Mahler, Gustav. Sinfonía nº9. Minnesota Orchestra. Osmo Vänskä, director.

BIS 2476 · DDD SACD · 81’ · *****

Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota continúan su brillante recorrido por las sinfonías de Gustav Mahler con la Sinfonía n.º 9, penúltima entrega de producción compositiva en el género. Vänskä y la orquesta se encuentran entre los mejores exponentes de la música de Mahler y sus interpretaciones compiten con las mejores grabaciones, pasadas y presentes. La interpretación aquí es intensamente enfocada y absolutamente cautivadora, y la ejecución es apasionada e inquietantemente vívida en el formato multicanal, por lo que los oyentes que adoraron las excepcionales versiones analógicas de Solti y Tennstedt o las modernas grabaciones digitales de Abbado, Tilson Thomas y Pappano pueden estar seguros que la versión para audiófilos de Vänskä tiene la misma calidad.

Esta es una excelente Novena de Mahler; Osmo Vänskä a menudo hace que las voces internas se vuelvan perturbadoras, pero convence a las cuerdas para que suenen tanto dulces como espeluznantes en su uso intensivo del portamento; y es escrupuloso en extraer casi hasta el último detalle significativo en este trabajo monumental. Desde la apertura completamente silenciosa y siniestra, hasta las trágicas páginas finales, esta lectura es caleidoscópica al capturar el rango emocional oscuro y sardónico. El final se presenta con el sentimiento necesario de lucha desesperada y finalmente resignación pacífica; y en el primer movimiento, después del clímax aplastante, ya que la música deshilachada pero hermosa lucha por mantener la compostura pero sufre otra derrota. Los movimientos internos resultan tan impresionantes como los trágicos exteriores, también, con un poco más de peso de lo habitual en el Scherzo. No es de extrañar que la Orquesta de Minnesota responda de manera asombrosa, superando todos los desafíos técnicos. Entiende completamente el estado de ánimo torturado de Mahler aquí: angustiado y desesperado en esta música, el compositor estaba fracasando debido tanto a una grave dolencia cardíaca como a su miedo irrazonable al número nueve. Los directores, entonces, deben transmitir mucha pasión y desesperación, y Vänskä proporciona ambas, pero sin sonar tan neurótico como, digamos, el igualmente convincente de otras grabaciones como la be Bernstein. El sonido es excelente y las notas de libreto son esclarecedoras.

Luis Suárez

 

Danny Elfman: Violin Concerto “Eleven Eleven”. Adolphus Hailstork: Piano Concerto No. 1. Sandy Cameron, Violin. Stewart Goodyear, Piano. Buffalo Philharmonic Orchestra. JoAnn Falletta, conductor.

NAXOS · DDD · 65’ · *****

El compositor estadounidense Danny Elfman (nacido en 1953), que ya compuso partituras para más de 100 películas, incluida Pee-Wee's Big Adventure y la mayor parte del equipo de Tim Burton (sin mencionar el tema de Los Simpson). También fue el cantante principal de la banda de rock Oingo Boingo. A pesar de este impresionante historial, se apoderó de él más o menos espontáneamente del deseo de escribir música orquestal abstracta, y este ya indispensable “Concierto” le proporcionó los primeros Frutos exitosos del impulso. En términos generales, las incursiones en la música abstracta por parte de compositores de películas han arrojado resultados menos que impresionantes. Elfman, aparentemente ha conseguido un logro considerable desde el principio, como se puede ver también en varias grabaciones de la obra. El truco parece estar en que no descarta sus influencias cinematográficas. El “Concierto para violín "Eleven Eleven", llamado así porque su partitura contiene 1111 compases (y el propio nombre de Elfman contiene la palabra alemana para "11"), tiene varios momentos cinematográficos, pero también es impresionante en términos de forma general. Tiene cuatro movimientos de tamaño sustancial (no hay concesión alguna a la tendencia de longitud moderada de las obras cruzadas), y el diseño es inusual, con movimientos neorrománticos exteriores flanqueando a los centrales más disonantes. Lo más sorprendente de todo es la integración de Elfman del violín solo en su concepto general. Ciertamente, él ha escrito para violín solo antes en bandas sonoras de películas, pero la coherencia de la configuración de solo-tutti aquí es asombrosa si se considera que Elfman nunca antes había intentado algo como esto. Parte del éxito se debe a la violinista Sandy Cameron, para quien fue escrita la obra; claramente se ha tomado el tiempo de conocerla bien, y sus presentaciones en vivo de la obra prometen mucho. Pruebe el final, que comienza con un vigor travieso similar al de Shostakovich, luego se desanima gradualmente y termina en una melancolía en toda regla. El concierto está lleno de efectos orquestales inusuales (como golpes de contrabajo de percusión) que uno esperaría de Elfman.

En contraste del disco nos encontramos con una obra desconocida, que no por ello menos atractiva, de la música del compositor Adolphus Hailstork (nacido en 1941), su “Concierto para Piano nº1” que tiende a reflejar su herencia afroamericana no en la cita directa de material melódico o rítmico sino en la elaboración estructural de características comunes en la tradición. Hailstork es un conservador estilístico cuya música ampliamente atractiva incorpora una gran cantidad de artesanía, y esta obra bajo la dirección de JoAnn Falletta, ofrece una buena introducción a su trabajo. El pianista Stewart Goodyear tiene una habilidad inusual para combinar el repertorio tradicional y el contemporáneo.  Con actuaciones vivaces, que reúne música diversa de una manera nueva y absorbente, esta es otra entrega indispensable en la serie American Classics de Naxos.

Luis Suárez

György Ligeti. Quartets nº1 & 2. Andante and Allegro. Quatuor Diotima.

PENTATONE 5187061 · DDD · 54’ · *****

György Ligeti dejó dos cuartetos de cuerda propiamente dichos; el nº1, subtitulado "Metamorphoses nocturnes", fue escrito en 1953-1954, pero no se escuchó hasta 1957 cuando lo interpretó el Ramor Quartet en Viena. Esta obra se esperaría alrededor de otras tres décadas antes de obtener una segunda audiencia, pero desde entonces ha sido grabado muchas veces. El nº2 es obra muy famosa perteneciente plenamente a la etapa de madurez de Ligeti; fue encargado por el Cuarteto La Salle y se escuchó por primera vez en Baden-Baden en 1969. El “Andante y el Allegretto”, campechanos, casi románticos, llamados en otros lugares "Dos movimientos para cuarteto de cuerdas", son obras muy tempranas de Ligeti que datan de 1950.

El Quartuor Diotima es un cuarteto intrépido, bien disciplinado y sumamente confiado. La música de Ligeti parece apelar a la impetuosidad del grupo y tiene una cantidad más que suficiente de músculo, autocontrol y sensibilidad para dominar estos cuartetos altamente dinámicos y desafiantes del siglo XX. El “Segundo Cuarteto” es particularmente difícil; hay un punto en el primer movimiento Allegro nervoso donde el cuarteto ya está muy ocupado tocando figuras rápidas a un nivel de sub-pianissimo y tiene que cambiar, en el aviso de una mera línea de compás, a fortissimo sin cambiar esencialmente las notas que se están tocando. Interpretan este audio equivalente a un corte de salto cinematográfico en una horquilla, y toda la música está completamente bien explicada sin complicaciones, sin desorden, con precisión experta y con un considerable talento para el drama. Asimismo aportan el mismo nivel de cuidado y atención a todo el programa, incluso a los más sencillos y modestos “Andante y Allegretto” que sirve de intermezzo al álbum. Grandes ejemplos de la producción de uno de los mejores compositores del Siglo XX y de todos los tiempos.

Luis Suárez

 

 

Mahler, Gustav. Sinfonía nº5. Orquesta Sinfónica de Montreal. Rafael Payare, director.

PENTATONE 5187067 · DDD · 74’ · *****

De nuevo la que es probablemente la obra más popular de Mahler, esta vez con el debut discográfico del director venezolano, Rafael Payare al frente de la Orquesta Sinfónica de Montreal. Los fanáticos del compositor bohemio – austriaco y estudiantes de esta pieza pueden querer escucharla seriamente, ya que el director obtiene una respuesta entusiasta de sus intérpretes. Los metales son especialmente dignos de elogio, ya que muestran una impresionante variedad de timbres. Los instrumentos de viento de madera y cuerdas transmiten completamente en los pasajes más suaves del "Trauermarsch" y el segundo movimiento. Toda la orquesta está a la altura de las circunstancias en el Scherzo y sus colores siguen siendo distintivos y vívidos para los movimientos restantes de la sinfonía. Le da al Adagietto un ligero ritmo de movimiento, aunque la amplitud de este movimiento ardiente se sostiene de manera convincente a través de las líneas suaves e ininterrumpidas de las cuerdas. El Rondo-Finale es el punto culminante de este disco, y el tour de force contrapuntístico de Mahler se entrega con claridad y vitalidad.

Payare se destaca como un intérprete original y perspicaz de Mahler, dirige con seguridad y emoción, capturando las sonoridades de la orquesta vívidamente. Otra versión más para la larga colección.

Luis Suárez

 

Mahler 4 – Sinfonía nº4, versión de càmera. Camerata Gala (Fundación Antonio Gala) Raquel Lojendio, soprano. Alejandro Muñoz, director.

IBS CLASSICAL 142022 · DDD · 62’ · *****

De las sinfonías de Gustav Mahler, la “Sinfonía nº 4” en sol mayor es la de carácter más neoclásico, la expresión más alegre y la forma más compacta, todo lo cual la convierte en la más accesible del ciclo. Debido a que los efectos de Mahler están calculados con precisión, la música invita a pocas libertades, y las interpretaciones de la sinfonía tienden a ser bastante similares en estilo y ritmo; en consecuencia, Alejandro Muñoz y la Camerata Gala ofrecen una interpretación meticulosa que se parece a muchas otras en la interpretación y no genera controversia en la ejecución. La única ventaja de esta grabación sobre otras de valor musical comparable es la maravillosa calidad de sonido, que son especialmente buenos para resaltar la brillante re-orquestación de Carlos Domínguez-Nieto y capturar los timbres y la dinámica refinados de la orquesta de cámara. El canto de la soprano Luba Raquel Lojendio en el cuarto movimiento también se presenta con gran claridad y calidez, por la belleza del canto, la profundidad sonora del conjunto y la sutileza de la dirección, esta es una excelente grabación.

Debido a la gran cantidad de grabaciones de la obra no exactamente una necesidad, al menos un interés en escuchar la obra nuevamente en formato original. A la cálida expresividad y la interpretación de la Camerata se une la excelencia técnica de su interpretación, tan amorosa como lúcida, siempre un buen equilibrio en Mahler interpretado con una alegría, un entusiasmo y un espíritu de asombro deliciosos.

Luis Suárez

 

Poesía musical flotando en la sala

24/03/2023 – Auditori Josep Carrerras, Vila-seca - Tarragona

David Alegret, tenor. Rubén Fernández Aguirre, piano. Obras de distintos autores sobre poemas de Josep Carner.

Destacado proyecto discográfico ya premiado en varias ocasiones, del tenor catalán, David Alegret y el pianista vasco, Rubén Fernández Aguirre, en un género que dominan plenamente, sobre canciones basadas en poemas de Josep Carner compuestas por destacados miembros del panorama musical catalán de los dos últimos siglos. Desde el modernismo hasta las últimas generaciones, como es el caso de Joan Magrané, presente en el acto, pasando por diferentes tipos de estilos, como el tonal de Eduard Toldrá, Antoni Parera o Ricard Lamote de Grignon, hasta tendencias más vanguardistas. Intermedios pianísticos a cargo de Fernández Aguirre, con piezas de Felipe Pedrell y una propia “Paráfrasis sobre El Caserío”, de Jesús Guridi, marcaron los descansos del programa de mano. Otros lieder de Albéniz, Zamacois, Blancafort…, llenaron un generoso recital cercano a las dos horas. De nuevo la acústica del recinto es parte del éxito del mismo.

El homenajeado es Josep Carner, nacido el 9 de febrero de 1884 en Barcelona, cuya figura como poeta está vinculada al Novecentismo, movimiento cultural al servicio del proyecto nacional de la burguesía catalana que tuvo su máximo ideólogo en Eugeni D'Ors y que, en el orden lingüístico, propició la normalización de un catalán literario y estandarizado. Por su contención y exigencia en el manejo de la lengua y el estilo, Josep Carner ha sido señalado como el autor de mayor riqueza idiomática de la literatura catalana y como uno de los mejores escritores catalanes de todos los tiempos. Su primer poemario, "Llibre dels poetes (1904)", refleja aún la influencia modernista, pero los siguientes, "Primer llibre de sonets (1906)" y sobre todo "Els fruits saborosos (1907)", marcan ya plenamente el comienzo del noucentisme y sus cánones literarios: los dieciocho poemas relacionan las etapas de la vida de la mujer con diversos frutos, cuyas medidas, colores y texturas ejemplifican la condición humana, a través de temas triviales (como el de un ama de casa bebiendo limonada) que el autor estiliza, entre otros recursos, mediante los nombres grecolatinos de los protagonistas, y construyendo un retablo ideal y urbano que rememora, en tonos suaves, irónicos y optimistas, el sueño clasicista de la mediterraneidad. Falleció en 1970.

Alegret y Fernández Aguirre demuestran su gran musicalidad y compenetración, interpretando en un abanico amplio de modelos, desde el temperamental y deliberado, con destellos aquí y allá de anhelo romántico o suspiros de melancolía. La expresiva voz de Alegret posee una modulación ejemplar, capaz de expresar emociones con cambios sutiles de inflexión o usar todo el poder del idioma catalán (e italiano en el caso de Albéniz) para vincular el mismo a la gran calidad poética del texto a la parte musicada de una manera perfecta. El dúo le da a cada canción su propio matiz y carácter que atrae al oyente a su mundo, en lugar de montar un mero espectáculo global. El resultado es simplemente hermoso de escuchar, con una variedad de emociones y personajes que parecen captar con facilidad. Desde la pieza llena de energía, en contraste con la sensación majestuosa y el registro más bajo enfatizando calidez la ternura que es introspectiva y adecuada fluyendo la música de una pieza a otra con la ilusión de parecer interpretar sin esfuerzo. Seguramente esa es la marca de unos grandes artistas. Es tan contagioso que parece terminar prematuramente, dejando al oyente con ganas de más.

Luis Suárez

El sonido salvaje de los años 20’s. Obras de Ernst Toch, Kurt Weill, Bèla Bartok, Ernst Krenek. Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

BR KLASSIK · DDD · 70’ · ****

Ya lo dice el nombre, la loca y luego prohibida música de la década alemana de los años 20 del pasado siglo XX, luego silenciada por el Régimen Nazi. Autores exiliados en los E.E.U.U., grandes compositores atrevidos, orquestadores excelentes. Ingeniosos, modernistas musicales dentro de la tendencia de la República de Weimar… Solo Ernst Toch hubo regresado a Viena de su exilio en las resecas colinas de Hollywood. Sus “Danzas” en miniatura instrumental, Op.30, son piezas cortas y concisas que abundan en efervescencia y coloratura, que parece recordar los sentimientos nostálgicos de Toch sobre la Europa que conoció antes de que la Alemania de Hitler lo obligara a abandonarla.

Otra apuesta son las “Siete Canciones Medievales” de Kurt Weill para coro. Esta obra, al parecer, es una combinación perfecta de timbre de voz y sonido deseado por el compositor, hermosa combinación de tono y color. Es el tono pesado, formal y sombrío de la música lo que combina tan perfectamente con el coro, que sigue con “Tres Coros Mixtos a Capella, Op.22” de Ernst Krenek compuso entre su juventud idealista en Alemania en 1923, antes de un exilio más amargo en los E.E.U.U., que bien puede representar lo mejor que Krenek tiene para ofrecer en términos de música coral alternado con secciones tonales o atonales "libres".

El epílogo de la grabación es la “Suite de danzas para orquesta, Sz.77” de Bartok, brillantemente dirigidas con el mejor sonido posible en expresión, tempo y ritmo general, con muchos de los finos detalles de fondo, con las dimensiones y los colores completos de la orquesta.

Las obras protagonistas son interpretadas fabulosamente bien, como si fuera por un largo conocimiento y afecto por las partituras, fuertes, nítidamente delineadas y tomadas a un ritmo vertiginoso o pausado, según las exigencias de cada partitura. Toda la música es fácil de entender y puede atraer a los oyentes que gustan de la música tardía y más desafiante de aquellos locos y fascinantes que una vez a la fuerza se fueron.

Luis Suárez