayo, piano.

Ibs Classical · 112019 · *****SP

Un maravilloso montaje de nuevas obras para voz y piano sobre una sorprendente historia de inspiración inmediata, bien explicada ya en el libreto del propio Juan Carlos Garvayo (autor del libro de poemas de ensoñación) y poemas de Julia de Burgos (1914/1953). El sorprendente descubrimiento de Garvayo, excelente pianista, como poeta es un aliciente que no solo sucumbió al trabajo de músico portoriqueño, Roberto Sierra (1953), uno de los mejores exponentes de la composición contemporánea mundial.  La música es lírica, a veces sobria y, sobre todo, está sintonizada con las excelentes dotes de Povedano, el joven barítono que las estrenó en concierto. El bello timbre de Muñoz está así mismo de un despliegue espontáneo. El estado de ánimo conjunto, de poesía y música, establece un tono compasivo y reflexivo, con hermosas armonías, disonancias y desenvolvimiento lento que describen perfectamente sus temas. Sierra conoce perfectamente el potencial de los cantantes y compone especialmente para un barítono de canto bellamente modulado, y claramente ha pensado en profundidad en cómo interpretar estas canciones. Pero más allá de la calidad de su voz, el efecto abrumador de la actuación de Povedano es profundamente personal, incluso íntimo. Su éxtasis en los últimos compases y su dolorosa tristeza en el último número de la serie hace que no suene como un artista que interpreta una canción, sino como un hombre que crea una canción habitando completamente sus palabras y su música. Asimismo, la interpretación de Muñoz suena como si estuviera descubriendo las implicaciones de la canción mientras la canta. Acompañados ambos por una habilidad tremenda y una simpatía aparentemente ilimitada por Garvayo, aquí se nos ha presentado uno de los mejores recitales de en disco de los últimos años. El sonido de Ibs es virtualmente transparente.

Luis Suárez

Cueurs Desolez. Iñaki Alberdi, acordeón. Carlos Mena, contratenor. Obras de Josquin Des Prez, Jesús Torres, Gabriel Erkoreka, Joan Magrané, José María Sánchez-Verdú y Joan Sebastian Bach.

Ibs Classical · 92019 · 60’s · *****SR

Corazones, llorar por toda la nación. Ensamble el dolor y la lamentación. No busques más armonía, para que la lira de Orfeo se regocijara, pero sumérgete en la desolación.

Línea de tenor de Lamentaciones de Jeremías: Ella llora dolorida en la noche, y sus lágrimas están en sus mejillas; ella no tiene quien la consuele entre todos sus amantes.

(Josquin Des Prez – “Cueurs Desolez”)

Este embrujador CD tiene al compositor francés Josquin Des Prez (1450-1521) como eje central, uniendo sus obras a las de autores contemporáneos como Jesús Torres, Gabriel Erkoreka, Joan Magrané y José María Sánchez-Verdú inspiradas en él. Así, junto a obras emblemáticas de Des Pres, como “Mille regrets” (conocida como “la canción del emperador” por ser la preferida de Carlos V) o “Plaine de deuil”, Mena y Alberdi han querido incluir cuatro obras que encargaron a cuatro compositores contemporáneos españoles de referencia. Completan el trabajo el canto gregoriano Ave Maria Stella que inicia el CD, sobre el que des Prez construyó su Missa Ave maris stella (1505) y una espectacular versión de la Chacona de Bach, de su Partita para violín solo, que cierra el disco. La gran popularidad que se está estableciendo entre la serie de álbumes temáticos, está recogiendo verdaderas joyas que merecen minuciosa atención. El insólito dúo formado por estos dos aventajados intérpretes no deja indiferente. El choque que produce la combinación de acordeón y contratenor, es una de sus bazas más seguras, aunque al principio pudiera parecer lo contrario por el cambio de un Harmonium (más plausible) por el acordeón, un instrumento para el que cada vez se componen más obras en nuestra época. Solo hay que iniciar su escucha atentamente, en el más estricto silencio, para darse cuenta de su logro absoluto. Ambos interpretan de manera directa con un alto nivel de maestría musical, que combina precisión y expresión técnica. La extraña forma de Josquin de extraer estructuras polifónicas distintivas de los materiales más simples al principio de una pieza se traza con perfecta claridad. Esta es una forma alternativa de realizar Josquin, pero que será apreciada por aquellos que favorecen un enfoque subjetivo de sus obras. El álbum también es de gran interés por la forma en que da testimonio del resurgimiento de la voz del contratenor, que se ha presentado en la ópera y la canción independientemente de sus asociaciones históricas. Mena asimismo explota el poder tímbrico de su voz que Alberdi responde con enorme eficacia. Con una coloratura deslumbrante se destaca por la belleza y pureza de su tono y una técnica completamente desarrollada, así como una gran sensibilidad interpretativa. Es notable por su entonación absolutamente precisa, y su tono puro y cremoso, con un brillo que no se escucha a menudo. También Alberdi posee una técnica formidable e interpreta los pasajes de coloratura, así como los de más sobriedad, con agilidad y libertad que suenan sin esfuerzo. Tiene un pianissimo impresionante que puede ampliarse desde casi inaudibilidad. Muy a destacar la profundidad de las caracterizaciones musicales de las obras contemporáneas, captando a la perfección la figura y estilo de Des Prez. Todo un verdadero logro sumando el sonido de la grabación que resulta limpio, abierto y vibrante.

Luis Suárez

Hector Berlioz – Symphonie Fantastique op.14. Fantasie sur la Tempete de Shakespeare op.14b

Toronto Mendelssohn Choir. Toronto Symphony Orchestra. Sir Andrew Davis, conductor.

CHANDOS RECORDS · CHSA 5239 · **** · 70’s

De nuevo una versión de la quizá composición más célebre de la figura eterna del Romanticismo francés, Hector Berlioz, la “Sinfonía Fantástica”. Ésta vez de las manos de Sir Andrew Davis y la Orquesta Sinfónica de Toronto. Berlioz recibe una lectura de estilo como un producto de una febril imaginación romántica de la época: el empuje y arrastre del rubato, los ataques explosivos y las acentuadas sonoridades. Todos los miembros de la orquesta conspiran para hacer de esta una actuación verdaderamente sorprendente, arriesgada y divertida. Hay muchas grabaciones excelentes que pueden colocarse a lo largo del espectro, desde versiones convencionales hasta versiones auténticas (con instrumentos de época), pero pocas pueden hacer una conjetura tanto como lo hace este fascinante rendimiento. El éxito de Davis se reduce a las decisiones que toma acerca de la dinámica, los estados de ánimo, los gestos, la expresión y la acentuación, todas brillantemente efectivas con ricos colores de la orquesta en su variedad. Presenta sus cinco movimientos con firmeza y un claro sentido de la trayectoria, conectados con la narrativa. La inclusión de la parte “tempestuosa” de “Lelio o El Regreso a la Vida” es un regalo adicional. Berlioz la concibió como una secuela de su “Sinfonía Fantástica”. El soliloquio sobre “La Tempestad” de Shakespeare es el epílogo a este “Monodrama lírico”, sección más importante, y la más desarrollada y musicalmente satisfactoria, para coro, orquesta y piano a cuatro manos, cuyo texto, inexplicablemente, está en italiano. Davis, de nuevo, muestra al compositor en su forma más imaginativa: una música que parece flotar, mágica y encantadora, con una orquestación que es característicamente extraña, pero efectiva. La grabación de Chandos es maravillosamente vívida y resonante.

Luis Suárez

Ritorna Vincitor! Veronika Dzhioeva sings favoRite arias
Veronika Dzhioeva, soprano. Kaunas City Symphony Orchestra. Constantine Orbelian, conductor
DELOS · DE3575 · *****S
La soprano dramática rusa, de la región de Osetia, se destaca en este bello recital de arias, en una amplia variedad de papeles, con un rango, hermoso timbre de bella coloratura en un abanico de octavas graves y una apreciable agilidad aportando funciones bien definidas a sus roles. Las arias que seleccionó incluyen algunos estándares muy exigentes que destacan su versatilidad musical y dramática. Constantine Orbelian dirige en un acompañamiento obediente, sin hacer destacar mucho la orquesta. Quizás sea debido a que parte de las arias no verdianas, no van acompañadas de al menos una parte de su enmarcación escénica, a diferencia de otros álbumes de presentación de otras nuevas divas como Pretty Yende. Dzhioeva aporta inteligencia, pasión y una fuerte personalidad interpretativa. Tiene una voz Potente, bella y expresiva. Resalta el valor musical de óperas “one hit Wonder” del repertorio estándar por una sola obra: Giordano o Cilea, con otras joyas de la amplia producción de Verdi y Puccini. La escuela de verismo ofrece algunas de las músicas más convincentes, además de los extractos de joyas como “Aida”, “Il Trovatore”, “Un ballo in maschera” o “ La forza del destino” son especialmente atractivos, formando un abanico de exhibiciones de talento que al final se queda corta. El sonido de Delos es excelente, claro y presente.
Luis Suárez

Antón García Abril – “El Hombre y la Tierra” – Banda Sonora Original de la Serie de RTVE.
¿Orquesta y Coro de RTVE? · A. G. Abril, director.
Quartet Records – RTVE – Limited Edition (1974/81 – 2018)
QR350 · *****SPR
Quartet Records, en colaboración con el legado del desgraciadamente desaparecido sello discográfico de RTVE, publica un cuádruple CD con la música que el Maestro turolense Antón García Abril compuso para la mítica serie 'El hombre y la tierra', del inolvidable Dr. Félix Rodríguez de la Fuente. Aquella que se abría con la siempre perdurable (y memorable) en nuestros cerebros, sintonía de aires africanos. Emitida por TVE entre 1974 y 1981, el todo en su conjunto, forma ya parte de la historia de la televisión y de la memoria colectiva de muchos españoles que descubrimos la riqueza y la diversidad de la fauna ibérica (también la venezolana, canadiense y norteamericana) de la mano del afán divulgativo, aventurero y la inconfundible voz narradora del mítico Félix Rodríguez de la Fuente, un hombre adelantado a su tiempo en una España tan retrasada culturalmente, fallecido en pleno rodaje en Alaska en marzo de 1980, lo que supuso sin duda un trauma inolvidable en lo corazones de tantos infantes, y no tan niños. Pero ahí sigue, imperecedero al paso de los tiempos, aunque sus discípulos (por suerte) hayan seguido sus pasos y ese país haya mejorado bastante, aunque nunca suficiente en concienciación de desarrollo social, mirando a la naturaleza como base sostenible esencial del bienestar común.
Estamos por tanto ante un verdadero acontecimiento de la música cinematográfica y televisiva española, pero sobre todo ante un monumental y heterogéneo catálogo de música programática que busca una traslación al lenguaje orquestal y sinfónico, a la manera de un vodevil de la naturaleza con algunos arreglos pop, de la fauna, el paisaje y los tiempos, ritmos y flujos biológicos, en el que vendría a ser uno de los trabajos pioneros en el género imitado luego por documentales similares. García Abril nos deleita con ritmos salvajes y sincopados, lirismo en otras veces, siempre dotados de heterodoxa, brillante orquestación y compleja estructura. Una extensísima y memorable música de García Abril para la serie, piezas compuestas al cronómetro y otras de libre disposición a lo largo de los capítulos, según palabras del maestro. 80 cortes, más de 260 minutos de música convenientemente restaurada y remasterizada por Chris Malone bajo supervisión del compositor que es quien orquestó y dirigió toda la extensa producción, con la casi totalidad de los temas recuperados para nuestro disfrute, que acompañaron los 124 episodios de la serie en sus temporadas.
El libreto es ampliamente explicativo de las condiciones de producción y alta estima entre ambos genios. “Félix Rodríguez de la Fuente contagiaba entusiasmo y emoción. Era muy gesticulante. El día de la grabación cuando oyó la música se entusiasmó. Tanto que me robó la partitura. Como hice toda la serie, cada dos o tres semanas, nos reuníamos para hablar. Fueron casi ocho años trabajando con TVE. Entendí que había que tratar musicalmente a los animales como seres humanos. Cada animal tenía su melodía. Fue un aprendizaje enorme".
Lirismo nostálgico para describir las estaciones según los estados de ánimo que cada una de ellas ofrece al ser humano. Scherzos sobre las notas graves del trombón para las imágenes de los juegos de los oseznos. Lobos cazando recupera cierta rítmica ancestral desde el piano para progresar en un crescendo instrumental al que se suman, en genial contrapunto, los distintos colores de la sección de metales para concluir en una furiosa orgía depredadora, con voces corales sombríos como ambiente descriptivo. Hombres a caballo imita el trote propio del western desde el contrabajo como ritmo de base para la guitarra española, ukelele y armónica en la mítica tierra de la fiebre del oro… todo ello y mucho más en un perfecto equilibrio entre la música de vanguardia y la tonalidad más pura, llegando a veces a rozarse. Su reconocible e irrenunciable sello melódico y la herencia del lenguaje postromántico y cinematográfico se funden en un auténtico relato con vida, narrativa y personajes propios que lo han convertido en uno de nuestros compositores vivos más respetados e interpretados en todo el mundo.
Luis Suárez