martes, 24 de mayo de 2022


Buxtehude, Dieterich. Membra Jesu Nostri, BuxWV 75. Conducts Ensemble. Andoni Sierra, director. Jone Martínez, soprano. Lucía Gómez, soprano. Gabriel Díaz, contratenor. Ariel Hernández, tenor. Jesús García, bajo. Ensemble la Chimera.

IBS CLASSICAL 22022 · DDD · 64' · *****

"Membra Jesu Nostri"  de Dietrich Buxtehude (1637/ 1707) es un ciclo de pasión con cantata de siete partes organizado en torno a las siete heridas en el cuerpo de Jesús mientras colgaba crucificado en la cruz. Anotado para seis solistas, un coro de cinco miembros, una orquesta de nueve miembros y, para un solo movimiento, una gamba consorte de cinco piezas, es una obra a gran escala pero íntima que se detiene en el tema en una manera que combina de manera única lo vocal con lo instrumental y lo espiritual con lo sensual. Si bien algunos oyentes posteriores pueden sentirse incómodos con la fascinación del texto, por las imágenes corporales, el escenario de Buxtehude es indiscutiblemente tanto espiritualmente sincero como palpablemente encantador, y el resultado es una obra de arte del Alto Renacimiento extraña pero profundamente conmovedora. El logro de Buxtehude es en muchos sentidos comparable al de Bach, quien caminó unos cientos de millas, cuando era joven, para escuchar tocar a Buxtehude. El presente trabajo, Membra Jesu Nostri (Partes del cuerpo de nuestro Jesús), ilustra tanto su talento como las razones por las que nunca ha alcanzado la estatura de Bach entre los oyentes comunes: su música vocal, en especial, tiene una especie de cualidad exclusiva para entendidos que contrasta agudamente con la conmovedora fe pública de Bach. Esta obra, terminada en 1680, es un ciclo de siete cantatas para un pequeño grupo vocal-instrumental, sobre textos latinos, cada una de ellas dirigida a una parte distinta del cuerpo de Cristo crucificado (pies, rodillas, manos, costado, pecho, corazón, y cara). Los textos eran de un poeta medieval; exactamente que está en debate, pero el candidato principal en el siglo XVII, Bernardo de Clairvaux, aparentemente admirado por el mismo Lutero. De ahí esta obra bastante curiosa pero ciertamente proto-pietista. Cada cantata es introducida por un "preludio" instrumental concluido por un pareado coral (las fuerzas de una sola voz por parte son defendibles aquí); estos tienen una cualidad casi mística si se hacen bien, como están aquí. Hay varias grabaciones excelentes de esta obra (la de Cantus Cölln bajo la dirección de Konrad Junghänel es una de las más destacadas), pero hay mucho para recomendar esta de Conducts Ensemble bajo la dirección de Andoni Sierra, que a su vez redacta el excelente libreto del disco. Un factor es la hermosa pareja de sopranos contrastantes de Jone Martínez - Lucía Gómez, tal vez como un oboe y un violín, que tienen una combinación deliciosa en sus dúos. Toda la creación musical es controlada, seria y bellamente adaptada a las dimensiones internas de cámara de la música sacra de Buxtehude. El sonido es brillante y claro pero sin perder la sensación de intimidad, también es muy bueno. La sensación de lugar y tiempo es convincente. El canto fusionado con el instrumental, es de tal calidad  que deja una actuación profundamente conmovedora y maravillosamente musical  que te debes a ti mismo escuchar la obra maestra coral de Buxtehude al menos una vez, en completo silencio y dejarte llevar por la belleza que emana la partitura. 

Luis Suárez

lunes, 23 de mayo de 2022


GERMAINE TAILLEFERRE (1892–1983) HER PIANO WORKS, REVIVED • 1. NICOLAS HORVATH, piano

GRAND PIANO GP891 · 83' · DDD · *****R

“El Grupo de los Seis” contiene una serie de compositores franceses atrevidos e innovadores que da como resultado una interesante combinación de estilos, técnicas de composición y escritura pianística,  de cámara, escénica, sinfónica... Germaine Tailleferre es mejor conocida por ser la única mujer miembro del grupo francés de compositores conocido como Les Six, junto a Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc. Aunque fue una compositora prolífica, hasta hace poco poco de su música se interpretaba con regularidad, e incluso ahora se están redescubriendo obras olvidadas. Tailleferre (1892-1983) estudió en el Conservatorio de París a pesar de la oposición de su padre a una carrera musical. En 1913, conoció a Auric, Honegger y Milhaud en la clase de contrapunto de Georges Caussade, y desde alrededor de 1916 estos cuatro compositores aparecieron juntos en programas de conciertos en lugares no convencionales en Montparnasse, muchas salas de conciertos tradicionales estaban cerradas debido a la guerra. Muchos de estos conciertos se dieron en conjunto con lecturas de poesía y exposiciones. El erudito Jean Cocteau se posicionó como portavoz del grupo, publicando el polémico ensayo "Le Coq et l’Arlequin" (1917) en el que promovía a Satie como modelo para los jóvenes compositores, y el grupo fue bautizado en 1920 por el periodista Henri Collet. La música de Tailleferre se programaba a menudo en París en las décadas de 1910 y 1920, y su estilo musical, que combinaba el neoclasicismo con ingenio y energía, puede compararse con el de Poulenc y Milhaud. Tailleferre aportó muy poco a la polémica de Les Six tal y como se publicó en la revista Le Coq, que duró sólo cuatro números. Era amiga de Ravel y lo visitaba en su casa de Montfort l'Amaury (en su casa aún se exhibe un sofá de porcelana en miniatura que fue un regalo de Tailleferre), y sin duda se habría sentido incómoda con las críticas a este compositor en Le Coq. Cocteau fue condescendiente con ella, describiéndola como 'une Marie Laurencin pour l'oreille' ('una Marie Laurencin para el oído') más parece porque ambas artistas son mujeres que porque hay paralelos reales en su trabajo. Esta marginación al recurrir a declaraciones basadas en el género en lugar de comprometerse con el trabajo de un artista creativo fue tristemente característica de este período.  Más tarde en la vida, la academia francesa y el gobierno la colmaron de honores. Entonces, ¿por qué casi nunca conocemos sus obras y por qué su discografía disponible es tan escasa? Tenía más de 300 composiciones, desde música de cámara hasta sinfonías, piezas cinematográficas e incluso óperas. Les Six se rebeló contra los estilos formales y extendidos europeos actuales y buscó un nuevo idioma francés reconocible. Aquí ejemplos de partituras que nunca se publicaron y existen solo en forma manuscrita. Por lo tanto, esta serie de álbumnes es doblemente importante. 

El lenguaje musical de Tailleferre es notablemente consistente a lo largo de su carrera. Su profunda formación en armonía clásica es evidente en sus ediciones de obras del siglo XVIII de compositores italianos y franceses. Pero sus obras originales combinan un clasicismo esencial con giros distintivos del siglo XX. A menudo crea ambigüedad tonal o armonía bitonal al superponer dos o más ostinati o pasajes escalares diferentes, y combina material tonal clásico sencillo con armonía compleja. El manejo de Horvath de este repertorio es impresionante por su sutileza; incluso cuando se requieren elementos de percusión, el tono básico de su piano nunca es agresivo, manteniendo una hermosa redondez. Su trabajo de pedales también es soberbio, las pizas, tanto inéditas como no de Tailleferre son verdaderas revelaciones, que siguen insinuando a Faure y los primeros Debussy, pero también muy originales. Esta colección de niniaturas de apertura, salvo por "Bajo la Muralla de Atenas" (obra de nada menos que quince minutos de duración,  es sacompñada por grupos de piezas adicionales breves singulares, con todos los aspectos destacados ya citados de composición, interpretados con un afecto conmovedor. Sus obras son cortas, ligeras pero profundas, apasionantes y sustanciales. Este es un registro inmaculado de la gran música francesa. Un programa fascinante, muy bien planeado, con una excelente actuación que cumple con los mejores estándares técnicos de la firma rescatadora de partituras, lo que lo convierte en un lanzamiento muy prometedor y deseable.

Luis Suárez 


miércoles, 11 de mayo de 2022


George Axiotis. Orchestral Works. New Festival Opera-Symphony Orchestra Sofia. Byron Fidetzis, conductor.

NAXOS 8574353 · DDD · 77' · ****R

Más que intersante integral del desconocido compositor griego Axiotis, que nació en Mariupol, Ucrania, en 1875. Su padre era Panagiotis Axiotis de origen micónico (1840-1918), quien se dedicó al comercio de cereales en Rusia y adquirió una enorme fortuna, pero al mismo tiempo también fue un notable escritor de cuentos y traductor de obras literarias rusas. Su madre fue Melpomene Patuna de Constantinopla. La familia abandonó Rusia y se instaló en Atenas en 1887. El abuelo de G. Axiotis fue Alexander Axiotis de Constantinopla, uno de los pioneros de la Revolución griega y, posteriormente, político. Se matriculó en la Facultad de Derecho (probablemente en 1892), donde estudió durante tres años, mientras que al mismo tiempo comenzó a estudiar música en Grecia con el renombrado compositor sirio Ludovic Spinellis. Luego, entre 1895  y 1901, estudió en el Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles, institución bien conocida por varios compositores jónicos, donde recibió un diploma y una mención de honor. Estudió junto a su amigo George Lambelet, con el maestro más estimado de la época, Paolo Serrao. Regresó a Grecia y se convirtió en director del Conservatorio del Pireo con Lambelet como asistente. Juntos, publicaron el único volumen de la revista "Kritiki", a través del cual apuntó a la reforma de la educación musical en Grecia. Su primera esposa fue Kalliopi Vavari, de origen aristocrático, con quien tuvo a Melpo, su hija, una reconocida escritora. Se divorciaron en 1908 y en 1909 Axiotis se casó con Maroulina Grypari, hija del político Ioannis Gryparis, con quien tuvo dos hijos más, Panagiotis (Panagos) y Froso. En 1915, se convirtió en presidente de la comunidad de Mykonos durante seis meses.

Mucho se ha discutido el caso de Axiotis y, sobre todo, las razones por las que se retiró de la actividad musical de su época. Parece que, como pionero de la crítica «vigorosa» en Grecia, con «objetivos específicos de reformar la educación musical», provocó graves reacciones y desaprobaciones que entorpecieron su carrera. Se opuso al actual sistema de enseñanza musical del Conservatorio de Atenas, bajo la dirección de G. Nazos, como muestra en su ensayo "Apo tin Istorian eis ta Pragmata". Sus puntos de vista se relacionan principalmente con el «status quo» del conservatorio, criticando fuertemente tanto los métodos de enseñanza del piano como los complejos libros de texto de armonía (Richter), que resultan en la «germanización» de todo el proceso. Además, según su hijo Panagiotis, estaba resentido con Kalomiris. Estas fuertes objeciones fueron perjudiciales para su "carrera" musical, provocaron reacciones y una guerra del statu quo musical, y contribuyeron a la decisión de retirarse y establecerse en Mykonos con su familia en 1905. Sin embargo, destacadas figuras musicales de la época «atribuyó su marginación exclusivamente a su peculiar carácter». Lavragas acusó a Axiotis de «falta de fuerza de voluntad», y Lambelet, refiriéndose a la primera representación pública de su obra, acoge «[...] con verdadera alegría la aparición del nuevo, y por su propia culpa, difunto luchador en el arena del arte». No se había publicado en vida ningún trabajo de Axiotis. Sus canciones, en especial, se conservan en colecciones privadas, mientras que el resto de su obra se encuentra en su gran mayoría sin fecha. Su obra permanece inédita, sin grabar hasta ahora y, en parte también sin interpretar.

Aquí se han rescatado sus obras para orquesta, al menos aquellas que se han podido "salvar de la quema". Su estilo posee una literatura verista en influencias, posiblemente de sus estancias de estudio en Nápoles. La lectura de Byron Fidetzis es animada y concentrada en los detalles descriptivos casi pictóricos, lejos del estilo germano que el compositor griego prefería esquivar, aunque sin llegar del todo a un estilo griego propio al uso. Esta grabación supone un gran hallazago enytre tan parco material existente que definitivamente merece más actuaciones. La paleta orquestal se desempeña bien en música completamente desconocida, y es probable que el álbum sea buscado por los devotos de la música mediterránea.

Luis Suárez 

miércoles, 27 de abril de 2022



 Tantalo. Varios autores. L'Armonia Degli Affetti. Alicia Amo, soprano. Carlos Mena, contratenor. Alessandro Urbano, director.

IBS CLASSICAL 132021 · DDD · 61' · *****

Imitar col canto chi parla' ('imitando en el canto al que habla'): ese ideal, expresado por Jacopo Peri en el prefacio de su puesta en escena de "Eurídice", presagia una verdadera revolución en la música vocal, comenzando por los experimentos, hacia fines del siglo XIX. El siglo XVI, de la Camerata florentina, un grupo de intelectuales y músicos dirigido por el conde Giovanni de' Bardi, que pretendía revivir el glorioso arte de la antigua tragedia griega. Según los relatos escritos, este último se cantaba o hablaba de tal manera que las palabras, aunque permanecían inteligibles en todo momento, se elevaban emocionalmente. Los integrantes de la Camerata querían romper así con la tradición del madrigal polifónico del Renacimiento y pasar a la monodia acompañada, recitar cantando, volviendo así a la preeminencia de la palabra como medio de transmisión de las emociones humanas, con la música, en adelante subordinada al habla, sirviendo para magnificarla y amplificarla. El conjunto suizo L'Armonia degli Affetti nos embarca con este disco en un viaje a la Italia de la Seconda pratica —o stile moderno, según Giulio Caccini—, término con el que Monteverdi describía una nueva música que progresivamente suplantaría casi todo lo establecido hasta la del incipiente siglo XVII. La nueva música así fue una de las premisas de compositores como Castaldi, Barbara Strozzi, Caccini, Jacomo Peri..., promoverían el desarrollo del bel canto gracias a la canción y al aria operística. la gemial grabación registra la producción de compositores representativos de un Barroco aún incipiente en lo musical, donde lo recitado y lo cantado conviven armoniosamente en una selección bien escogida y amena, que alterna piezas vocales e instrumentales: con piezas de Castaldi, Kapsberger o Dario Castello, donde lel ensemble liderado por Alessandro Urbano nos intercala intermezzos de un manera inteligente, en unas formas que aún serían monoritarias en el arte musical de la época. unos espléndidos Carlos Mena y Alicia Amo se reencuentran en este trabajo para conmover al oyente en un registro de primera calidad, alardeando de virtuosismo y expresividad por igual, donde la palabra se eleva hasta la aurora gracias a una técnica y calidez exquisitas. Asímismo se nos presentan en un duo en "Lov'adoro e non v'amo", de Nicolò Fontei Orcianese. Todo un conjunto de joyas que suponen un deleite donde los afectos y sentimientos no entienden de gustos o clases, sino que trascienden la época y el alma en la belleza conjunta de música y poesía.

Luis Suárez


WRANITZKY, PAUL. Orchestral Works, Vol.4. Das Waldmädchen (Ballet-Pantomime). Pastorale and Allemande. Czech Chamber Philharmonic Orchestra Pardubice. Marek Štilec, conductor.

NAXOS  8.574290 · DDD · 72' · *****

Los compositores del siglo XVIII salen de la oscuridad, se agregan a las colecciones de fanáticos y especialistas, y todos los los recibimos con una agradable escucha. El proyecto Paul Wranitzky de Naxos, de la Orquesta Filarmónica de Cámara Checa Pardubice y el director Marek Štilec llega a la cuarta entrega, basándose en el ballet. Paul Wranitzky tocaba el violín y también era versado en el órgano. Cuando estudió teología en el seminario de Viena, también continuó estudiando música y se convirtió en el director de coro del seminario durante el curso de sus estudios. Lo más probable es que Wranitzky estudió con Haydn y Kraus mientras estaba en el seminario. En 1785 fue nombrado director musical del Príncipe Esterhazy y se convirtió en su director de orquesta en 1790. Las composiciones de Wranitzky incluyeron la ópera "Oberon", más de cincuenta sinfonías y varias obras de cámara. Tanto Beethoven como Haydn lo preferían para dirigir sus obras sobre otros músicos y, de hecho, dirigió la interpretación en Viena de "La creación" de Haydn y el estreno de la "Primera sinfonía" de Beethoven. Las sinfonías de Wranitzky fueron claramente compuestas en estilo clásico con cuatro grandes movimientos. En su música para Oberon, que fue la pieza exitosa y popular entre el público, pudo capturar el misterio y el estado de ánimo del escenario. No fue hasta "Oberon" de Weber en 1826 que ninguna otra ópera la superó en popularidad. Escribió 45 sinfonías y fue prolífico, tenía talento para las obras programáticas y se ve en el ballet-pantomima "Das Waldmädchen (La doncella del bosque)" que se estrenó en el Kärntnertortheater de Viena el 23 de septiembre de 1796, después de una obra de teatro en un programa de doble cartel. La coreografía estuvo a cargo de Guiseppe Traffieri y la música de Paul Wranitzky. Convirtiéndose rápidamente en un favorito de la audiencia, el ballet se representó más de 130 veces en los años siguientes. Tanto la historia encantadora como la partitura melodiosa y lírica de Wranitzky capturaron la imaginación del público vienés. Una novela inspirada en la trama apareció en 1799 y rápidamente se pusieron a disposición arreglos de la partitura para diferentes conjuntos de cámara. Especialmente la danza rusa, una variante de Kamarinskaya, inspiró conjuntos de variaciones de varios compositores, siendo los más famosos los de Beethoven (12 variaciones, WoO 71). Sin complicaciones, pero lleno de encanto, presagia muchos de los ballets románticos del siglo XIX.

La emperatriz María Teresa (1772–1807), segunda esposa de Francisco II, fue una importante mecenas musical en Viena a principios del siglo XIX. Como una de sus compositoras favoritas, a menudo se le pedía a Wranitzky que proporcionara composiciones para las celebraciones de la corte, así como para sus veladas musicales privadas. La "Pastorale y Allemande" es una de las muchas obras de Wranitzky que sobreviven exclusivamente en su colección. Una pastoral rústica, que imita hábilmente el sonido de la zanfoña, enmarca una Alemanda bailable.

El director Marek Štilec está atento al ingenio y originalidad en la música, y la orquesta toca limpiamente. Como ya ocurriera en los anteriores álbumnes en su conjunto hace que uno quiera escuchar más del trabajo de Wranitzky, y su recuperación dentro del mundo de la música va en serio gracias a iniciativas como ésta.

lunes, 25 de abril de 2022


Colin, Charles. Maitena. Miren Urbieta, soprano. Mikeldi Atxalandadabaso, tenor. Marifé Nogales, mezzosoprano. José Manuel Díaz. Fernando Latorre, bajo. Javier Tomé, tenor. Sociedad Coral de Bilbao. Bilbao Orkestra Sinfonikoa. Íker Sánchez Silva, director.

IBS CLASSICAL 152021 · DDD · 98’ · *****R

Pastoral lírica vasca en dos actos representada por primera vez en el Teatro Campos Eliseos de Bilbao el 29 de mayo de 1909 por la Sociedad Coral con gran éxito de público y crítica. En ella se mezcla la música, tipo opereta o zarzuela (aunque no se puede denoninar así) el verso y la prosa que aquí no aparecen grabados, solo las partes musicales. La escena se localiza en el caserío Mendiburu, en plena naturaleza de Lapurdi. Su dueño, el labrador Piarrés, quiere casar a su hija Maitena con Ganich, un joven de buena posición que también la ama. Sin embargo, el corazón de la joven se corresponde con el del pelotari Domingo, hijo de Chirol, un hombre de mala reputación. Los enamorados, contrariando los deseos paternos y dejando a Ganich desolado, deciden instalarse en Buenos Aires donde una carrera profesional de éxito está esperando a Domingo. Sin embargo, tras cinco años en América, Maitena (que se gana la vida como costurera tras haber perdido a su marido y único hijo) decide regresar a su tierra natal. Una vez en casa descubre que su padre la sigue repudiando y decide marcharse hasta que en el último momento recapacita y le pide que se quede sellando su unión con Ganich, quien nunca había olvidado a Maitena.

A comienzos del siglo XX la Sociedad Coral de Bilbao estrena diversos encargos emitidos a relevantes compositores vascos con el objetivo de crear un repertorio lírico en euskera. Entre los más representativos trabajos de este género destacan los trabajos de Jose María Usandizaga, Charles Colin, Santos Intxausti y Jesús Guridi con títulos como “Mendi-Mendiyan”, “Maitena”, “Lide ta Ixidor” y “Mirentxu”. Se tiene en agenda seguir recuperando los tíulos citados, como anuncia el director artístico del proyecto, Rubén Fernández Aguirre.  La ópera nacional vasca es una de las grandes desconocidas para el público. Para su redescubrimiento y reivindicación se ha comprometido la Sociedad Coral de Bilbao con el proyecto Euskal Opera del que forma parte esta primera grabación mundial para el sello IBS Classical de “Maitena”. Obra del compositor vasco-francés Charles Colin (además artista multidisciplinar y juez de paz) y del libretista Étienne Decrept. Es indudable que la música vasca ha tenido dos de sus más grandes baluartes en las figuras de los coetáneos Jesús Guridi y José María Usandizaga, autores de gran renombre cultural, al margen de sus inmortales creaciones para el teatro lírico español, de óperas netamente vascas. Al margen de ello, “Maitena” es considerada por los estudiosos como una de las primeras óperas vascas, fruto de esa corriente de nacionalismo y búsqueda de las raíces folclóricas de la región. Precisamente ese folclore estilizado mediante melodías sencillas y populares es el que vuelca Charles Colin en sus pentagramas, haciendo cantar a los seis personajes de una nostálgica historia rural mayormente en formas estróficas en ese euskera identitario. Obra pastoral con un melodismo mitad a la italiana mitad a la francesa en el que resuenan ecos de Verdi en cuartetos y tercetos, o aquella sutileza instrumental de la ópera francesa decimonónica de Bizet y Gounod, pues el trabajo orquestal es uno de los grandes atractivos de la obra, al margen de toda pirotecnia y prescindiendo de todo wagnerianismo, para bien o para mal, según se mire. Un Iker Sánchez Silva al frente de la BOS en estado de gracia, donde  todos los intérpretes vocales asímismo son dignos de elogiar, con una Miren Urbieta en plenitud de facultades dramáticas, además de unos destacod Mikeldi Atxalandabaso, Marifé Nogales y José Manuel Díaz. Se echa en falta, a veces, las partes habladas para seguir el argumento, sobre todo en un libreto original y traducido. No obstante la trama es sencilla y se puede seguir facilmente tal y como está grabado el conjunto. Que siga la función, y el proyecto.

Luis Suárez

lunes, 18 de abril de 2022


THE GUERRA MANUSCRIPT,  Vol. 6. ARS ATLÁNTICA. Lidia Vinyes-Curtis, mezzosoprano. Manuel Vilas, harp and conductor. 

NAXOS 8.574390 · DDD · 68' · *****R

El "Manuscrito de Guerra" es un importante código musical copiado por el noble y escribano José Miguel de Guerra y Villegas para la capilla real de Carlos II de España hacia 1680. El manuscrito, Ms 265 en la Real Universidad de Santiago de Compostela, solo fue analizado en su totalidad, editado y publicado en 1998. Contiene 100 tonos humanos para vox y continuo. Muchas de las canciones existen en otras fuentes, como extractos de zarzuelas, y se puede identificar a los compositores. Entre los mismos se encuentran el compositor senior de teatro y maestro de capilla real Juan Hidalgo, José Marín, Cristóbal Galán, Juan del Vado, Matías Ruiz y el entonces joven arpista Juan de Navas.

El volumen final de esta serie aclamada por la crítica presenta las últimas 18 de las cien magníficas y variadas obras vocales seculares contenidas en la colección. Siete de estos tonos (canciones profanas españolas), cinco de las cuales fueron escritas para el escenario, son de Juan Hidalgo, uno de los principales compositores del barroco español. Se ha tenido mucho cuidado en el uso de la instrumentación históricamente informada de las cuerdas pulsadas y especialmente el arpa, trayendo vívidamente a la vida la época dorada de la composición española del siglo XVII. Naxos ha emprendido la grabación de todas las canciones de este importante documento, y  este volumen de la serie está interpretado magistralmente por Lidia Vinyes-Curtis, mezzosoprano y el conjunto Ars Atlántica, que está integrado por su fundador y director Manuel Vilas, tocando el arpa barroca española. Es un grupo excepcionalmente atractivo de canciones que son ricamente melódicas, armónicamente directas y descaradamente emocionales. Las canciones evitan la escritura vocal florida característica de la escritura vocal italiana del barroco medio en favor de un estilo más simple más típico de las canciones francesas de la época. Una parte de ellas son anónimas pero otras son del compositor Juan Hidalgo. La mayoría tiene un carácter terrenal, folklórico, y muchas tienen un impulso rítmico que las identifica como claramente españolas, como la vivaz "Jilguerillo que al alba saludas" de Hidalgo. La mayoría de las canciones tratan sobre el tema del amor, ya sea celebrando sus alegrías o lamentando su pérdida. Vinyes-Curtis tiene una voz agradable y una entrega sin modales que se adapta bien al material, y Vilas toca con una energía contundente que mantiene la atención del oyente animada en todo momento. Así se recomienda volver a recorrer todos los volúmenes anteriormente editados para el el disfrute total. Recomocimiento al sueño cumplido de Manuel Vilas. 

Luis Suárez