György Ligeti. Quartets nº1 & 2. Andante and Allegro. Quatuor Diotima.

PENTATONE 5187061 · DDD · 54’ · *****

György Ligeti dejó dos cuartetos de cuerda propiamente dichos; el nº1, subtitulado "Metamorphoses nocturnes", fue escrito en 1953-1954, pero no se escuchó hasta 1957 cuando lo interpretó el Ramor Quartet en Viena. Esta obra se esperaría alrededor de otras tres décadas antes de obtener una segunda audiencia, pero desde entonces ha sido grabado muchas veces. El nº2 es obra muy famosa perteneciente plenamente a la etapa de madurez de Ligeti; fue encargado por el Cuarteto La Salle y se escuchó por primera vez en Baden-Baden en 1969. El “Andante y el Allegretto”, campechanos, casi románticos, llamados en otros lugares "Dos movimientos para cuarteto de cuerdas", son obras muy tempranas de Ligeti que datan de 1950.

El Quartuor Diotima es un cuarteto intrépido, bien disciplinado y sumamente confiado. La música de Ligeti parece apelar a la impetuosidad del grupo y tiene una cantidad más que suficiente de músculo, autocontrol y sensibilidad para dominar estos cuartetos altamente dinámicos y desafiantes del siglo XX. El “Segundo Cuarteto” es particularmente difícil; hay un punto en el primer movimiento Allegro nervoso donde el cuarteto ya está muy ocupado tocando figuras rápidas a un nivel de sub-pianissimo y tiene que cambiar, en el aviso de una mera línea de compás, a fortissimo sin cambiar esencialmente las notas que se están tocando. Interpretan este audio equivalente a un corte de salto cinematográfico en una horquilla, y toda la música está completamente bien explicada sin complicaciones, sin desorden, con precisión experta y con un considerable talento para el drama. Asimismo aportan el mismo nivel de cuidado y atención a todo el programa, incluso a los más sencillos y modestos “Andante y Allegretto” que sirve de intermezzo al álbum. Grandes ejemplos de la producción de uno de los mejores compositores del Siglo XX y de todos los tiempos.

Luis Suárez

 

 

Mahler, Gustav. Sinfonía nº5. Orquesta Sinfónica de Montreal. Rafael Payare, director.

PENTATONE 5187067 · DDD · 74’ · *****

De nuevo la que es probablemente la obra más popular de Mahler, esta vez con el debut discográfico del director venezolano, Rafael Payare al frente de la Orquesta Sinfónica de Montreal. Los fanáticos del compositor bohemio – austriaco y estudiantes de esta pieza pueden querer escucharla seriamente, ya que el director obtiene una respuesta entusiasta de sus intérpretes. Los metales son especialmente dignos de elogio, ya que muestran una impresionante variedad de timbres. Los instrumentos de viento de madera y cuerdas transmiten completamente en los pasajes más suaves del "Trauermarsch" y el segundo movimiento. Toda la orquesta está a la altura de las circunstancias en el Scherzo y sus colores siguen siendo distintivos y vívidos para los movimientos restantes de la sinfonía. Le da al Adagietto un ligero ritmo de movimiento, aunque la amplitud de este movimiento ardiente se sostiene de manera convincente a través de las líneas suaves e ininterrumpidas de las cuerdas. El Rondo-Finale es el punto culminante de este disco, y el tour de force contrapuntístico de Mahler se entrega con claridad y vitalidad.

Payare se destaca como un intérprete original y perspicaz de Mahler, dirige con seguridad y emoción, capturando las sonoridades de la orquesta vívidamente. Otra versión más para la larga colección.

Luis Suárez

 

Mahler 4 – Sinfonía nº4, versión de càmera. Camerata Gala (Fundación Antonio Gala) Raquel Lojendio, soprano. Alejandro Muñoz, director.

IBS CLASSICAL 142022 · DDD · 62’ · *****

De las sinfonías de Gustav Mahler, la “Sinfonía nº 4” en sol mayor es la de carácter más neoclásico, la expresión más alegre y la forma más compacta, todo lo cual la convierte en la más accesible del ciclo. Debido a que los efectos de Mahler están calculados con precisión, la música invita a pocas libertades, y las interpretaciones de la sinfonía tienden a ser bastante similares en estilo y ritmo; en consecuencia, Alejandro Muñoz y la Camerata Gala ofrecen una interpretación meticulosa que se parece a muchas otras en la interpretación y no genera controversia en la ejecución. La única ventaja de esta grabación sobre otras de valor musical comparable es la maravillosa calidad de sonido, que son especialmente buenos para resaltar la brillante re-orquestación de Carlos Domínguez-Nieto y capturar los timbres y la dinámica refinados de la orquesta de cámara. El canto de la soprano Luba Raquel Lojendio en el cuarto movimiento también se presenta con gran claridad y calidez, por la belleza del canto, la profundidad sonora del conjunto y la sutileza de la dirección, esta es una excelente grabación.

Debido a la gran cantidad de grabaciones de la obra no exactamente una necesidad, al menos un interés en escuchar la obra nuevamente en formato original. A la cálida expresividad y la interpretación de la Camerata se une la excelencia técnica de su interpretación, tan amorosa como lúcida, siempre un buen equilibrio en Mahler interpretado con una alegría, un entusiasmo y un espíritu de asombro deliciosos.

Luis Suárez

 

Poesía musical flotando en la sala

24/03/2023 – Auditori Josep Carrerras, Vila-seca - Tarragona

David Alegret, tenor. Rubén Fernández Aguirre, piano. Obras de distintos autores sobre poemas de Josep Carner.

Destacado proyecto discográfico ya premiado en varias ocasiones, del tenor catalán, David Alegret y el pianista vasco, Rubén Fernández Aguirre, en un género que dominan plenamente, sobre canciones basadas en poemas de Josep Carner compuestas por destacados miembros del panorama musical catalán de los dos últimos siglos. Desde el modernismo hasta las últimas generaciones, como es el caso de Joan Magrané, presente en el acto, pasando por diferentes tipos de estilos, como el tonal de Eduard Toldrá, Antoni Parera o Ricard Lamote de Grignon, hasta tendencias más vanguardistas. Intermedios pianísticos a cargo de Fernández Aguirre, con piezas de Felipe Pedrell y una propia “Paráfrasis sobre El Caserío”, de Jesús Guridi, marcaron los descansos del programa de mano. Otros lieder de Albéniz, Zamacois, Blancafort…, llenaron un generoso recital cercano a las dos horas. De nuevo la acústica del recinto es parte del éxito del mismo.

El homenajeado es Josep Carner, nacido el 9 de febrero de 1884 en Barcelona, cuya figura como poeta está vinculada al Novecentismo, movimiento cultural al servicio del proyecto nacional de la burguesía catalana que tuvo su máximo ideólogo en Eugeni D'Ors y que, en el orden lingüístico, propició la normalización de un catalán literario y estandarizado. Por su contención y exigencia en el manejo de la lengua y el estilo, Josep Carner ha sido señalado como el autor de mayor riqueza idiomática de la literatura catalana y como uno de los mejores escritores catalanes de todos los tiempos. Su primer poemario, "Llibre dels poetes (1904)", refleja aún la influencia modernista, pero los siguientes, "Primer llibre de sonets (1906)" y sobre todo "Els fruits saborosos (1907)", marcan ya plenamente el comienzo del noucentisme y sus cánones literarios: los dieciocho poemas relacionan las etapas de la vida de la mujer con diversos frutos, cuyas medidas, colores y texturas ejemplifican la condición humana, a través de temas triviales (como el de un ama de casa bebiendo limonada) que el autor estiliza, entre otros recursos, mediante los nombres grecolatinos de los protagonistas, y construyendo un retablo ideal y urbano que rememora, en tonos suaves, irónicos y optimistas, el sueño clasicista de la mediterraneidad. Falleció en 1970.

Alegret y Fernández Aguirre demuestran su gran musicalidad y compenetración, interpretando en un abanico amplio de modelos, desde el temperamental y deliberado, con destellos aquí y allá de anhelo romántico o suspiros de melancolía. La expresiva voz de Alegret posee una modulación ejemplar, capaz de expresar emociones con cambios sutiles de inflexión o usar todo el poder del idioma catalán (e italiano en el caso de Albéniz) para vincular el mismo a la gran calidad poética del texto a la parte musicada de una manera perfecta. El dúo le da a cada canción su propio matiz y carácter que atrae al oyente a su mundo, en lugar de montar un mero espectáculo global. El resultado es simplemente hermoso de escuchar, con una variedad de emociones y personajes que parecen captar con facilidad. Desde la pieza llena de energía, en contraste con la sensación majestuosa y el registro más bajo enfatizando calidez la ternura que es introspectiva y adecuada fluyendo la música de una pieza a otra con la ilusión de parecer interpretar sin esfuerzo. Seguramente esa es la marca de unos grandes artistas. Es tan contagioso que parece terminar prematuramente, dejando al oyente con ganas de más.

Luis Suárez

El sonido salvaje de los años 20’s. Obras de Ernst Toch, Kurt Weill, Bèla Bartok, Ernst Krenek. Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

BR KLASSIK · DDD · 70’ · ****

Ya lo dice el nombre, la loca y luego prohibida música de la década alemana de los años 20 del pasado siglo XX, luego silenciada por el Régimen Nazi. Autores exiliados en los E.E.U.U., grandes compositores atrevidos, orquestadores excelentes. Ingeniosos, modernistas musicales dentro de la tendencia de la República de Weimar… Solo Ernst Toch hubo regresado a Viena de su exilio en las resecas colinas de Hollywood. Sus “Danzas” en miniatura instrumental, Op.30, son piezas cortas y concisas que abundan en efervescencia y coloratura, que parece recordar los sentimientos nostálgicos de Toch sobre la Europa que conoció antes de que la Alemania de Hitler lo obligara a abandonarla.

Otra apuesta son las “Siete Canciones Medievales” de Kurt Weill para coro. Esta obra, al parecer, es una combinación perfecta de timbre de voz y sonido deseado por el compositor, hermosa combinación de tono y color. Es el tono pesado, formal y sombrío de la música lo que combina tan perfectamente con el coro, que sigue con “Tres Coros Mixtos a Capella, Op.22” de Ernst Krenek compuso entre su juventud idealista en Alemania en 1923, antes de un exilio más amargo en los E.E.U.U., que bien puede representar lo mejor que Krenek tiene para ofrecer en términos de música coral alternado con secciones tonales o atonales "libres".

El epílogo de la grabación es la “Suite de danzas para orquesta, Sz.77” de Bartok, brillantemente dirigidas con el mejor sonido posible en expresión, tempo y ritmo general, con muchos de los finos detalles de fondo, con las dimensiones y los colores completos de la orquesta.

Las obras protagonistas son interpretadas fabulosamente bien, como si fuera por un largo conocimiento y afecto por las partituras, fuertes, nítidamente delineadas y tomadas a un ritmo vertiginoso o pausado, según las exigencias de cada partitura. Toda la música es fácil de entender y puede atraer a los oyentes que gustan de la música tardía y más desafiante de aquellos locos y fascinantes que una vez a la fuerza se fueron.

Luis Suárez

 

 

SCHUMANN, Robert (re-orchestrated by Mahler) Symphony No. 3 ‘Rhenish’ • Symphony No. 4. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Marin Alsop, conductor.

NAXOS 8.574430 · DDD · 55’ · ****

Como admirador y director de las cuatro sinfonías de Robert Schumann, Gustav Mahler se sintió obligado a hacer extensas revisiones para ayudar a aclarar las texturas, traer colores vivos a pasajes donde se habían perdido oportunidades de brillantez y hacer innumerables cambios en la dinámica. Hasta cierto punto, Mahler logró hacer la música de Schumann un poco más nítida y mucho más colorida, pero los cambios de orquestación en muchos casos revelan demasiado claramente la mano del arreglista, particularmente en las partes de metales y vientos de madera, y la mezcla de la música romántica de Schumann. Las partituras con los efectos orquestales posrománticos de Mahler parecen un poco extrañas y desorientadoras para cualquiera que conozca bien estas obras. Por supuesto, los recién llegados deben conocer primero los originales, y no hay escasez de excelentes grabaciones disponibles; los oyentes experimentados que hacen las comparaciones entre ellas y las revisiones de Mahler bien pueden sentir que lo que ya era suficientemente bueno debería haberse dejado en paz. Sin embargo, la directora Marin Aslop y la ORF han realizado un valioso servicio al grabar estas versiones tan discutidas pero rara vez tocadas, y los oyentes que han sentido curiosidad por el alcance de la "manipulación" de Mahler pueden juzgar por sí mismos si fue demasiado lejos. Este disco será obligatorio para tres grupos de oyentes. Será de visita obligada para los fieles seguidores de Gustav Mahler porque contiene grabaciones de sus reorquestaciones. Antes del lanzamiento de este disco, las únicas grabaciones disponibles de las reorquestaciones de Mahler eran las interpretaciones rudimentarias, descuidadas y empalagosas de Aldo Ceccato con la Filarmónica de Bergen, y la antigua Orquesta Gewandhaus con Chailly y para los fanáticos dedicados de Mahler, la oportunidad de escuchar cómo su héroe transformado las densas partituras de Schumann en algo más ligero, más claro y más colorido será irresistible. Entonces, mientras que los fanáticos de Schumann pueden objetar las reorquestaciones de Mahler, los fanáticos la buena música teutona a la antigua pueden objetar lo que le ha hecho a la orquesta. Schumann o Mahler, esa es la cuestión. El sonido digital de Naxos es limpio, cálido y profundo.

Luis Suárez

 

Rachmaninoff: All-Night Vigil, Op. 37 "Vespers". The Clarion Choir & Steven Fox.

PENTATONE 5187019 · DDD · 74’ · ****

Sergey Rachmaninov recordó la noche en que tocó por primera vez la partitura de sus “Vísperas”, Op.37, para un par de los músicos rusos más destacados. Nikolai Danilin, que había accedido a dirigir el estreno de la obra, lamentó que los bajos capaces de cantar sus tonos imposiblemente profundos fueran "tan raros como los espárragos en Navidad". Sin embargo, el compositor respondió: "¡Conozco las voces de mis compatriotas!" Y sí conoció tanto las voces de sus compatriotas como su profundo espíritu religioso (que ni siquiera la Revolución pudo erradicar). Rachmaninov estrenó “Vigilia de toda la noche o Misa de Vísperas” en 1915, en medio de las privaciones de la Primera Guerra Mundial. Se encontraron bajos rusos para cantar las partes, y los rusos elogiaron las Vísperas como una obra maestra incluso antes de que comenzara la actuación. Aunque personalmente no estaba cerca de la Iglesia Ortodoxa Rusa, Rachmaninov se había sentido profundamente conmovido por su música durante toda su vida. Evocaba con frecuencia las campanas de las iglesias rusas en su música, había citado cantos ortodoxos en su malograda “Sinfonía nº1” y logró un éxito a gran escala en un escenario anterior de la “Liturgia de San Juan Crisóstomo”. Sus Vísperas se asemejan a la obra anterior en cuanto a su sabor, pero amplía enormemente su paleta armónica. Los 15 movimientos de las Vísperas juntos forman el núcleo de un conocido servicio monástico ortodoxo ruso; las iglesias más grandes también celebrarían la Vigilia la noche anterior a las fiestas mayores. Su serie de textos (en eslavo eclesiástico tradicional) incluye varios salmos y las versiones ortodoxas del Magnificat, Nunc dimittis y Doxologías mayores y menores. En nueve de los movimientos, el compositor adapta una rica variedad de melodías de canto llano: los cantos "Znamenny" más antiguos, los cantos rusos "griegos" más simples y los cantos populares de Kiev.

Sobre el andamio de estos cantos, el compositor cuelga un tapiz musical de textura, sobriedad y poder bizantinos. Muchas de sus texturas corales de ocho voces permanecen en una homofonía fluida y similar a un canto. Su lenguaje armónico está basado tonalmente con frecuentes puntos de pedal, pero también ricas inflexiones modales y cromáticas. Texturas antifonales (números. 2, 8, 10) y estribillos litúrgicos (números. 3, 9, 11, 12) evocan las atmósferas incensadas de la iglesia. Al mismo tiempo, los detalles del texto local pueden inspirarlo para pasajes exquisitos, como el radiante cambio armónico antes del primer solo de tenor (nº4) y los grupos de melismas angelicales en el clímax del nº7. El ortodoxo Nunc dimittis (nº5) cierra con un lento descenso del bajo a un si bemol bajo; era el movimiento favorito de Rachmaninov y la música que pretendía para su propio funeral.

Esta versión es convincente en el grado en que las melodías del canto eslavo impregnan la música. Explota el característico sonido del bajo ruso pero su escritura coral es satisfactoriamente densa, y mantiene las cosas claras con los pasajes divisi que a veces incluyen hasta 12 partes. El sonido es una gran atracción. Otro modelo fue el poco explorado de Steinberg, una obra de título similar de Alexander Grechaninov, que, como la de Steinberg, era una obra de concierto en esta tradición un tanto olvidada valorarán mucho este lanzamiento.

Luis Suárez