Sor, Fernando. Variations. Christian El Khouri, guitar.

DYNAMIC CDS7949 · DDD · 71’ · ****

Abundan las grabaciones e interpretaciones de la “Introducción y Variaciones sobre un tema de Mozart para guitarra op. 9”, de este virtuoso hispano ilustrado huido a Inglaterra a principios del siglo XIX. Sor fue una especie de celebridad en su época, no un extremista estético como Paganini, sino un maestro impecable de su instrumento con una gran colección de sus propias composiciones a mano para demostrar su técnica. Fernando Sor tomó nota de las cualidades de su instrumento y adaptó su música a la medida. El formato aquí expuesto de la variación es un fiel ejemplo de ello. En una extensa y generosa grabación, pasamos de las reconocidas mozartianas citadas, para empezar el suculento pastel, a terminar con las también celebres dedicadas a la melodía “Mambrú se fué a la guerra, op.28”. En todas las colecciones vemos como Sor alterna con eficacia elementos sombríos y sentimentales, como el aroma del teatro de ópera y música de salón parisino, y que utiliza ampliamente los efectos del timbre y posibilidades armónicas de la guitarra clásica. Estas piezas se encuentran entre las mejores composiciones de Sor y, el milanés El Khouri las maneja con sensibilidad y transmite una palpable sensación de entusiasmo por el descubrimiento que se irradia a través de la excelente calidad de grabación con maestría musical. Puede competir con cualquier disco de Sor en el mercado, con una ejecución técnicamente intachable y un programa que quizás se parece al que el propio Sor podría haber elegido. La condición de mero “set de variaciones” se amplían hasta convertirse en algo así como una fantasía, como en el caso de “Les Folies d’Espagne avec Variations et un Menuet Op. 15ª”. Recomendado para entusiastas de la guitarra o simplemente como una introducción a Sor, ya que la mayoría de las piezas aquí son elementos básicos de recitales de guitarra.

Luis Suárez  

 Edvard Grieg. Music for cello and piano. Daniel Müller-Schott, Cello. Herbert Schuch, piano.

ORFEO BR KLASSIK · C240221 · 65‘ · ****

Para algunos resultará una gran sorpresa que el catálogo de Edvard Grieg contenga música de cámara, bellas partituras no demasiado frecuentadas y de gran belleza: cinco sonatas: una para piano solo, tres para violín y piano, y una para violonchelo y piano. Dos Cuartetos de cuerda, el segundo inconcluso; y piezas sueltas. La “Sonata para violonchelo y piano en la menor, op. 36 (1883)”, es obra de un compositor ya maduro cuyas frustraciones y dificultades de con los géneros tradicionales (sonata, cuarteto de cuerdas, sinfonía y similares) están bien documentadas en sus cartas personales, el impulso dramático urgente y enérgico de la Sonata para violonchelo, así como el canto voluptuoso y satinado, han asegurado su posición como una de las tres o cuatro sonatas para violonchelo de finales del siglo XIX más queridas.

La Sonata para violonchelo consta de tres movimientos: Allegro agitato, Andante molto tranquillo y Allegro -- allegro molto. El tema de apertura del primer movimiento está tan lleno de sturm und drang como parece; su segundo brota con una calidez extraordinaria. Hay, bastante inesperadamente, una pequeña cadencia para el violonchelista a mitad del movimiento, justo antes de la recapitulación; uno no puede dejar de notar que cuando el pianista entra de nuevo, la música toma un tono ominoso y retumbante muy parecido al que se escucha en la cadencia del famoso primer movimiento del Concierto para piano. El movimiento lento está en un cálido fa mayor; a medida que el párrafo musical inicial da paso al segundo y tercer párrafo, queda claro que no todo es tan inocente y dulcemente lírico como sugeriría la encantadora melodía inicial. De hecho, hay una desesperación real en medio del movimiento. Después de una introducción tranquila, el largo final asume la forma de una danza de duendes de tonos oscuros que termina en un la mayor robusto. El conjunto se grandes obras de completa con una transcripción de la bella y enorme “Sonata en do menor, op. 45”, para violín y piano, escrita en 1887. En palabras de Rune J. Andersen, la pieza contiene "elementos universales y nacionales fusionados en algo profundamente personal y específicamente griegiano". Posee una gran dosis de elementos folclóricos noruegos y drama continuo. La música se detiene virtualmente en el movimiento medio (Allegretto espressivo) y el movimiento final devuelve el impulso o la pasión de Grieg para recuperar la atención dramática.

Este disco se completa con sus propias transcripciones de algunos de los bellos lieder del mismo compositor y el original y melancólico “Intermezo EG 115 en La Menor”. Los intérpretes se han sentido libres de mezclar y combinar piezas líricas que pueden crear fascinantes yuxtaposiciones entre obras. Demuestran que tienen una asociación maravillosamente unida y un conjunto totalmente comprensivo. Daniel Müller-Schott tiene un tono rico e intenso con una amplia gama de colores y matices, mientras que Herbert Schuch es un compañero completo con una técnica poderosa pero sutil y un sentido infalible del ritmo. Son pequeños grandes ejemplos del estilo de Grieg con una melodía pura. En manos menores, no saldrían de la categoría de salón, pero aquí lo hacen, y culminan un lanzamiento agradable de Grieg que tiene el verdadero espíritu de cámara. El sonido digital de Harmonia Mundi es claro, cálido y detallado.

Luis Suárez

 

Granados en La Habana. David Escribano, Joaquín Clerch, guitarras. Obras de Enrique Granados, Ignacio Cervantes y Ernesto Lecuona.

Barcode: 8 435383 · DDD · 50’ · ****

Cada cierto tiempo sale algún disco que es puro y absoluto placer para los oídos, y el repertorio del periodo romántico de Granados, junto con pequeñas muestras del pianista cubano Ignacio Cervantes y Ernesto Lecuona, es un cóctel perfecto perfecta para las transcripciones realizadas para guitarra del propio David Escribano e su mayor parte, y siendo respaldado a dúo por el guitarrista cubano, Joaquín Clerch, en algunas de las mismas, como la miniatura “A la Cubana” (1914), ya inmersa en el período Goyesco de su producción que se viera cortado por su temprana muerte, tantas veces rememorada. Los “Valses Poéticos y los Sentimentales” forman el grueso del trabajo, un conjunto de valses donde Escribano le da a cada uno su propio matiz y carácter. La tanda más famosa es sin duda la “sentimental”, donde está la brillante y soleada "Introducción"; el "Vals appasionado", que es tan inspirado melódicamente como una carta de amor; el elegante "Vals lento" parecido y el "Vals brillante", que transcurre con la guitarra dando una serenata al oyente… Es trabajo es simplemente hermoso de escuchar, donde se escucha una variedad de emociones y personajes que el guitarrista capta con facilidad. Cada acorde está lleno de energía, en contraste con las sensaciones majestuosas y los registros más bajos enfatizados. Es particularmente conmovedor escuchar cómo Escribano intenta meter en su instrumento toca la tensión tímbrica del piano original en los acordes, si bien no pudiendo hacernos olvidar la versión original, siempre con versiones como la de Alicia de Larrocha o Douglas Riva, pero obteniendo el deseo del oyente más de esto en otras piezas, quizás en un futuro proyecto. La calidez y la ternura de la guitarra se exhiben perfectamente en las piezas más sentimentales en la que es una introspectiva y adecuada interpretación donde la música fluye de una pieza a otra con la ilusión de tocar sin esfuerzo. Seguramente esa es la marca de un gran artista. Debemos recordar que Granados solo escribió originalmente una pequeña miniatura para guitarra, “Dedicatoria a mi Hijo Eduardo”. Quien sabe si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asimismo cruzado con Andrés Segovia…

A destacar la inclusión de uno de los principales compositores cubanos del siglo XIX, Ignacio Cervantes que nació en La Habana el 31 de julio de 1847 y murió en 1905. Es más conocido por su música para piano, y tenía una música de teclado más ligera e inspirada en el folk, tuvo una gran influencia en las composiciones de Ignacio. Cervantes realizó una gira por Estados Unidos componiendo series de Danzas Cubanas (contradanzas), su máxima obra reconocida, interpretada y grabada por muchos grandes pianistas.

Luis Suárez

 

Crusell, Bernhard. Clarinet Quartets. Carlos Casanova, clarinete. Valencia String Quartet.

IMM KLASSIK · DDD · *****

El compositor sueco-finlandés Bernhard Henrik Crusell, activo a principios del siglo XIX, ha recibido varias grabaciones después de décadas de oscuridad casi total. Revelan a un compositor que hizo algo original del lenguaje del clasicismo vienés tardío, vinculando los movimientos de sonata en expansión de Hummel, una influencia mesurada de Beethoven y toques de drama romántico (Crusell se ganaba la vida como músico de ópera) en estructuras de movimiento compactas. Los cuartetos de clarinete en este disco lo muestran en su mejor momento, con el clarinete en relieve de formas distintivas, pero sin pretensiones. Considere la primera pista, donde la introducción del adagio se toca solo con las cuerdas; entra el clarinete con el tema principal del allegro. Bastante simple, pero también inusual, y genera un impulso que Crusell maneja de manera experta a lo largo del movimiento bastante largo. El cuarteto n° 2 en do menor, op.4, es otra joya, un poco ortodoxo, con dos movimientos en Do menor estrechamente enrollados que rodean a los centrales más silenciosos, principalmente en Mi bemol; la “Pastorale”, es una hermosa pieza de calma que cualquier grupo de cámara podría aprender y reservar para un bis misterioso. El clarinetista valenciano Carlos Casanova y los músicos que lo acompañan del Valencia String Quartet, primeros músicos españoles (posiblemente) en abordar estas obras, son técnicamente impecables y hacen ni más ni menos música de la que realmente hay. El sonido digital es cálido, agradable y claro, ofreciendo una hora de música de cámara bien elaborada que cualquier oyente disfrutará, tanto por la calidad de la interpretación en sí como por el descubrimiento de estas joyas, injustamente dejadas, por muchos años, en el baúl de las partituras olvidadas.

Luis Suárez

 

Baroque and modern violín. Varios autores. Anna Urpina, violín. Eva Del Campo, clave. Alberto Rosado, piano.

IBS CLASSICAL 112022 · DDD · 53’ · ****

Nos encontramos ante un proyecto personal de la joven violinista catalana, Anna Urpina. De los programas de mano y las salas de concierto a plasmarlo en cd; así se podría definir un sueño hecho realidad. Un contraste entre los inicios de la forma clásica de la sonata y el incipiente despegue del violín como un instrumento de referencia, en los inicios del Barroco, hasta los “experimentos” compositivos del Siglo XX y XXI. Desde las “Sonatas” de Biber y Darío Castello, pasando por la forma libre de las “Fantasías” de Telemann y las “Variaciones sobre la Folia” de Corelli, intercalando el dodecafonismo de Webern, José Luis Turina, hasta la incipiente producción de Josep María Guix, finalizando con el más que célebre “Spiegel Im Spiegel” de Pärt. En definitiva, ell disco presenta piezas de cámara que abarcan la primera y la reciente época de la producción para el instrumento y contiene parte de la música más pionera hasta sonido experimental de vanguardia. Las obras barrocas son tempestuosas y brillantes e interpretadas con un sentido de lectura brillante y expresiva, así como fáciles de reconciliar con su época, pero también rebosan de una sensación de emoción y frescura. Los materiales de instrucción sobrevivientes de la época dejan claro que el violinista debe improvisar una gran cantidad de ornamentación, y aquí Urpina y Del Campo globalmente los solventan con éxito. Estas interpretaciones son claramente persuasivas. Ponen el foco directamente en el violín, que es donde pertenece en la música altamente solista que estaba destinada a probar los talentos del intérprete en el acto. Ambas parecen subir y bajar juntas en intensidad, produciendo la atmósfera de misterio que fue parte integrante de la imagen del violín durante mucho tiempo.

El atrevimiento de intercalar música barroca con la de Anton Webern puede a algunos oyentes resultar raro pero acertado. La intención es percibir de primera mano la evolución compositiva. La música escogida para tal efecto era nueva entonces, por lo que la mayor parte nunca se había grabado antes. Aunque estas obras, como el caso del dodecafonismo, todavía suena un poco angular, eso puede ser una inclinación interpretativa más que una técnica todo defecto. Lo más importante es que estas actuaciones son tremendamente musicales, suenan ligeras, a veces líricas, ingeniosas, expresivas… Y la mayor parte de estas obras están apasionadamente controladas, profundamente emocional y profundamente espiritual, como en el caso de Guix y Pärt. Todo ello bajo un sonido claro y nítido que ayuda a vislumbrar todas las posibilidades tímbricas y expresivas del cada instrumento.

Luis Suárez

 

Silvestrov, Valentín. Réquiem por Larissa. Priska Eser Sopran, soprano. Jutta Neumann, contralto.  Andreas Hirtreiter, tenor. Wolfgang Klose, bajo. Michael Mantaj, bajo. Chor des Bayerischen Rundfunks. Münchner Rundfunkorchester. Andres Mustonen Dirigent, conductor.

BR KLASSIK · DDD · 60‘ · ****

El compositor ucraniano, Valentin Silvestrov compuso “Réquiem por Larissa” entre 1997 y 1999 en memoria de su esposa, la musicóloga Larissa Bondarenko, fallecida en 1996. Es una obra grande e incesantemente sombría, escrita para coro y orquesta. Comprensiblemente, este Réquiem es hasta cierto punto reflexivo, incorporando temas musicales extraídos de obras más antiguas que tenían un significado especial para la pareja. Si bien aquí se evidencian los tempos típicamente glaciales de Silvestrov, parte de la mitad inicial de la pieza tiene un puntiagudo ángulo que recuerda las técnicas en serie sin involucrarse activamente en ellas. Instrumentalmente, la partitura es oscura, atmosférica e incluso un poco cinematográfico; las partes corales son escasas y mínimamente aplicadas. En Largo, el cuarto movimiento, las voces toman el relevo y se asientan en una textura etérea que suaviza un poco la penumbra, y algunos oyentes, después de llegar a la mitad de la obra ya se habrán desconectado debido a la tenacidad de la sección de apertura. “Réquiem por Larissa” es una pieza intensamente personal interpretada con respeto y cuidado por el coro y la orquesta. A pesar de lo agradables que son el compositor y la interpretación, es difícil ignorar la aparente impresión de que hay algo distante en la música. Definitivamente debería ser escuchado por aquellos que ya están en contacto con la música de Silvestrov; para otros que vienen a Silvestrov por primera vez y ésta, dados los acontecimientos actuales en la patria de Silvestrov y Larissa podría ser una excelente opción.

Luis Suárez

 

Amoroso. Nicole Peña Comas, violonchelo. Damien Lancelle, guitarra. Varios autores.

ARS PRODUKTION 38579 · DDD · 61’ ·*****

De nuevo la violonchelista, Peña Comas, nos presenta otra deliciosa colección de obras para violoncello y piano, en el segundo caso transcritas para guitarra por Damien Lacelle (pareja sentimental de la solista) en gran parte con autores desconocidos, virtuosos europeos compartiendo su experiencia musical, combinados por miniaturas de grandes nombres de la composición, como Schumann, Elgar, Saint-Saëns… El resultado es altamente satisfactorio, entre una mezcla de música clásica tradicional con la de salón y tradicional, englobando el romanticismo conceptual con la afinidad que tienen entre los intérpretes y unos deliciosos arreglos en la guitarra y el violonchelo, haciendo olvidar el piano o la voz del original, que realza sus interpretaciones. En definitiva, un trabajo hermoso, resaltando el apasionamiento y el lirismo en una excelente lectura de cada pentagrama. El violonchelo de Peña Comas se caracteriza por un sonido rico y sonoro que hace que tanto los pasajes líricos, como los más enérgicos sean excepcionalmente hermosos.

Merecen atención piezas misteriosamente menos conocidas, como el “Allegro Aassionatto, op.43” de Saint-Saëns” y sobe todo la elección de compositores/as de menor difusión, como Amy Beach y sobre todo August Nölck (nacido el 9 de enero de 1862 en Lübeck – fallecido el 12 de diciembre de 1928 en Dresde) el cual fue un prolífico compositor, violonchelista virtuoso, pianista y educador musical de la Escuela Alemana del Romanticismo, bien conocido por su repertorio para su instrumento alma mater. Profesor de violonchelo respetado, director del conservatorio de Viena y una voz de la gran tradición violonchelista alemana del siglo XIX. Fue autor de un catálogo de piezas para violonchelo que suman cientos de opus, pero no aparece ninguna mención de su nombre en las historias contemporáneas de violonchelistas famosos. Esta grabación de la música de salón para violonchelo y piano de Nolck debería ayudar a que su música y sus logros vuelvan a llamar la atención de los violonchelistas y el público. Sus obras originales escogidas (“Amoroso, op.160 es el que da nombre a la grabación) son deliciosas y están interpretadas aquí con suma delicadeza. El otro nombre es Georg Eduard Goltermann (nacido el 19 de agosto de 1824 en Hannover – fallecido el 29 de diciembre de 1898) el cual fue un violonchelista, compositor y director de orquesta alemán. Virtuoso del violonchelo de su época, algunas de sus obras fueron muy populares en ese momento y todavía se utilizan con fines didácticos. Goltermann compuso ocho conciertos para violonchelo, de los cuales el cuarto es el más famoso. Su música rara vez se interpreta en conciertos profesionales. Se considera que carece de la musicalidad de los verdaderos conciertos y, aunque ha sido elogiado por su naturaleza melodiosa y agradable. Los estudiantes estudian sus conciertos para aprender la técnica y obtener una comprensión básica del estilo del concierto.

Luis Suárez