lunes, 10 de febrero de 2020


CANTOS ISLEÑOS. Orquesta y Coro Sinfónico de Las Palmas. Rafael Sánchez-Araña, dirección.
IBS CLASSICAL · 40' · 212019 · DDD ·  * * * **
Conmemorando los 20 años de historia de la moderna Orquesta Sinfónica de Las Palmas de Gran Canaria, dicha formación nos ofrece una selección de ritmos y melodías canarias, isla a isla, paisaje a paisaje. Basado en arreglos para orquesta sinfónica, coro y diversos solistas de canciones tradicionales y de autores de música folk y popular, como Néstor Álamo, José A. Ramos o Manuel Mellán, es un buen ejemplo de la excelente combinación de instrumentos tradicionales como el timple (interpretado por Benito Cabrera, que hace un excepcional folleto adjunto, o Germán López), o las maracas con un conjunto contemporáno de salas de concierto. Los arreglos, de Peter Hope, Manuel Bonino, Eduardo Puños Armas o el propio directo, Rafael Sánchez-Araña, también son muy notables en una perfecta simbiosis entre lo popular y lo intelectual. Se inspira a todo momento el alma canaria, como ya hiciesen otros compositores canarios y extranjeros del aroma isleños, como Teobaldo Power o Ernesto Lecuona, por citra celebridades. Un nacionalismo brillante, envuelto en un amplio contexto de raíces y diversidad en las “islas afortunadas”, dando el toque venezolano al final, como la inmortal “Alma Llanera”. Esto es fuego y filigrana en un idioma que es una de las supervivencias más sorprendentes en adaptación a la nueva música de baile mundial. Unos cuarenta escasos minutos de auténtico goce musical.
Luis Suárez

miércoles, 5 de febrero de 2020


LA SEDUZIONE. VERDI SONGS. Camen Solís, soprano. Rubén Fernández Aguirre, piano.  
IBS · 192019 · **** S
Selección de una lista de canciones verdianas para voz y piano. No están todas las que son pero si todas las que están. Como el nombre de la publicación podría sugerir (o seducir), algunas de estas canciones son parte del Romanze Sei de 1838. Algunos de los otros son trabajos juveniles, pero otros abarcan toda la carrera de Verdi. Se muestran en versión original, simplemente para voz y piano. Bien se podría haber hecho una integral de este apartado productivo, que no es muy abundante, pero si lo suficientemente importante como para no o ser ignorado. Las canciones son lo suficientemente agradables para escuchar, reconociblemente en su estilo peculiar del compositor, incluso para el oyente casual en la forma en que ponen un punto dramático agudo, especialmente en los casos de las canciones anteriores, melodías bastante simples. Las notas del folleto, Jon Paul Laka, aclaran mucho sobre los orígenes de estas canciones, que caen en una tradición menor cultivada por la mayoría de los compositores de ópera italianos, como Donizetti o Rossini. Carme Solís se exige de una gran precisión en la compresión de sus gestos operísticos hasta las dimensiones de la cámara, emergiendo como un destacado con sus tonos meditativos y redondeados; combina un rango medio rico y suave con una parte superior brillante y vanguardista en la que puede explotar convincentemente de emoción. Todo ello abre el apetito por escuchar el disco. La selección está dispuesta para encajar juntos como en una sucesión natural de escenas poéticas, no por ello por orden cronológico y cada una exponiendo una nueva faceta de la voz de Solís, siempre arropada por un piano de Rubén Fernández Aguirre preciso y cuidado.
Luis Suárez

lunes, 13 de enero de 2020

¿Sabías que?...
La Armónica de Cristal ("glassharmonica").
Es el resultado de una automatización para el tañido del juego de copas musicales llevada a cabo por Benjamin Franklin en 1762, después de ver en Cambridge (Inglaterra) un concierto de copas de vino llenas de agua tocadas por el inglés Edward Delaval (1729 - 1814). Pidió entonces a un soplador de vidrio que creara 37 cuencos de diferentes tamaños. Debe su nombre al término italiano "armonía", en referencia a la riqueza armónica del instrumento. Los cuencos, colocados uno dentro del otro sin tocarse, están unidos a un eje giratorio cuya velocidad es controlada por un pedal. El sonido se produce cuando el intérprete desliza sus dedos embadurnados con una mezcla de agua y tiza. No ha estado exenta de polémica. Sus sonidos seráficos fueron acusados de provocar partos prematuros, hacer aullar a los animales, abatir "al hombre más poderoso en menos de una hora", según un diccionario médico en 1804, y, lo más grave, de sumir a su intérpretes en la locura. Al principio se creía que era por la riqueza de sonido, pero el verdadero problema era el plomo. En 1835, la policía alemana finalmente prohibió la armónica de cristal, que cayó en el olvido. Hasta que Gerhard Finkenbeiner, un maestro vidriero de origen alemán instalado cerca de Boston, decidió volver a fabricar el raro instrumento en 1982. El francés Thomas Bloch (en la imagen), es uno de los músicos profesionales que se dedican a su intepretación.
Mozart la descubrió en casa del célebre doctor Franz Anton Mesmer, que la utilizaba para relajar a sus pacientes, y le gustó tanto que la utilizó en su última obra de música de cámara.
Mozart escribió el "Adagio y Rondó" Kv. 617 (quinteto para armónica de copas, flauta, oboe, viola y violonchelo) especialmente para la intérprete ciega de ese instrumento Marianne Kirchgessner, consignando la obra en su catálogo temático el 23 de mayo de 1791.
También escribió este delicioso "Adagio en do mayor", Kv. 356/617a fue escrita en 1791, un poco posterior a la anterior obra.
Disfrutad con la Armónica de Cristal... y con Mozart...

 http://youtu.be/CxsPTgSDuh4
http://youtu.be/2_1ADpVj9wU
Crítica publicada en Ritmo, enero 2020
RICERCATA. Mario Prisuelos, piano.
Obras de Shostakovich, Stockhausen y Ligeti. IBS Classical · 182019 · 71' · DDD *****RS
El pianista Mario Prisuelos nos ofrece un disco conceptual con sus versiones de tres grandes autores, con un punto en común de su vida traumatizada en la postguerra europea de mediados del Siglo XX, Shostakovich, Stockhausen y Ligeti. Los maestros citados utilizan la música como una manera significativa y personal de expresar la realidad que les rodea: personas, objetos, sensaciones, sentimientos. Comienza con unas pequeñas piezas destilan los agudos ánimos del primer Shostakovich en una serie de gestos apretados, y Prisuelos encuentra significado musical en cada pequeño detalle. Podemos probar cada uno de los preludios más cortos y maravillarnos con la cantidad de cambios en la dirección que pueden incluir en flexibilidad, con Chopin pero con economía de Bach. Notable también es la forma en que diferencia las diversas capas de sonido que crea Ligeti. Su práctica de superponer múltiples tempos continúa caracterizando muchas de las piezas hace que Prisuelos utilice sus asombrosas demandas técnicas y musicales con atletismo y gracia. Con su “Musica Ricercata (1951-1953)” el compositor viajó lejos de la estética y la técnica de estas miniaturas, que son algo Bartókianas (pero claramente el trabajo de un pensador original), con sus piezas experimentales con una fascinación por el ostinato, la impulsividad rítmica, una franqueza visceral en la comunicación y una sensación de alegría. Igualmente sale victorioso de las diversas técnicas de Stockhausen con un severo puntillismo, fuertes disonancias y gestos abruptos saldados con éxito.
Luis Suárez

sábado, 11 de enero de 2020


10/01/2020 – El Círcol, Reus
BEETHOVEN OBSESSIU – MARATÒ
Josep Colomé, violín – Enrique Bagaría, piano

Precuela de la Marató dedicada la figura de Beethoven, en relación al 250 aniversario de su muerte. En este caso dedicado el recital a sus Sonatas para Violín y Piano”.
Colomé y Bagaría exponen un hermoso tono y elegante técnica con una combinación mucho más adecuada para la entonación perfecta y el virtuosismo sin exagerado esfuerzo, expresivo y profundamente musical, equilibrando el peso de ambos instrumentos en la partitura, tal y como quería el mismo Beethoven. Otro tipo de equilibrio mostrado es entre el alto estilo clásico y la pasión romántica temprana, entre el lirismo ardiente y el drama conductor, entre la bondad que llena el alma y el humor desgarrador es idealmente Beethoveniano.
La razón de unir las “Sonatas op.30 y 47” en el recital tiene un sentido. Mención especial merece la sonata "Kreutzer", op. 47, está dedicado a Rodolphe Kreutzer, la dedicación original fue a George P. Bridgetower (1779-1860), para quien fue escrita la pieza. Bridgetower, un violinista afro-polaco que vivía en Londres; recorrió Europa en 1802 y 1803. A su llegada a Viena, el príncipe Lichnowsky lo presentó a Beethoven, quien se dedicó a diseñar dos movimientos para preceder a un final que originalmente había planeado para el Op.30. Debido a que la fecha para el concierto de Bridgetower había sido establecida, Beethoven tuvo que trabajar rápidamente para completar la pieza virtuosa antes de su primera actuación de Bridgetower y el compositor el 24 de mayo de 1803. Rodolphe Kreutzer (1766-1831) fue un violinista francés de gran renombre a quien Beethoven conoció en Viena en 1798. La decisión de Beethoven de dedicar la sonata a Kreutzer en lugar de Bridgetower probablemente se relacionó con su intención de mudarse a París y un deseo de congraciarse. con luminarias musicales francesas. (Beethoven también estaba considerando "Bonaparte" como título para su “Tercera Sinfonía”.) La leyenda dice que Beethoven cambió la dedicación porque él y Bridgetower se pelearon por una mujer. Lo más probable es que Kreutzer nunca supiera de la dedicación, y es casi seguro que nunca tocó la pieza. La sonata "Kreutzer" fue publicada en 1805 por Simrock en Bonn y Birchall en Londres. Beethoven describió la pieza como "escrita en un estilo muy concertante, como el de un concierto", explicando el conflicto interno generalmente asociado con sus obras más grandes. La escritura para piano es mucho más poderosa, entablando un "nuevo camino" compositivo, evidente en todas partes en el primer movimiento. Las grandes dimensiones y el tratamiento formal gratuito de las grandes obras de Beethoven de la mitad del período no están muy lejos. Más alegre que el movimiento anterior, el Andante central, en fa mayor, es un conjunto de variaciones. La tercera de las cuatro variaciones está en el tónico menor. En cada variación, Beethoven estira el aspecto melódico del tema casi más allá del reconocimiento mientras mantiene la progresión armónica y el patrón de repetición del original. Debido a que originalmente estaba destinado a la “Sonata en la mayor, op.30”, el final existió meses antes de que Beethoven compusiera los dos primeros movimientos. En la novela de L. Tolstoi, “La sonata de Kreutzer”, la obra simboliza lo último en el poderoso atractivo sensual de la música.
Entre las “Sonatas op.23 y 30” clasicistas, y la rompedora romántica, op.47 “Kreutzer”, Colomé y Bagaría logran una interpretación global con resistencia y estabilidad, en pura belleza de tono.
Luis Suárez

jueves, 9 de enero de 2020


HÄNDEL TRIBUTE. L’APOTHÉOSE. Laura Quesada, flauta. Víctor Martínez, violín barroco. Carla Sanfélix, violonchelo barroco. Asís Márquez, clave. Ramiro Morales, laúd y guitara · IBS CLÁSSICAL 162019 · 59'· DDD · **** SP
Aunque mejor conocido por sus óperas y oratorios junto con un par de obras orquestales ocasionales llamadas “Música Acuática” y “Música para los Reales Fuegos Artificiales”, Händel de vez en cuando dirigió su atención compositiva a las formas de música de cámara del Barroco tardío. Esta selección deliciosa de IBS recoge un puñado de las obrasque el genio germano-anglosajón dedicó a los conjuntos de cámara. En las “Sonatas para Flauta”, la solista Laura Quesada toca con el tipo de tono cálido y fraseo lírico que hace que la música de Händel suene fresca y viva. En los “Trío Sonatas” el grupo interpreta con el tipo de sentimiento profundo y sensibilidad honesta que hace que la música de Händel suene aún mejor de lo que es, con el tipo de energía irresistible y virtuosismo descarado que hace que la música de parezca totalmente igual a su mejor competencia contemporánea, más dedicada en cuerpo y alma a este tipo de composiciones. Víctor Martínez, en el segundo violín, una sutil Carla Sanféix en el violonchelo, así como Asís Márquez en el clavicordio, hacen un paseo por la excelencia musical. El sonido digital es nítido y limpio. Su conjunto es notable, tanto entre todos los instrumentistas, adaptándose bien a esta música, en un ambiente íntimo; desarrollando una bella la ornamentación, logrando sonar como un conjunto sólido y colorido pero discreto, sin excesos.
Luis Suárez


TCHAIKOVSKY AND BABAJANIAN PIANO TRIOS. Vadim Gluzman, violín. Johannes Moser, violonchelo. Yevgeny Sudbyn, piano · BISS · 2372 · DDD · ****
En esta grabación se ven pocas coincidencias para unir un trío de piano de Tchaikovsky con uno de Babajanian, sin embargo, la interpretación apasionado de músicos los une en un todo global. Mientras mantiene el carácter separado y distinto de cada trabajo, el Trio es enérgico su creación musical tiene un sentido de movimiento fluido. La apertura del Tchaikovsky se debe tocar con sentimiento, pero no es demasiado ardiente. Permiten que la emoción se desarrolle de forma muy natural. Las variaciones más rápidas del segundo movimiento se vuelven animadas. Desde el comienzo de la obra maestra de Babajanian, hay una cualidad pintoresca en la interpretación del trío, en la forma en que la música trabaja dos de los tres instrumentos contra el otro. El excelente trabajo en conjunto de los tres músicos simplemente permite que la música evolucione lentamente. Arno Babadjanian estrenó (y grabó) su Trío con David Oistrakh y Sviatoslav Knushevitsky. La escritura es, por lo tanto, suculenta, y los músicos profundizan en ella con entusiasmo, haciendo un caso convincente para esta emocionante extravagancia armenia. Las texturas, vivaces y líricas por turnos, se convierten en un elemento más importante, mientras que en el final el Trio combina colores maravillosos con gran vigor. El sonido está inusualmente bien equilibrado entre los instrumentos para una grabación de conjunto de cámara de piano, incluso en la variación Tchaikovsky donde el violín y el violonchelo pizzicato acompañan el solo de piano. Y tan vivo, instintivo y orgánico como es la interpretación del Trio.
Luis Suárez