domingo, 29 de noviembre de 2020


 

DOMENICO SCARLATTI. “Sonatas”. Alberto Urroz, piano.

Ibs Classical 242018 · 73' · DDD

Ibs Classical * * * * * S

 Nos encontramos ante una selección de sonatas de Domenico Scarlatti, contemporáneo de Bach e innovador, cuyas composiciones influyeron en el desarrollo de la forma clásica. Algunas de estas selecciones son bien conocidas, como la “Sonata en Do mayor, K.30” (Fuga del Gato), la “Sonata en Re mayor, K.96”, o la “Sonata en Mi mayor, K.380” entre otras, que a menudo están antologizadas, aunque el propósito de Urroz no ha sido empaquetar este disco con los mayores éxitos. Con 555 sonatas para elegir, hay muchas menos familiares que merecen atención. La lectura de las mismas está expresamente pensada, pulida en tono y rítmicamente precisa con un mínimo de rubato, atenta a las sutilezas que hacen que esta música sea tan seductora. La acústica de grabación es ideal para su estilo. Por supuesto, los puristas pueden insistir en solo las actuaciones de estas piezas de clave, pero para las versiones de piano convincentes, este CD es altamente recomendado. Enfatiza los ritmos ibéricos que se encuentran en varias sonatas de Scarlatti, y transmite un sentido de cómo debió de haber sido el músico napolitano como un virtuoso del teclado. El programa está bien organizado, con algunas piezas “sencillas” y límpidas como la “Sonata del teclado en Re menor, K.213”, colocadas artísticamente como intermezzi entre las lecturas dramáticas, o intercalar piezas puramente ibéricas entre otras más napolitanas y/o portuguesas. La calidad del legado dejado ofrece éstas y muchas otras alternativas.

Luis Suárez


Soleriana. Joaquín Rodrigo Chamber Orchestra Works. Orquesta de la Comunidad Valenciana Palau de les Arts Reina Sofía. Joan Enric Lluna, director. IBS CLASSICAL · 82020 · 52’ · DDD · **** S

Más que interesante grabación de la no muy programada música para orquesta de cámara del Maestro Joaquín Rodrigo, basado en el concierto ofrecido por los mismos intérpretes en abril de 1999, a modo de homenaje. Nos encontramos con el estilo neoclasicista del genio de Sagunto, con un ritmo y la textura de la música española y tradicionalmente tonal. Rodrigo siempre se manifestó como un estudioso de la música clásica española del siglo XVIII, compositor accesible a todos los públicos y, si poco experimentador a las tendencias contemporáneas. Bajo el paraguas de su estilo propio y fácilmente reconocible, las obras aquí expuestas son similares en concepción a sus composiciones más famosas. Pocas personas consideran a Rodrigo como un compositor de una sola obra por más tiempo, pero él sigue siendo desproporcionadamente representado injustamente por un puñado de obras. Aquí tenemos claros ejemplos de joyas a destacar en su repertorio.  En todas ellas la música de Rodrigo ayuda a que las imágenes fluyan con enorme profusión. Aquí está presente todo lo que los oyentes disfrutan de su música: las melodías suavemente melancólicas, el color español, el sabor ocasional de las armonías de "notas equivocadas" y el evidente disfrute de la vida del compositor.

“Soleriana” es una Suite de bella orquestación y basada en las “Sonatas” para teclado de Antonio Soler, más conocido como Padre Soler, músico catalán y máximo exponente del Clasicismo en España, que residió y concibió gran parte de su corpus en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. La única pega es haberse saltado los tres últimos movimientos de la obra, que deja huérfana a la partitura y corta la duración global del disco. Completan el programa “Tres Viejos aires de Danza”, “Dos Miniaturas Andaluzas” y Zarabanda Lejana y Villancico”.  Pertenecen al estilo «neoclásico moderno» característico de algunas de las obras de Rodrigo: durante el flujo “normal” de la partitura, la orquestación comienza de repente a deslizarse, llevando con él al tono y al ritmo, pero siempre en beneficio de la expresión, y todo se llena de ironía soleriana y melancolía de la música antígua. Esto es particularmente agudo en todas ellas, donde la formación orquestal utilizada por Rodrigo se reduce y crea un diálogo permanente entre sus miembros. La segunda parte del programa está dotada de magníficas melodías impregnadas de nostalgia típica de Rodrigo. Las transcripciones, sobre la guitarra y piano original, se dejan notar en la “Pastoral” y “Zarabanda Lejana”, llegando a redescubrir una nueva sonoridad tímbrica en la cuerda de gran belleza.

Aquí se muestra un buen trabajo de Lluna y la Orquesta de la Comunidad Valenciana que adoptan un enfoque estudiado a conciencia en toda su extensión, discreto y a su vez colorido y sensible. La segunda parte de producción de Rodrigo para este tipo de formación queda en el aire, por ahora.

Luis Suárez

Frederic Mompou. Impressions Íntimes. Bernat Padrosa, guitarra. La Mà de Guido · 2162 · DDD · ****SP

La música del compositor y pianista catalán Frederic Mompou (1893-1987) no fue interpretada a menudo por él mismo durante su vida, en parte debido a su disgusto por el proceso de autopromoción y en parte debido a la extrema moderación de la música en una era de individualismo desenfrenado. Fue el establecimiento del minimalismo como una empresa en marcha lo que ayudó a llevar su música a los programas de conciertos: las piezas cortas de Mompou son mínimas en el mejor sentido de la palabra. Mompou estudió y residió en Francia, absorviendo las lecciones de Debussy; Su tratamiento de la armonía evita la dirección del objetivo y crea finos tonos de color. Pero su lenguaje es reducido en comparación con Debussy's, y casi siempre sus obras tienen títulos abstractos (como indicaciones de tempo) - Debussy sin el impresionismo, se podría decir. Mompou también fue influenciado por la música folclórica catalana y gallega, no citando melodías, pero a menudo comenzando piezas con melodías simples de contenido característico y luego pasando a un material que ofrecía contrastes muy sutiles con la música de apertura. Desgraciadamente para nosotros, escribió una modesta cantidad de música de piano, algunas canciones, un ballet, un oratorio y muy pocas otras obras para guitarra y música de cámara. Aquí Bernat Padrosa nos ofrece su valiosa producción guitarrística

Las primeras “Impresiones Intimas” (1911/2), publicadas antes de la Primera Guerra Mundial, tienen formas tonales más convencionales pero ofrecen fuertes indicios de Mompou: la extrema concisión y simplicidad. Originalmente compuestas para piano, aquí Padrosa nos ofrece una más que estimable transcripción propia, mostrándose como una intéprete preciso y moderado sin ser cerebral, llevando a puerto la labor admirablemente. Esta es una excelente introducción a un compositor fascinante cuya reputación está en aumento. Dos ejemplos de sus “Cançòs i Dansas”, los números 10 y 13, únicos ejemplos guitarrísticos de las mismas con un margen de 20 años entre que fueron concebidas (1953/73), son un claro ejemplo del estudio y metamorfosis folklórico popular del que tanto bebió Mompou, haciéndose célebres (entre su producción) por la gran difusión de grandes intérpretes en vida del compositor. Sirven como transición hacia la gran obra cumbre para el instrumento de seis cuerdas.

Dedicada al legendario Andrés Segovia, esta colorida “Suite Compostelana” (1962) de seis movimientos incorpora sonidos y modos tradicionales de guitarra española, así como una sensibilidad armónica del siglo XX. La tradición musical y legado histórico de la ciudad de Santiago, donde impartía cursos de verano, son la influencia de inspiración. El "Preludio" se abre con una figura de selección de guitarra giratoria tradicional con las notas de la melodía en la línea inferior alternando con un tono repetido de pedal invertido en el registro superior. La hermosa escala modal establece un ambiente extraño, antiguo y romántico. Finalmente, este patrón alcanza la octava más baja y altamente resonante. Siguen algunos acordes modales modernos y ricos (construidos en cuartos). Cuando los patrones de rodadura comienzan de nuevo, la escala modal ha sido reemplazada por cromáticas misteriosas de naturaleza disyuntiva y constantemente errante. Sin embargo, los patrones pronto encuentran su antigua evocativa expresada a través de una escala modal en la clave subdominante en la que concluye la pieza. "Coral" desarrolla sus armonías sombrías y conmovedoras a un ritmo lento de Lento. La música da la impresión de acordes contemporáneos principalmente al acentuar los tonos no armónicos en los recuentos principales y resolverlos en tríadas estándar en los ritmos más suaves, aunque hay lugares donde se destacan novenos menores no resueltos. El estado de ánimo es íntimo, reflexivo, triste, pero lírico. El tema principal tierno y dulce de la "Cuna" fluye suavemente en conjuntos de dos notas en un intervalo cercano entre sí, acompañado de un simple arpegio en el primer tiempo. La sección central tiene un sentimiento cantabile como un coral atenuado, un momento reflexivo. El tema inicial y el movimiento vuelven a la cadencia en un acorde mayor simple. El "Recitativo" crea una atmósfera extraña, difícil de atribuir a una emoción específica. El empleo del modo Locriano raramente utilizado (que contiene el tritono "prohibido" como uno de sus intervalos principales) con acordes disonantes intercalados tiene algo que ver con este estado inestable. También hay algunas medidas que suenan como una canción infantil burlona. Sin embargo, este movimiento en un tempo "Lento molto espressivo e cantabile" tiene una cualidad inquietante. El tema de la "Canción" es un vals melancólico en La menor que se desarrolla en el modo menor puro hasta encontrar sutiles modificaciones cromáticas que expresan una pasión contenida. El puente del medio también contiene movimiento ondulante que se resuelve brevemente en un nuevo modo (Dorian en lugar de Aeolian), pero el tema inicial se recapitula por completo al final. La "Muñeira" final es interpretada en un tempo Allegro con moto con una sensación de baile de 6/8 y un acento saltador en el quinto ritmo que parece dar un ligero tirón artificial al movimiento de la muñeca. La melodía se reproduce sobre acordes de puntos de pedal y líneas descendentes en la voz media. En la sección central, los intervalos disonantes de la variedad "ho-ho" agregan una característica cómica y ligeramente grotesca a la imagen antes de que las cosas se arreglen nuevamente y el tema principal vuelve con armonías mayores más completas y una bravura que termina con pesante, fortissimo "rasgueado".

Padrosa es claramente un guitarrista talentoso con una técnica prodigiosa, un tono opulento y una maravillosa sensibilidad intepretativa. Es difícil imaginar estas piezas mejor interpretadas impregnándose del alma poética de Mompou. Todo ello con un sonido claro y fuerte, con todo tipo de detalles técnicos y expresivos, como se merece este tipo de repertorio intimista.

Luis Suárez

 


 

Fin du Temps. Messien. Takemitsu. José Luis Estellés, clarinete. Aitzol Iturriagagoitia, violín. David Apellániz, violonchelo. Alberto Rosado, piano. IBS CLASSICAL · 72020 · 61’ · DDD · ****S

Esta obra es una de las composiciones de música de cámara más importantes y famosas del siglo XX. A principios de sus treinta años, Messiaen ya era conocido como uno de los compositores y organistas franceses jóvenes más brillantes e individuales. Fue en Verdun que su unidad del ejército fue capturada durante el avance relámpago del ejército alemán en 1940. Dos miembros de la compañía de Messiaen también eran músicos: el violonchelista Etienne Pasquier y el clarinetista Henri Akoka. Como este último tenía su clarinete, Messiaen escribió una pieza para él, que se convirtió en el tercer movimiento de este cuarteto. Los soldados fueron trasladados a Stalag VIII-A a las afueras de Görlitz, Silesia. Pasquier fue asignado como cocinero, lo que le permitió mantenerse bien alimentado y pasar de contrabando alimentos adicionales a Messiaen. Messiaen conoció a otro músico, Jean Le Boulaire, un violinista que también tenía su instrumento. Pasquier acumuló el dinero que obtuvo vendiendo patatas adicionales y se le permitió comprar un chelo de un fabricante local de instrumentos. Messiaen escribió un trío para ellos, que se convirtió en el cuarto movimiento. Messiaen descubrió un piano en la esquina de una choza utilizada como iglesia. Rápidamente escribió el cuarteto y los cuatro músicos lo estrenaron el 15 de enero de 1941, ante una audiencia de varios miles de prisioneros y el campamento Kommandant y su personal. "Nunca me escucharon con tanta atención y comprensión", Messiaen escribió. Las teclas del piano eran pegajosas, y los músicos tuvieron que superar el frío, pero Pasquier dice que no es cierto, como recordó el compositor, que solo tenía tres cuerdas en su violonchelo, y agregó que simplemente no puede ser tocó en menos de los cuatro estándar. El cuarteto significaba libertad para los intépretes. A partir de entonces, los alemanes los enumeraron como músicos-soldados. La burocracia de la Wehrmacht tomó esto como que significaban miembros de la banda no combatientes y los devolvió a Francia.

Esta es una interpretación trascendental de la obra maestra del cuarteto de Messiaen. El singular mundo sonoro del francés es exquisitamente capturado por el trío errante con la adición de los tonos lisos de clarinete y cómo deja que la línea melódica se desplace hacia la existencia sin ninguna interferencia “super-musical”. Esto es cierto para todo el rendimiento y, en ese sentido tienden a proyectar más individualmente lo que saca del mundo al que Messiaen nos lleva. El misterio no es misterio si se presenta en una luz demasiado brillante y esta obra sublimamente no forzada, más que ninguna otra, parece permitir que la música hable por sí misma de una manera más natural que, irónicamente, proyecta imágenes de otro mundo y a menudo desoladas de Messiaen con mayor intensidad. Técnicamente la grabación es ideal en equilibrio, acústica y tono.

Luis Suárez


 

Ernest Chausson. Concerto op.21. Chanson Perpetuelle op.37. Simon Gollo, violín. John Novacek, piano. Mariola Cantanero, soprano. IBS CLASSICAL · 62020 · 50’ · DDD · ****

Se podría etiquetar a Ernest Chausson como el descriptor mortal "de la transición" entre el romanticismo francés y Debussy. Sin embargo, su música es completamente distintiva e involucra el pensamiento estructural de su maestro, César Franck y la armonía cromática de Wagner, y una cualidad interna muy francesa que es completamente suya. El resultado final es un estilo que parece esperar las cualidades psicológicas de la música de Debussy. Una obra maestra que marca su papel logrado en la historia de la música, “Concerto op.21” es mostrado aquí con un Simon Gollo y John Novaceck en plena forma, recibiendo un fuerte apoyo del cuarteto de cuerda formado por Benjamin Sung, Inrid Gerling, Randolph Kelly y Maki Kubota. Una inusual orquesta de cuerda comprimida que se incorpora a la forma de sonata cíclica de Franck en un discurso intenso antes de retirarse a una hermosa serenidad al final. Todo ello bellamente grabado, donde se inclinan hacia los tempos, empujan con fuerza en los clímax, retroceden en los movimientos lentos y avanzan rápidamente en los movimientos rápidos. Tanto aquí como en la “Chanson Perpétuele op.37”, las texturas pueden parecer demasiado gruesas, esa es la influencia inevitable de Franck. Si a veces los ritmos son demasiado pesados, esa es la influencia inevitable de Wagner. Y si la mayoría de las veces las actuaciones apasionadas pueden mostrar un poeta emocionalmente inmaduro, ese es el resultado ineludible de que el compositor haya muerto prematuramente, a los 44 años.

Luis Suárez


 

Cello Concertos. Asier Polo. Orquesta Barroca de Sevilla. Andrés Gabetta. Vivaldi. Boccherini. Haydn. IBS CLASSICAL · 52020 · DDD · 63’ · *****

Asier Polo se muestra de nuevo como un intérprete de grandes cualidades en musicalidad y virtuosismo con estas estupendas versiones de obras concertantes de Vivaldi, Boccherini y Haydn, bellamente acompañado por Orquesta Barroca de Sevilla bajo la dirección de Andrés Gabotta, quien transforma las partituras orquestales en un tapiz sonoro rico y matizado. Polo toca el “Concierto para violonchelo en do mayor” (compuesto a principios de la década de 1760) con brío, encanto y ligereza, tacto, y un impecable sentido del estilo. Como vehículo perfecto para la destreza técnica de un violonchelista, Polo no descuida la musicalidad en sí, como algunos que lo han interpretado como un Haydn tardío, descuidada y anacrónicamente, introduciendo el pathos romántico temprano en esta joya rococó. En Boccherini, de nuevo Polo impone su inmenso virtuosismo dedicando sus energías a revelar la belleza excepcional de este trabajo magistralmente elaborado. Vivaldi, acompañado en el RV401 por Mercedes Ruiz, se beneficia enormemente de la asombrosa capacidad del intérprete para capturar el movimiento interno y el espíritu auténtico de la música, con gusto y excelente consumada musicalidad. El toque de Gabetta muestra un sentido de cooperación, lo que hace que esta música suene como los conciertos de la época, con un sonido fresco y claro, pero profundo y lleno. Cualquier persona interesada en los instrumentos y la práctica de interpretación de época querrá escuchar estas grabaciones.

Luis Suárez