miércoles, 28 de julio de 2021


 Franz Joseph Haydn. Baryton Tríos. Treasures from the Esterháza Palace. Valencia Baryton Project: Matthew Baker, Baryton. Estevan de Almeida Reis, viola. Alex Friedhoff, cello. NAXOS 8574188 · DDD · 66' · **** 

Los tríos de Haydn para baryton, viola y violonchelo fueron compuestos en las décadas de 1760 y 1770 para su mecenas, el príncipe Nikolaus Esterházy, quien tocó el instrumento y respondió a los propios intentos de Haydn de aprender diciendo: "Haydn, deberías saberlo mejor". Uno piensa en la escena en la que José II le dijo a Mozart que su ópera tenía demasiadas notas, por lo que Mozart preguntó cuáles debía eliminar. En cualquier caso, estas pequeñas obras se han interpretado escasamente, en parte porque el baryton, una pequeña viola de bajo con cuerdas arqueadas, es poco común y difícil de tocar. Las cuerdas se pueden puntear al mismo tiempo que el arco toca las cuerdas principales. Haydn rara vez hace uso de esta técnica (aparentemente las habilidades del príncipe no estaban a la altura), pero hay suficiente variedad de sonidos provenientes del baryton que un violonchelo es absolutamente insuficiente para capturar el efecto. La música deriva su interés aquí del contraste en el timbre entre el baryton y los otros dos instrumentos, y si se toca en otro violonchelo, la música no tendría sentido. No todos los movimientos de estos seis tríos son tan inusuales como eso, pero el sonido del baryton es distintivo para todos ellos, y hay muchos toques agradables que el músico de Baryton Mathew Baker, orientado a la interpretación histórica, ofrece aquí el tipo de interpretación sutil y tranquila que merecen estas obras, y el Valencia Baryton Project cuenta con el apoyo de una excelente ingeniería, aparentemente en un contexto histórico como es el Castillo de Riba-Roja. La mayoría de las piezas ni siquiera son verdaderos tríos de teclado, sino sonatas de trío barrocos en un proceso de ruptura formal. Los intépretes capturan las cualidades melódicamente desbordantes de muchos de estos tríos y el esfuerzo por lograr una mayor unidad mostrándose las obras expuestas como trabajos útiles para rastrear el proceso por el cual se formó la voz madura de Haydn. Este es un buen lugar para comenzar si alguna vez ha sentido curiosidad por estas obras, y el Trio todavía ofrece mucho empeño. El Cofre de la Integral de la producción de Haydn, producido por otro sello hace ya algunos años, contiene toda la inmensa cantida de obras escrtitas para éste y otros conjuntos con el baryton principesco como protagonista.

Luis Suárez


miércoles, 14 de julio de 2021


Frederic Chopin. Complete Nocturnes. Haley Myles, piano. DDD · ****

La joven pianista francesa Haley Myles presenta su nuevo álbum de los" Nocturnos" completos de F. Chopin. Según su propias palabras "Chopin, y más específicamente sus Nocturnos, es la razón por la que decidí convertirme en un pianista clásico profesionalmente". Con la ayuda de un generoso crowfounding, pudo grabar y auto-producir este álbum. Este es el primer álbum que grabó en su casa con mi Steinway en plena pandemia.

Aquí se incluyen los dos nocturnos póstumos que no se escuchan a menudo en otros sets, con lo cual suman el número de 22 piezas de magia y encanto propio del maestro franco-polaco. Estas piezas de personajes reflexivos son manejadas con delicadeza y expresión poética por Myles, quien les pone una sutil poética, sin prisas y toca una música romántica tan intensa con gran moderación, consideración y refinamiento, y rara vez deja que sus pasiones se escapen de su control, así encontramos a veces un ritmo más pausado de lo habitual. En la medida en que Myles interpreta con un toque delicado, la amplia gama de audio permite muchos matices, puede haber cierta preocupación sobre si el volumen de la grabación necesitará un ajuste porque un nivel suave hace que el piano parezca demasiado débil, mientras que un nivel medio recomendado el entorno produce una presencia más creíble. Aún así, esta es una interpretación elegante y pulida, y a juzgar por las preferencias de Chopin al tocar los nocturnos, parece bastante cercano en espíritu. Los 22 "Nocturnos" se encuentran entre las piezas más personales e íntimas de Chopin, y aquí son tratadas todas con un sentimiento tierno y una sensibilidad melódica que enfatiza la calidad vocal de las ornamentadas melodías. En la medida en que todos los nocturnos habitan en un estado reflexivo e introspectivo que se siente conectada de una pieza a la siguiente. El sonido dees claro y enfocado y la acústica que le da a esta música un brillo auditivo que es bastante agradable. Los amantes de la poética musical de Chopin, entre los que me incluyo no se sentirán defraudados.

Luis Suárez


DOUBLE ECHO. KERNIS, PIAZZOLLA, SIERRA. New Guitar Concertos from the Americas. David Tanenbaum, Guitar. Coco Trivisonno, Bandoneon. Lisa Lee, Violin. New Century Chamber Orchestra. Thomas Derthick, Aaron Jay Kernis, Director. 

NAXOS 8.574298 · DDD · 55’ · *****RS

Este álbum de conciertos de guitarra de las Américas presenta piezas compuestas para David Tanenbaum e interpretadas por él mismo, que presentan la guitarra en una variedad de escenarios. El “Concierto” de Aaron Jay Kernis se sumerge con facilidad en el mundo de la música popular, mientras que “Lullaby” y “Soliloquy” son reflexivos, líricos y románticos. El “Concierto” de Sierra afirma un carácter rítmico y percusivo, mientras que el “Doble Concierto para Bandoneón, Guitarra y Orquesta” de Piazzolla es oscuro y sentimental y es una de sus obras menos conocidas.

Uno de los guitarristas más populares de Estados Unidos posee una técnica virtuosa extremadamente fluida que muestra su talento hasta la empuñadura de estas obras hechas a encgargo. Aaron Jay Kernis es ya ganador del Grammy por mejor composición clásica contemporánea, y sus tres obras, representadas aquí, son atractivamente variadas, desde el neorromántico directo hasta el lenguaje general del siglo XXI. El “Doble Concierto” de Piazzolla es una obra relativamente lírica y tierna y para cuando fue escrita ya había ganado una repentina popularidad internacional durante algunos años, e incluso se estaba ganando a muchos en su tierra natal que se habían resistido a sus experimentos estilísticos con su amada danza nacional. Escribió este concierto para el V Festival Internacional de Guitarra, que se celebró en Lieja, Bélgica, en 1985. Piazzolla escribió la obra para el guitarrista Cacho Tirao y para bandoneón que tocó él mismo en su estreno con la Filarmónica de Lieja, dirigida por Leo Brouwer. Una biografía de Piazzolla sugiere que el compositor se inspiró musicalmente en la música del compositor inglés William Walton (cuya esposa era de Argentina). El movimiento de apertura está marcado Introducción Lentamente, con los dos instrumentos solistas remarcando de manera excepcional la soledad y el anhelo, creando la impresión de un movimiento improvisado. El movimiento central se marca Milonga, donde oportunamente, los dos solistas mantienen el diálogo que iniciaron en el primer movimiento, pero ahora con el suave ritmo pulsante. El final es una obra de puro Tango nuevo, creando efectos de percusión pidiendo a los solistas que golpeen sus instrumentos, solventado de una manera ejemplar. El “Concertino” de Roberto Sierra, presenta una propulsión rítmica en los movimientos externos, equilibrada por un segundo movimiento lírico y un tercero improvisado, ninguno mucho más de tres minutos. Sierra escribe que "tenía en mente imágenes distantes aromatizadas por los colores y sonidos de los trópicos, siendo cada movimiento un estudio de ritmo y color". Destaca la interpretación, de nuevo virtuosa y solvente con su gran sección de percusión combinada con texturas stravinskianas. Se hace demasiado corto por su gran atractivo de ingenio compositivo.

Luis Suárez


domingo, 11 de julio de 2021


 Berlin im Licht. A Kurt Weill Songbook. Ricardo Panela, barítono. Nuno Vieira de Almeida, piano. Susana Gaspar, soprano. Alberto Sousa, tenor. 

ARTWAY RECORDS 021002 · DDD · 67' · *****

Este CD contiene una colección muy interesante de interpretaciones modernas y antiguas de piezas generalmente conocidas de Kurt Weill. Las piezas se seleccionan cuidadosamente de la amplia selección del abanico del cancionero de Weill, acompañado de un hermoso folleto con información sobre Kurt Weill y las melodías que contiene. De hecho va divido en tres partes: de Berlín a Broadway; de las actualizaciones eclécticas de la música teatral alemana distintiva de Kurt Weill y Brecht, hasta aquellos números melódicos reconocidos de su etapa americana para el cine y el teatro, pasando por su exilio en París, escapando del Régimen Nazi. Así pues nos encontramos con tres idiomas diferentes que Ricardo Panela modula y expresa con gran precisión en este trabajo profundo y complejo, realizado durante los tiempos de pandemia, lo cual le a un mayor valor. 

Hijo de un cantor, Kurt Weill nació en Dessau en una familia que tomaba representaciones de ópera como principal forma de entretenimiento. Cuando Weill era un adolescente, el director del Dessau Hoftheater, Albert Bing, lo animó en el estudio de la música. Weill estudió composición brevemente con Engelbert Humperdinck y ya trabajaba profesionalmente como director cuando asistió a las clases magistrales del compositor Ferruccio Busoni en Berlín. Encantado de ver las respuestas positivas de la audiencia a su primera colaboración con el dramaturgo Georg Kaiser, "Der Protagonist" (1926), a partir de entonces decidió trabajar hacia la accesibilidad en su música. En 1926 Weill se casó con la actriz Lotte Lenya, cuya voz aguda y temblorosa llamó "la que escucho en mi cabeza cuando escribo mis canciones". En 1927 Weill inició su colaboración con el dramaturgo y poeta izquierdista Bertolt Brecht; su primera empresa conjunta, "Mahagonny-Songspiel" (1927), lanzó el número "Alabama Song", que, para su sorpresa, se convirtió en un éxito pop menor en Europa. El siguiente espectáculo, "Die Dreigroschenoper" ("La Ópera de los Tres Peniques, 1928) fue un éxito monstruoso, en particular la canción "Moritat" (Mack the Knife). No obstante, la tensión en su asociación ya se estaba sintiendo, y después de la finalización de su magnífica ópera escolar "Der Jasager" (1930), los dos se separaron. Brecht y Weill se reunieron una vez más en París para crear "Die Sieben Todsünden" (Los siete pecados capitales) (1934). Mientras tanto, Weill colaboró ​​con Caspar Neher en óperas que atrajeron la atención hostil del entonces emergente partido nazi. Con el ascenso al poder de Hitler, Weill y Lenya se vieron obligados a disolver su unión y huir de la Europa continental. Weill encontró su camino a Nueva York en 1935; Al reunirse con Lenya, Weill se convirtió en ciudadano esatdounidense. Después de una serie de frustrantes fracasos, Weill dio un paso adelante con el dramaturgo Maxwell Anderson, produciendo su primer éxito, "Knickerbocker Holiday" (1938). En la docena de años que le quedaban, la estatura de Weill en Broadway creció con una serie de programas exitosos, como "La dama en la oscuridad" (1941), "Un toque de Venus" (1943), "Vida amorosa" (1948) y "Perdidos en las estrellas" (1949). ). El 3 de abril de 1950, Weill sufrió inesperadamente una coronaria masiva y murió en los brazos de Lenya. La herencia de Weill estaba valorada en menos de 1.000 dólares, y Lenya se dio cuenta de que su contribución al teatro musical también estaba infravalorada. Encargó al compositor Marc Blitzstein la adaptación de una versión en inglés de Die Dreigroschenoper; abrió fuera de Broadway en 1954 y funcionó durante tres años, dando inicio a un resurgimiento de Weill que continúa.

Aquí tenemos una grabación perfecta de una selección amplia de sus meldías, con la interesante musicalización de cuantro poemas del míitico Walt Whitman como complemento. El sonido del tándem Panela - Vieira, con la contribucción en dos de los número de Sousa y Gaspar, es fantástico, la claridad en la la pronunciación idiomática hace realmente que también el piano brille, y su voz tiene fuerza y ​​está maravillosamente hecha. Las canciones de este programa crean una atmósfera que inconfundible tan convincente como se podría imaginar de un hombre que se consideró igual a sus conteporáneos americanos y se ganó la reputación de mezclar ópera clásica, música folclórica y jazz disonante. Lo que más impresiona con tanta fuerza fue que la música de Weill nunca encajó en lo que nadie confundiría con un musical, una ópera o simple pop, sino que los fusionó a todos en un intento de tender un puente entre el arte y la política que lo rodeaba en ese momento. La música de Weill fue la banda sonora del auge del nazismo en Europa y sus inquietantes partituras son aún más inquietantes en retrospectiva.

Luis Suárez

jueves, 1 de julio de 2021


Fernando Lopes-Graça. Songs and Folk Songs, Vol.2. Susana Gaspar, soprano. Ricardo Panela, barítono.

NAXOS 8579082 · 64' · DDD · ****

Fernando Lopes Graça, o Lopes-Graça como él mismo solía escribir, para preservar sus dos apellidos, nació en Tomar, una pequeña ciudad al noreste de Lisboa, en 1906 y murió en Parede, otra pequeña ciudad al oeste de Lisboa en el Atlántico en 1994. Fue uno de los compositores portugueses más prolíficos del siglo XX, con composiciones que abarcan una amplia gama de géneros. La vida personal de Lopes-Graça no fue fácil. Nunca se casó y muy temprano en su vida se sintió atraído por el comunismo. Aunque no participó activamente como político durante el régimen dictatorial que terminó con la Revolución portuguesa en 1974, se le prohibió enseñar en el Conservatorio Nacional de Lisboa y fue encarcelado más de una vez. Sin embargo, mantuvo un perfil bajo y sus compañeros músicos de todas las tendencias políticas lo tenían en alta estima por su integridad artística y personal. El aspecto más relevante de su estilo musical es, sin embargo, su empeño por utilizar la música folklórica portuguesa como medio para forjar su estilo personal, muy parecido a Béla Bartók, aunque algunas de sus obras son muy cosmopolitas en estilo y enfoque. Aquí se presenta la segund aparte de su obra para canto y piano; él mismo, como pianista, acompañaba habitualmente a cantantes en las interpretaciones de sus propias obras, y como director dedicó gran parte de su tiempo a la dirección del coro de la Academia de Amadores de Música de Lisboa, para la que arregló una gran cantidad de canciones populares portuguesas. Todas sus obras se caracterizan por un alto grado de perfección técnica. Aquí toca también el folklore griego, checo y eslovaco. 

Se le puede clasificar dentro del modernismo clásico portugués Entre los maestros del mismo comparte cartel con otros dos compositores portugueses que se consideran grandes en la actualidad: Luís de Freitas Branco (1890-1955) y el alumno más talentoso de Freitas Brancos, Joly Braga. Santos (1924-88). Al mismo tiempo, estos tres compositores representan tres corrientes básicas en la música de su época. Lopes-Graça integró el folclore portugués especialmente en su obra combinándolo con los logros de la armonía contemporánea atonal y condimentada con disonancia como otros compositores nacionales modernos como Bartók, Saygun o Ginastera. No cabe duda de que Lopes-Graça fue un maestro sutil e independiente no solo en la música orquestal y de cámara, sino también especialmente en sus obras para piano, y canto y piano, escritas idiomática y eficazmente para el instrumento de la voz. Su música pasó por varias fases de desarrollo. Aunque arraigado en la música folclórica, absorbió influencias no solo de compositores mucho más antiguos como Scarlatti y Seixas, sino de contemporáneos como Bartok. Estas influencias son potentes en los ciclos de canciones, imbuidas de un romanticismo agridulce que cae en atmósferas turbias, curiosas y falsamente lúdicas. Sus ejemplos de su primera etapa es un ejemplo compositivo mucho más oscuro y ambivalente, que marca un nuevo hito en su desarrollo. Los solistas nos llevan a intervenciones multidimensionales de cambios de registro, de una manera ejemplar y la grabación es impresionante. Por supuesto, todo esto es para decir que estamos en presencia de música de muy alta calidad, y que cuesta entender por qué los cantantes no tocan estos canciones con más frecuencia, muchas de ella grabadas por primera vez.

Luis Suárez

miércoles, 30 de junio de 2021


 Villa-Lobos, Heitor. Violín Sonatas (Complete). Baldini, Emmanuele, violín; Rossi, Pablo, piano. 

 NAXOS 8.574310 · 53' · DDD · ****

La música de Villa-Lobos para violín y piano es notablemente derivada de las escuelas francesas de fin del siglo XIX, especialmente Faure, aunque la Segunda y Tercera Sonatas ofrecen mucho alimento para el desarrollo musical. En este caso son las tres sonatas, casi desconocidas para el gran público, obviando las miniaturas que completan esta parte de su inmensa obra para cámara. Heitor Villa-Lobos compuso prolíficamente en todos los géneros, pero su música de cámara no ha recibido la atención de sus ricas y opulentas realizaciones en los campos de la música orquestal y vocal, así como las Bachianas Brasilieras saturadas de violonchelos. Estas tres sonatas fueron escritas entre 1912 y 1920 y están llenos de un vocabulario melódico colorido y completamente característico, estructurado como rapsodias extendidas.

La tercera Sonata, compuesta en 1920, es la que más emana el futuro Villa-Lobos y es especialmente original. Su primer movimiento altamente seductor, lleno de extrañas y sensuales giros melódicos y armonías; el segundo movimiento caprichoso y alegre, y el tercer movimiento arrolladoramente apasionado, con una parte de piano que a veces suena "a la Prokofiev", y una parte de violín que muestra llamativos vuelos de fantasía. Las dos anteriores, denominadas Fantasy-Sonatas por el compositor, datan de 1912 y 1914, y no son muy personales: a los 25 años, Villa Lobos era todavía un compositor en búsqueda de su propio estilo, que tanto le caracterizaría en la historia de la música. Sus dos grandes obras maestras "amazónicas" para orquesta, "Amazonas" y "Uirapuru", fueron escritas en 1916) y aún tenía que encontrar su propia voz. Las dos sonatas son sorprendentemente románticas, escritas en un estilo menos de Debussy que de la escuela Schola Cantorum: los ecos de D'Indy, Vierne, Pierné, Widor... llegaron a mente. Eso sí, son excelentes ejemplares de ese género y pueden ocupar un lugar privilegiado con los escritos por los compositores mencionados anteriormente, pero simplemente no son significativos de lo que hizo de Villa-Lobos el músico único en el que se convirtió. A veces la música se acerca a ser de salón sentimental schmaltzy, a veces es bastante hermosa, y los momentos más interesantes son los pasajes más caprichosos (la primera Cadenza de Sonata está entre estos).  La grabación reciente, de 2020, tiene un sonido vívido, con una perspectiva global de igual dificultad, tanto para el violín como al piano. Baldini y Rossi parecen estar en sintonía no solo entre sí, sino también con los dialectos armónicamente de retórica emotiva con la claridad que los ingenieros han aportado a las ricas texturas, y los matices tímbricos casi coagulados en los que las partituras envuelven sus ideas musicales. 

Luis Suárez

viernes, 25 de junio de 2021


 Groslot, Robert: The Intimacy of Distance. My Green Shade Forest. Trittico incantevole. Charlotte Wajnberg, soprano. Brussels Philharmonic Orchestra. Robert Groslot, conductor.

NAXOS 8.579100 · 55' · DDD · **** 

El compositor belga Robert Groslot, uno de los compositores modernos más originales y también musicalmente más interesantes, nos presenta, dirigiendo en persona a la Filarmónica de Bruselas, con Charlotte Wajnberg como solista, el ciclo de canciones orquestales de cinco partes que abre el disco: "La Intimidad de la Distancia" (2019). Absolutamente nada de lo que escuchas es predecible o formulado; todo es fresco, audaz y emocionante, en particular la escritura orquestal, que es una de las especialidades de Groslot. A juzgar por el título, uno podría pensar que la obra se escribió durante la pandemia global, pero de hecho se escribió el año anterior a su aparición, en 2019. La poesía simbolista de Elisa Nathalie Heine, extiende los límites de lo que la orquesta puede hacer sin involucrar a la soprano solista en sus orgiásticas explosiones atonales. Canta líneas elegantes y líricas por encima de la refriega. Charlotte Wajnberg, la soprano para la que se escribió el ciclo, lo interpreta aquí, y tiene una voz hermosa y clara como el cristal. Afortunadamente, se acompaña el libreto proporcionando la letra de todas las canciones. Algunas se cantan en alemán, pero incluso en las canciones cantadas en inglés no se puede distinguir bien el texto cantado; falta una mejor dicción. La música posee una naturaleza rápida y casi violenta en lagunas canciones, en la que incluso la línea vocal está algo desviada de la tonalidad, aunque todavía es en la orquesta donde Groslot ofrece sus sonidos más personales, siendo el propio el compositor quien dirige con una interpretación virtuosa y emocionalmente involucrada de la orquesta en perfecto estado. "My Green Shade Forest", aunque obviamente pretende evocar la belleza natural, es tan abstracto en su forma real como el ciclo de la canción, solo que más pastoral y con una orquestación más escasa, salvo por la inquietante sección rápida en el medio. Groslot retrocede un poco en las armonías bitonales y atonales para crear sonidos más brillantes sin ceder a la tendencia actual hacia la música suave o "ambiental". El CD finaliza con "Trittico incantevole", pieza encargada por la Orquesta Sinfónica de Amberes en homenaje al pintor Peter Paul Rubens. El arte de Rubens vaciló entre imágenes de guerras y batallas históricas y las típicas fantasías religiosas católicas, pero su estilo casi tridimensional, tan realista y sin embargo con una fluidez que casi hizo que los personajes se "movieran" en sus lienzos, fue lo que cautivó a Groslot cuando compuso esta obra, segú sus propias palabras. El sonido es igualmente, como en la pieza anterior, atmosférico pero más sutilmente complejo en su uso de ritmos contrastantes y voces interiores en movimiento.

Luis Suárez