- 29.09.2018 - Jorge A. Jasso y Victoria Fernández presentan un concierto de homenaje con los grandes éxitos de Luciano Pavarotti - Casal Municipal de Creixell (Tarragona) -

Este homenaje a la gran figura del mítico tenor de Módena, Luciano Pavarotti, se hizo bajo la larga sombra del éxito de una de las más grandes leyendas de la lírica mundial. El programa incluye un poco más de la música que quedó grabado en las cintas de la DECCA londinense, y que abarca los nombres de los usuarios que lo hicieron, las canciones que siguen relumbrando en la historia de la música bajo su voz inconfundible. Jorge Jasso, tenor mexicano (de la bella ciudad de Querétaro) residente de la plantilla del Liceo de Barcelona y poseedor de una técnica depurada bajo el auspicio de un timbre personal embrujador y de largas posibilidades expresivas de un brillo pulido. Todo ello apunta a un recital de categoría elevada, sobre todo si la sonoridad de la sala acompaña. A su vez la interpretación perfecta de Victoria Fernández deja una magia atmosférica que ha sido capaz de compensar cualquier inconveniente, si lo hubiera habido.

Jasso no puede ser tan atrevido en las alturas octavas como el genio de Módena, porque su timbre se puede comparar con otro de los tres tenores, como José Carreras. Más por otro lado, se muestra como un admirador de Pavarotti en coloratura y expresividad, simplemente soberbias, cantando sus solos con carácter, sentimiento y fervor operístico. Su sentimiento interpretativo está dotado de una tierna, sincera y deslumbrante, pronunciación efectiva y realista, sobre todo en la textura dramática italiana, atmosférica, suntuosa y clara. En las propinas la calidad bajó un tanto, sobre todo debido al fervor del público contagiado por la efectividad de las interpretaciones. Los aplausos aclamados lo dicen todo.
Luis Suárez

Hikari X Feria de cultura japonesa, Reus – Centre de Lectura - Avec Plaisir Trío: Núria S. Leiva (piano), Yayoi Kagoshima (violín) y Kimiyo Nakako (mezzo-soprano) – Música Japonesa

Adorable, se podría denominar este recital de música tonal japonesa, de melodías poéticas descriptivas, e interpretadas de una manera sutil y con gran musicalidad por las tres ejecutantes. Autores como Migayi, Hisaishi, Kimura, Fukui, Taki y Takemitsu, coparon junto a armonías arregladas de temas tradicionales una delicada selección de alta calidad meditativa. Puede que para algún tipo del público asistente le resultase algo inusual para para nuestros oídos occidentales, pero muestra la increíble creatividad musical de los japoneses, una cultura realmente atractiva y valiosa para el desarrollo de la humanidad. El timbre musical exquisito de las tres intérpretes, las texturas de los instrumentos individuales en el puntaje delicioso de K. Nakako, hacen de los detalles de la interpretación singularmente atrayentes al público. Igualmente de importante, la música, completamente expuesta y no enmascarada por ningún efecto de sonido o diálogo, se mantiene excepcionalmente bien en la sala de cámara. Realmente atractivo, como un punto individual fue la música para el celuloide de Toru Takemitsu. El universal compositor nipón pudo trabajar en una amplia variedad de estilos que muchos conocemos: arreglos pop, música electrónica, melodías corales modernas, su propia vanguardia y escritura orquestal poética…, y siempre produjo composiciones notables y bien elaboradas, incluidas melodías tradicionales o de salón, como la atractiva “Canción de círculos y cuadrados” con sonidos aislados y melodías similares a Kurt Weill y Bertolt Brecht

Luis Suárez

Enqique Granados, Oltra, Blancafort, Morera, Paul Casals

"Canción de las estrellas"

Disco sublime de una gran obra desconocida, hasta hace poco de Granados, con otras joyas del mismo autor y contemporáneos suyos, de color coral, en una sobria grabación de Douglas Riva

Cant de les estrelles ("Canto de las estrellas") es una obra maestra, una de las mejores composiciones de Granados.

Se componía en el estilo romántico-modernista, con armonías post-wagnerianas y sin rastros de nacionalismo español. Comparable a un concierto de piano del virtuoso con el coro y órgano en vez de una orquesta. El texto catalán no atribuido de Granados no es un traducción de ningún poema específico de Heine. Más bien, el texto es una especie de respuesta a los poemas de Heine que trata del amor y las estrellas, pero, en este caso, escritas desde el punto de vista de las estrellas mismas. Granados no sabía alemán y tenía que leer la poesía de Heine en la traducción, la vez en la traducción catalana de su colega Apeles Mestres.

El manuscrito permaneció en el archivo familiar después de la muerte de Granados en 1916, y nada se hizo con él durante más de veinte años. Luego, en 1938, uno de los hijos de Granados, Víctor, tomó la pieza de piano y varios otros manuscritos de su padre en Nueva York, donde fue promocionado por la prensa estadounidense como "representante oficial del régimen leal en España" que había llegado A los Estados Unidos para organizar apoyo entre simpatizantes leales

Riva fue capaz de negociar la compra de todos estos manuscritos de la familia Shilkret, y fueron publicados. Por fin tenemos la oportunidad de disfrutar de esta música "celestial" de la madurez de Granados.

El disco se completa con otras obras corales, tanto de inspiración secular como profana. "Salve Regina" y "Escena religiosa" del mismo Granados.

El famoso violoncelista Pau Casals también compuso un pequeño cuerpo de música muy hermosa, incluyendo las obras corales profundamente espirituales en este disco. "El ruiseñor" de Morera y "La Canción de Amor" de Blancafort es evocadora de sus textos catalanes, mientras que el "Eco" de Manuel Oltra y "Preludio" explora temas de memoria y esperanza a través de imágenes de la naturaleza.

Luis Suárez

DEBUSSY. PIANO WORKS Vol. 1 y 2. IMAGES. NOCTURNE. VALS ROMANTIQUE. LA PLUS QUE LENTE. BERCEUSE HEROIQUE. DANSE. COMPLETE PRELUDES. ESTAMPES. IMAGES OUBLIÉES. BALLADE… Claudio Constantini, piano. IBS CLASSICAL · 72014 · 22018 · DDD · 69’S · 116’s · *****RS

Teniendo metas que casi podríamos considerar como quiméricas, como las de K. Zimmermann o A. Benedetti Michelangeli, difíciles son las comparaciones en este terreno. Pero este un caso excepcional. Ya desde su primer trabajo de la integral para piano de Debussy, el pianista peruano nos marca una línea interpretativa al mas alto nivel. Con un ritmo de lo más adecuado, sin pasarse en ningún momento de frenada, se adentra de forma magistral en toda la sensibilidad poética del francés y su delicado uso de los matices del teclado de una manera efectista y coherente, adentrándonos de lleno y poco a poco en la niebla de un piano rico en colores y posibilidades expresivas, aprovechando todos sus recursos tímbricos y resaltando cada acento mágicamente. La magia de su interpretación radica en su ataque precisamente calibrado, su tono brillante y sus equilibrios matizados. Enfatiza las posibilidades melódicas de cada pieza encontrando una línea cálida y lírica incluso en las más desconcertantes y emocionalmente evasivas. Resaltar asimismo un delicado fraseo, sentido de ritmo, sonoridad y control de pedal. Generosamente lleno de obras apropiadas tanto de comienzos como de finales del período compositivo del genio francés, reúne favoritos sentimentales y trabajos casi desconocidos, salvo por los más allegados a su música. Quizás sorprendentemente para aquellos que encuentren un equilibrio sonoro entre las brillantemente austeras “Imágenes” del Vol. 1 y sus “Préludes” tremendamente virtuosos del vol. 2., su vals “La plus que lente” equilibra la ironía seca y la emoción profunda… Constantini está totalmente bajo la piel de la música de Debussy y, como suele ser habitual, el sonido de piano de IBS refuerza el resultado; es rico y resonante, con muchos detalles y presencia asombrosa para degustar bajo una delicada presentación tan exquisitos platos. Los delicados lienzos musicales a lo Claude Monet o William Turner van fluyendo del teclado como meros versos de Baudelaire. Las distintas y delicadas atmósferas melódicas nos invaden de lleno en un registro poético sublime de difuminación de las líneas y el velo de las texturas del silencio.

Luis Suárez 

Hommagge Debussy – Azumi Nishizawa, piano. Obras de Debussy, Falla, Granados, Albéniz – IBS CLASSICAL 132018 – DDD – 76’ - ****S

Una vez más la discográfica IBS quiere dar su toque de arena al centenario del fallecimiento del genial Claude Debussy y recurre a su faceta más aclamada, que no la única, el piano. Al contrario que con Claudio Constantini, que nos ofrece una más que interesante integral de la producción del impresionista francés, aquí Nishizawa nos pasea por una gratificante selección de piezas antológicas de entre la abundante poesía debussyana. Sin seguir un orden que se antoje claro en cuanto a propósitos conceptuales o cronológicos, sigue el rumbo por una serie de miniaturas maestras que a todos nos vienen a la mente al instante. Más si una característica se destaca en el álbum es la delicadeza asegurada de su toque, que es evidente en cada una de las piezas. Siempre hay una forma firme en sus líneas, nitidez en sus timbres, y una base rítmica estable en la música, y Nishizawa es capaz de una amplia gama de colores que nos transportan a ese París mágico lleno de actividad artística en amplios abanicos de tonos y contrastes. Lejos aún de grandes como Michelangeli, Pascal Roge o Zimmerman, lo cual es una cima lejana, aunque nunca se pueda decir imposible, Nishizawa se esmera con gran cuidado y precisión en la producción de tonos distintos y frases musicales bien convertidas, y su forma de tocar es la de una conocedora musical que tiene verdaderas inquietudes estéticas. Su afecto por la música de Debussy es evidente, como en muchos de nosotros/as, y así se ve reflejado en la cuidadosa selección de autores ibéricos de mutuo influjo con el protagonista. París fue un foco de atención para la música en la época en le tocó vivir a Debussy. Más los compositores – pianistas incluidos también dejaron su impronta sobre el francés, como se puede ver en alguna de las piezas elegidas. Granada siempre está presente en ambas orillas, como no podía ser menos con dicha ciudad embrujadora. En las selecciones hispanas, sin embargo, los sentimientos genuinos de Nishizawa nunca se interponen en su evaluación objetiva de lo que suena bello o esencial, por lo que su ejecución está bien equilibrada con sus expresiones. El sonido de IBS es limpio, cercano y claro, por lo que el refinamiento y el pulido del sonido se presenta con resonancia y claridad naturales, dejando un gran sabor de boca, como si de un recital íntimo camerístico se tratara, bajo un tranquilo y silencioso claro de luna sobre el imán atrayente de la Alhambra.

Luis Suárez

11/09/2018 – Festival de Música Antígua de Poblet, Tarragona

François Couperin: “Les Nations” (1726) – Jordi Savall con Le Concert des Nations

“Les Nations” es una colección de obras de cámara publicada por François Couperin (1668/ 1733) en 1726. Dando a destacar las espléndidas y extensas notas al programa, realizadas por el propio Savall, el público bien se da por informado de la obra con todo lujo de detalles y preparados/as para disfrutar de tan extensa y rica obra. Publicado en cuatro libros separados, estaba destinado "para el uso de academias de música y conciertos", según su título. Contiene cuatro trabajos extendidos que presentan movimientos en la forma francesa o italiana, lo que da como resultado piezas híbridas que abarcan ambos estilos, entonces opuestos. Aunque estas obras casi seguramente estaban destinadas a dos violines y continuo (clavecín y viola baja), Couperin no dejó ninguna precisión instrucciones en cuanto a la instrumentación. Al igual que muchos trabajos de cámara de la época, también son adecuados para oboes o flautas, o combinaciones con viola da gamba, clave, violín, fagot, flauta y oboe, como se dio el caso.

¿Qué es lo que hace que esta actuación, y ya grabación a punto de salir al mercado, de “Le Concert des Nations” llegue a resultar tan especial tan especial? En breves conceptos, estudio pormenorizado de la obra y sus antecedentes, perfecta conjunción y brillantez interpretativa. El conjunto aquí ejecutor, formado por Jordi Savall (viola da gamba), Marc Hantai (flauta), Patrick Beaugiraud (oboe), Josep Borràs (fagot), Manfredo Kraemer y David Plantier (violines) y Xavier Díaz-Latorre (Tiorba y guitarra barroca), y  Marco Vitale (clave) tocan juntos con una combinación de afecto, tesón, aprecio y amor incondicional que hace que el conjunto no sea uno cualquiera. Cada intérprete es un maestro de su instrumento, y entienden la música barroca con una combinación de intelecto, emoción y musicalidad que pocos ejecutantes de instrumentos de época pueden igualar. Además, cada uno tiene su propio tono y personalidad; interpretan las cuatro siempre atractivas sontas/ suites de Couperin con ingenio, alma y estilo, y en un conjunto más compacto y libre que cualquier otro. Todo ello con un fuerte sentido del ritmo y un sonido conciso bajo una gran acústica y amplificadores (para llegar a la gran demanda de público asistente) perfectamente estructurados. Esta ha sido sin duda una actuación realmente emocionante que ha ganado muchos seguidores entre los presentes y el resto de las giras pasadas y futuras.

Luis Suárez

María Ribera – Emili Pujol Guitar Works

Guitarras de Luthier www.casaluthier.com

Tanto cualquier guitarrista, tanto profesional como amateur, melómano o musicólogo debe de conocer la figura de Emili Pujol. Virtuoso de guitarra clásica, laúd, vihuela o guitarra barroca, pedagogo y eventual (quizás no todo lo fecundo que se hubiera deseado) compositor de deliciosas miniaturas, como tantos otros de su gremio, tales como Tárrega, Segovia o Llobet, entre otros. Las piezas de Pujol son una parte integral de la historia de la guitarra y por algunos intérpretes difamadas. Siempre ha estado presente en el repertorio y en grabaciones ya históricas como Yepes o Manuel Barrueco, por citar ejemplos. Actualmente hay en el mercado antologías como las estimables de J. A. Chic, David Russell (en “Spanish Legends”), Marcotulli o la que ahora me hace escribir esta reseña, María Ribera. Verdadero entusiasmo fue el por ella demostrado al presentarnos su tesis de fin de carrera sobre su ilustre paisano. En ella anima a cada guitarrista a mirar su “Método / Escuela”, de largo recorrido que enseña arte y abre la puerta a la música notable. Pujol dedicó la mayor parte de su vida a desarrollar los postulados pedagógicos y artísticos de su maestro Francisco Tárrega en su obra "School Reasoned Guitar". Paralelo a este trabajo es su trabajo como editor. Entre 1925 y 1975, transcribió, arregló o digitalizó alrededor de 270 obras que abarcan cinco siglos en la historia de la guitarra, la vihuela y el laúd.

María Ribera Gibal ve cumplido su sueño en términos globales. El disco mantiene toda la viveza artística de manera fiel a las tesis de Pujol. La figura de Felipe Pedrell (1841-1922) es evidente, como en tantos otros compositores de la época pupilos suyos. Pujol aboga por el desarrollo de una música nacionalista llena de clichés virtuosísticos que Ribera sortea de manera sutil y certera. Este atractivo disco contiene un recorrido por una amplia gama de estilos reconocibles del folklórico abanico peninsular, todo ello realizado con gracia y fluidez interpretativa. Escuchar a Ribera es una experiencia particularmente gratificante, ya que su interpretación en solitario  experimenta plenamente la elegancia, la melancolía suave y la majestuosidad arcaica de la diversidad compositiva de maestro. El virtuosismo se funde a su vez con un lirismo expansivo y al sutil exotismo de un viajero incansable como fue el genio leridano.

Luis Suárez