sábado, 26 de noviembre de 2022


 

Crusell, Bernhard. Clarinet Quartets. Carlos Casanova, clarinete. Valencia String Quartet.

IMM KLASSIK · DDD · *****

El compositor sueco-finlandés Bernhard Henrik Crusell, activo a principios del siglo XIX, ha recibido varias grabaciones después de décadas de oscuridad casi total. Revelan a un compositor que hizo algo original del lenguaje del clasicismo vienés tardío, vinculando los movimientos de sonata en expansión de Hummel, una influencia mesurada de Beethoven y toques de drama romántico (Crusell se ganaba la vida como músico de ópera) en estructuras de movimiento compactas. Los cuartetos de clarinete en este disco lo muestran en su mejor momento, con el clarinete en relieve de formas distintivas, pero sin pretensiones. Considere la primera pista, donde la introducción del adagio se toca solo con las cuerdas; entra el clarinete con el tema principal del allegro. Bastante simple, pero también inusual, y genera un impulso que Crusell maneja de manera experta a lo largo del movimiento bastante largo. El cuarteto n° 2 en do menor, op.4, es otra joya, un poco ortodoxo, con dos movimientos en Do menor estrechamente enrollados que rodean a los centrales más silenciosos, principalmente en Mi bemol; la “Pastorale”, es una hermosa pieza de calma que cualquier grupo de cámara podría aprender y reservar para un bis misterioso. El clarinetista valenciano Carlos Casanova y los músicos que lo acompañan del Valencia String Quartet, primeros músicos españoles (posiblemente) en abordar estas obras, son técnicamente impecables y hacen ni más ni menos música de la que realmente hay. El sonido digital es cálido, agradable y claro, ofreciendo una hora de música de cámara bien elaborada que cualquier oyente disfrutará, tanto por la calidad de la interpretación en sí como por el descubrimiento de estas joyas, injustamente dejadas, por muchos años, en el baúl de las partituras olvidadas.

Luis Suárez

miércoles, 9 de noviembre de 2022


 

Baroque and modern violín. Varios autores. Anna Urpina, violín. Eva Del Campo, clave. Alberto Rosado, piano.

IBS CLASSICAL 112022 · DDD · 53’ · ****

Nos encontramos ante un proyecto personal de la joven violinista catalana, Anna Urpina. De los programas de mano y las salas de concierto a plasmarlo en cd; así se podría definir un sueño hecho realidad. Un contraste entre los inicios de la forma clásica de la sonata y el incipiente despegue del violín como un instrumento de referencia, en los inicios del Barroco, hasta los “experimentos” compositivos del Siglo XX y XXI. Desde las “Sonatas” de Biber y Darío Castello, pasando por la forma libre de las “Fantasías” de Telemann y las “Variaciones sobre la Folia” de Corelli, intercalando el dodecafonismo de Webern, José Luis Turina, hasta la incipiente producción de Josep María Guix, finalizando con el más que célebre “Spiegel Im Spiegel” de Pärt. En definitiva, ell disco presenta piezas de cámara que abarcan la primera y la reciente época de la producción para el instrumento y contiene parte de la música más pionera hasta sonido experimental de vanguardia. Las obras barrocas son tempestuosas y brillantes e interpretadas con un sentido de lectura brillante y expresiva, así como fáciles de reconciliar con su época, pero también rebosan de una sensación de emoción y frescura. Los materiales de instrucción sobrevivientes de la época dejan claro que el violinista debe improvisar una gran cantidad de ornamentación, y aquí Urpina y Del Campo globalmente los solventan con éxito. Estas interpretaciones son claramente persuasivas. Ponen el foco directamente en el violín, que es donde pertenece en la música altamente solista que estaba destinada a probar los talentos del intérprete en el acto. Ambas parecen subir y bajar juntas en intensidad, produciendo la atmósfera de misterio que fue parte integrante de la imagen del violín durante mucho tiempo.

El atrevimiento de intercalar música barroca con la de Anton Webern puede a algunos oyentes resultar raro pero acertado. La intención es percibir de primera mano la evolución compositiva. La música escogida para tal efecto era nueva entonces, por lo que la mayor parte nunca se había grabado antes. Aunque estas obras, como el caso del dodecafonismo, todavía suena un poco angular, eso puede ser una inclinación interpretativa más que una técnica todo defecto. Lo más importante es que estas actuaciones son tremendamente musicales, suenan ligeras, a veces líricas, ingeniosas, expresivas… Y la mayor parte de estas obras están apasionadamente controladas, profundamente emocional y profundamente espiritual, como en el caso de Guix y Pärt. Todo ello bajo un sonido claro y nítido que ayuda a vislumbrar todas las posibilidades tímbricas y expresivas del cada instrumento.

Luis Suárez

domingo, 6 de noviembre de 2022


 

Silvestrov, Valentín. Réquiem por Larissa. Priska Eser Sopran, soprano. Jutta Neumann, contralto.  Andreas Hirtreiter, tenor. Wolfgang Klose, bajo. Michael Mantaj, bajo. Chor des Bayerischen Rundfunks. Münchner Rundfunkorchester. Andres Mustonen Dirigent, conductor.

BR KLASSIK · DDD · 60‘ · ****

El compositor ucraniano, Valentin Silvestrov compuso “Réquiem por Larissa” entre 1997 y 1999 en memoria de su esposa, la musicóloga Larissa Bondarenko, fallecida en 1996. Es una obra grande e incesantemente sombría, escrita para coro y orquesta. Comprensiblemente, este Réquiem es hasta cierto punto reflexivo, incorporando temas musicales extraídos de obras más antiguas que tenían un significado especial para la pareja. Si bien aquí se evidencian los tempos típicamente glaciales de Silvestrov, parte de la mitad inicial de la pieza tiene un puntiagudo ángulo que recuerda las técnicas en serie sin involucrarse activamente en ellas. Instrumentalmente, la partitura es oscura, atmosférica e incluso un poco cinematográfico; las partes corales son escasas y mínimamente aplicadas. En Largo, el cuarto movimiento, las voces toman el relevo y se asientan en una textura etérea que suaviza un poco la penumbra, y algunos oyentes, después de llegar a la mitad de la obra ya se habrán desconectado debido a la tenacidad de la sección de apertura. “Réquiem por Larissa” es una pieza intensamente personal interpretada con respeto y cuidado por el coro y la orquesta. A pesar de lo agradables que son el compositor y la interpretación, es difícil ignorar la aparente impresión de que hay algo distante en la música. Definitivamente debería ser escuchado por aquellos que ya están en contacto con la música de Silvestrov; para otros que vienen a Silvestrov por primera vez y ésta, dados los acontecimientos actuales en la patria de Silvestrov y Larissa podría ser una excelente opción.

Luis Suárez

miércoles, 2 de noviembre de 2022


 

Amoroso. Nicole Peña Comas, violonchelo. Damien Lancelle, guitarra. Varios autores.

ARS PRODUKTION 38579 · DDD · 61’ ·*****

De nuevo la violonchelista, Peña Comas, nos presenta otra deliciosa colección de obras para violoncello y piano, en el segundo caso transcritas para guitarra por Damien Lacelle (pareja sentimental de la solista) en gran parte con autores desconocidos, virtuosos europeos compartiendo su experiencia musical, combinados por miniaturas de grandes nombres de la composición, como Schumann, Elgar, Saint-Saëns… El resultado es altamente satisfactorio, entre una mezcla de música clásica tradicional con la de salón y tradicional, englobando el romanticismo conceptual con la afinidad que tienen entre los intérpretes y unos deliciosos arreglos en la guitarra y el violonchelo, haciendo olvidar el piano o la voz del original, que realza sus interpretaciones. En definitiva, un trabajo hermoso, resaltando el apasionamiento y el lirismo en una excelente lectura de cada pentagrama. El violonchelo de Peña Comas se caracteriza por un sonido rico y sonoro que hace que tanto los pasajes líricos, como los más enérgicos sean excepcionalmente hermosos.

Merecen atención piezas misteriosamente menos conocidas, como el “Allegro Aassionatto, op.43” de Saint-Saëns” y sobe todo la elección de compositores/as de menor difusión, como Amy Beach y sobre todo August Nölck (nacido el 9 de enero de 1862 en Lübeck – fallecido el 12 de diciembre de 1928 en Dresde) el cual fue un prolífico compositor, violonchelista virtuoso, pianista y educador musical de la Escuela Alemana del Romanticismo, bien conocido por su repertorio para su instrumento alma mater. Profesor de violonchelo respetado, director del conservatorio de Viena y una voz de la gran tradición violonchelista alemana del siglo XIX. Fue autor de un catálogo de piezas para violonchelo que suman cientos de opus, pero no aparece ninguna mención de su nombre en las historias contemporáneas de violonchelistas famosos. Esta grabación de la música de salón para violonchelo y piano de Nolck debería ayudar a que su música y sus logros vuelvan a llamar la atención de los violonchelistas y el público. Sus obras originales escogidas (“Amoroso, op.160 es el que da nombre a la grabación) son deliciosas y están interpretadas aquí con suma delicadeza. El otro nombre es Georg Eduard Goltermann (nacido el 19 de agosto de 1824 en Hannover – fallecido el 29 de diciembre de 1898) el cual fue un violonchelista, compositor y director de orquesta alemán. Virtuoso del violonchelo de su época, algunas de sus obras fueron muy populares en ese momento y todavía se utilizan con fines didácticos. Goltermann compuso ocho conciertos para violonchelo, de los cuales el cuarto es el más famoso. Su música rara vez se interpreta en conciertos profesionales. Se considera que carece de la musicalidad de los verdaderos conciertos y, aunque ha sido elogiado por su naturaleza melodiosa y agradable. Los estudiantes estudian sus conciertos para aprender la técnica y obtener una comprensión básica del estilo del concierto.

Luis Suárez

lunes, 31 de octubre de 2022


 

WALTER GIESEKING. Debussy The first Columbia recordings

APR Columbia Records · AAD 183’

El célebre pianista franco-alemán, Walter (Wilhelm) Gieseking, fue en gran parte autodidacta como pianista. Nació en Francia, y viajó con su familia (su padre era un distinguido médico y entomólogo) por Francia e Italia hasta que se matriculó en el Conservatorio de Hannover, donde quedó bajo la tutela de Karl Leimer, graduándose en 1916. En 1912 (o 1915) Walter Gieseking hizo su debut en Hannover. Fue reclutado por el ejército alemán en 1916, pero escapó del combate actuando en la banda de su regimiento. Después de la guerra, emprendió la vida de un músico en activo, acompañando a cantantes e instrumentistas, tocando en conjuntos de música de cámara y trabajando como entrenador de ópera. Difícilmente pudo evitar la embriagadora atmósfera artística de la Alemania de la posguerra, y se convirtió en un defensor de la nueva música, tocando obras de Arnold Schoenberg, Ferruccio Busoni, Paul Hindemith, K. Szymanowski y H. Pfitzner, cuyo Concierto para piano estrenó bajo la dirección de Fritz Busch en 1923. A partir de 1921 realiza giras por Europa. En 1923 hizo su debut británico en Londres, su debut estadounidense en el Aeolian Hall de Nueva York en febrero de 1926 y su debut en París en 1928. Sus debuts fueron muy aclamados, y el público y la crítica respondieron con entusiasmo a los sutiles matices y la claridad contrapuntística de Gieseking. Después de eso, se presentó regularmente en Estados Unidos y Europa con orquestas y en recitales de solista.

Durante las hostilidades de la Segunda Guerra Mundial, Walter Gieseking, como muchos otros artistas, permaneció en Alemania y también actuó en ocasiones en la Francia ocupada por los nazis. Después de la guerra se convirtió en el centro de la controversia política cuando llegó a Estados Unidos en 1949 para una gira de conciertos; fue acusado de colaboración cultural con el régimen nazi y las protestas públicas forzaron la cancelación de sus actuaciones programadas en el Carnegie Hall de Nueva York. Sin embargo, más tarde fue absuelto por un tribunal aliado en Alemania y pudo reanudar su carrera en Estados Unidos, con el éxito que había disfrutado anteriormente. Apareció nuevamente en un recital del Carnegie Hall en abril de 1953, y hasta su muerte continuó dando numerosas actuaciones en ambos hemisferios.

A esta actividad, Walter Gieseking añadió una intensa agenda de grabaciones, comprometiéndose a grabar en disco la música para piano solista completa de Mozart y los. Conciertos de Beethoven, así como conjuntos completos de obras para piano de Debussy y Ravel. En el momento de su muerte en Londres, Gieseking estaba comprometido en un proyecto para grabar todos loas Sonatas para piano de Beethoven. Grabó la “Sonata para piano n.º 15” de Beethoven y había completado los primeros tres movimientos y, al día siguiente, debía grabar el cuarto. Lamentablemente, murió durante la noche. Sus grabaciones de Debussy y Ravel se consideran puntos de referencia para todos los artistas posteriores. También fue un excelente intérprete de Bach y dejó un impresionante legado de grabaciones del mismo (muchas de ellas de transmisiones alemanas en vivo). Compuso música de cámara e hizo transcripciones para piano de canciones de Richard Strauss. Su autobiografía, “So Wurde ich Pianist”, fue publicada posteriormente. en Wiesbaden (1963).

Walter Gieseking fue uno de los pianistas más extraordinarios de su tiempo. Se dice que fue un pianista natural e intuitivo. Según la leyenda, nunca practicó excepto en su propia mente. Aparentemente, estudiaba la partitura, imaginaba tocarla y luego la interpretaba sin problemas. Se dice que su hábito de pasar horas en total silencio mientras estudiaba partituras frustraba mucho a su esposa. Músico soberbio capaz de interpretaciones profundas de partituras tanto clásicas como modernas, su formación dual germano-francesa le permitió proyectar con la máxima autenticidad las obras maestras de ambas culturas. Destacó particularmente en la música de Mozart, Beethoven, Schubert y Brahms. Fue con el repertorio de maestros franceses que se hizo más famoso. La escritura impresionista para piano de C. Debussy, aquí expuesta, requería el toque más sensible y la atención al color y los matices, y la agudeza de los dedos, el pedaleo imaginativo y, sobre todo, el oído sobrenaturalmente alerta de Gieseking lo convirtieron en un intérprete ideal de esta música. Este volúmen de sus grabaciones para Columbia, entre las décadas de los años 30 y 40, reúne favoritos sentimentales y obras casi desconocidas. Por un lado, están los Preludios al completo Clair de Lune, Réverie y Children's Corner, Estampes, Imágenes, por otro, las tempranas Balada y Nocturno. lLas interpretaciones de las favoritas partituras son de tonos exuberantes y afectuosos, con un legato maravillosamente sostenido y un uso discreto y elegante del pedal sostenido. Gieseking está totalmente bajo la piel de la música de Debussy. Su Rincón de los niños equilibra el ingenio irónico con un profundo afecto, y su vals La plus que lente equilibra la ironía seca y la emoción profunda. El sonido del piano es rico y resonante, con muchos detalles y una presencia asombrosa, a pesar de las condiciones de las épocas de grabación, lo que lleva a destacar la gran recuperación remasterizada digital. Gran tesoro.

Luis Suárez


 

BRAMS, J. – BERG, A.  VIOLIN CONCERTOS. CHRISTIAN TETZLAFF, violin. DEUTSCHES SYMPHONIE-ORCHESTER BERLIN ROBIN TICCIATI, conductor

ODE 1410-2 · DDD · 62’ · ****

Dos obras distantes y cuerpo y forma entre sí y a la vez atractivas para escucharlas juntas, Tetzlaff interpreta a Brahms con una expresión ligera y elevada que es muy atractiva, y su Berg es suave y reflexivo, con una línea transparente que comunica emoción de una manera satisfactoria, similar a una canción. El impulso en ambas interpretaciones es lírico, y los instintos de Tetzlaff para preservar una melodía conectada y suspenderla con poca muestra de esfuerzo hacen que ambos conciertos sean experiencias artísticas maravillosas. La reproducción de la orquesta es rica y cálida, especialmente en la mezcla del conjunto, aunque el violín siempre está al frente y en el centro, y nunca es abrumado por Ticciati en su plenitud o contundencia.

Ambas obras son de las más populares y duraderos de los grandes conciertos para violín del siglo XIX y XX, la familiaridad de los más populares crea un espléndido equilibrio y un maravilloso contraste entre sí. Y, sorprendentemente, el trabajo de Brahms no eclipsa al de Berg. Mientras que el lirismo radiante y las formas dramáticas del Concierto de Brahms son, como siempre, inmensamente agradables, los temas candentes de lamento y el virtuosismo audaz del Concierto de Berg, “a la memoria de un ángel” resultan igualmente agradables a su manera, y al menos en estas interpretaciones excepcionales, suenan casi estéticamente iguales. El crédito de esto debe ir en su mayor parte a Tetzlaff. Su técnica fuerte, su tono dulce y su entusiasmo irresistible lo convierten en un poderoso defensor de cualquier obra que interprete, pero tiene algo que decir sobre ambas obras y, por lo tanto, sus interpretaciones aquí están impulsadas por más que una técnica llamativa. Con el firme apoyo de Ticciati al frente de la Orquesta, Tetzlaff aboga por la igualdad de estas obras. Grabado en sonido digital rico y claro ambas piezas de este disco merecen ser escuchadas por cualquiera que disfrute de los conciertos para violín de ambas tendencias contrapuestas de la Viena entre siglos.

Luis Suárez

domingo, 2 de octubre de 2022


 

Henri Tomasi. Complete Violin Works. Stéphanie Moraly, Violin. Romain David, Piano. Orchestre de la Garde républicaine. Sébastien Billard, concuctor

NAXOS  8.579091 · DDD · 61’ · *****

Una gran novedad, digna de agradecer es el disco presente dedicado a la obra completa para violín de Henri Tomasi (1901/71), uno de los grandes compositores franceses del Siglo XX, no siempre del todo reconocido fuera de su país, si exceptuamos algunas obras como sus “Concierto para Trompeta o el de Trombón”, respectivamente. Aquí surge un reconocimiento dentro de un gran sello internacional, de una serie de lanzamientos sobre integrales de su obra, como un próximo lanzamiento de su obra para piano, entre otros. Aquí su obra está interpretada por la gran violinista francesa Stéphanie Moraly, la Orchestre Symphonique de la Garde Républicaine dirigida por Sébastien Billard, y Romain David, piano.

De un estilo cambiante entre sus primeras obras, como “Capriccio” (1931) o su “Poeme” (1923), a su “Concierto Périple d’Ulysse” (1962), no ofrece una revisión no cronológica de su estilo a lo largo de las décadas. La interpretación de Moraly, con un sonido intenso y vibrato en todo momento, mostrando tanto las habilidades técnicas estelares como su habilidad para hacer líneas musicales impolutas, captando el lenguaje del compositor galo. Su “Concierto” está orquestado de manera transparente para mantener clara la parte del violín en todo momento, y dibujado de manera expansiva para resaltar las líneas ricas del solista y la reverencia arrebatadora. Con su penetrante interpretación y fuerte ejecución, Moraly y Romain David, le garantizan a esta obra un lugar en el repertorio. El resto de obras, es extremadamente corto, puras miniaturas, a excepción del “Capriccio” (1930/51), en sus estados de ánimo contrastantes, entre claroscuros y timbres tenues. Gran acierto en elección de obras e interpretaciones.

Luis Suárez