¿Sabías que?...
La Armónica de Cristal ("glassharmonica").
Es el resultado de una automatización para el tañido del juego de copas musicales llevada a cabo por Benjamin Franklin en 1762, después de ver en Cambridge (Inglaterra) un concierto de copas de vino llenas de agua tocadas por el inglés Edward Delaval (1729 - 1814). Pidió entonces a un soplador de vidrio que creara 37 cuencos de diferentes tamaños. Debe su nombre al término italiano "armonía", en referencia a la riqueza armónica del instrumento. Los cuencos, colocados uno dentro del otro sin tocarse, están unidos a un eje giratorio cuya velocidad es controlada por un pedal. El sonido se produce cuando el intérprete desliza sus dedos embadurnados con una mezcla de agua y tiza. No ha estado exenta de polémica. Sus sonidos seráficos fueron acusados de provocar partos prematuros, hacer aullar a los animales, abatir "al hombre más poderoso en menos de una hora", según un diccionario médico en 1804, y, lo más grave, de sumir a su intérpretes en la locura. Al principio se creía que era por la riqueza de sonido, pero el verdadero problema era el plomo. En 1835, la policía alemana finalmente prohibió la armónica de cristal, que cayó en el olvido. Hasta que Gerhard Finkenbeiner, un maestro vidriero de origen alemán instalado cerca de Boston, decidió volver a fabricar el raro instrumento en 1982. El francés Thomas Bloch (en la imagen), es uno de los músicos profesionales que se dedican a su intepretación.
Mozart la descubrió en casa del célebre doctor Franz Anton Mesmer, que la utilizaba para relajar a sus pacientes, y le gustó tanto que la utilizó en su última obra de música de cámara.
Mozart escribió el "Adagio y Rondó" Kv. 617 (quinteto para armónica de copas, flauta, oboe, viola y violonchelo) especialmente para la intérprete ciega de ese instrumento Marianne Kirchgessner, consignando la obra en su catálogo temático el 23 de mayo de 1791.
También escribió este delicioso "Adagio en do mayor", Kv. 356/617a fue escrita en 1791, un poco posterior a la anterior obra.
Disfrutad con la Armónica de Cristal... y con Mozart...
 http://youtu.be/CxsPTgSDuh4
http://youtu.be/2_1ADpVj9wU

Crítica publicada en Ritmo, enero 2020

RICERCATA. Mario Prisuelos, piano.

Obras de Shostakovich, Stockhausen y Ligeti. IBS Classical · 182019 · 71' · DDD *****RS

El pianista Mario Prisuelos nos ofrece un disco conceptual con sus versiones de tres grandes autores, con un punto en común de su vida traumatizada en la postguerra europea de mediados del Siglo XX, Shostakovich, Stockhausen y Ligeti. Los maestros citados utilizan la música como una manera significativa y personal de expresar la realidad que les rodea: personas, objetos, sensaciones, sentimientos. Comienza con unas pequeñas piezas destilan los agudos ánimos del primer Shostakovich en una serie de gestos apretados, y Prisuelos encuentra significado musical en cada pequeño detalle. Podemos probar cada uno de los preludios más cortos y maravillarnos con la cantidad de cambios en la dirección que pueden incluir en flexibilidad, con Chopin pero con economía de Bach. Notable también es la forma en que diferencia las diversas capas de sonido que crea Ligeti. Su práctica de superponer múltiples tempos continúa caracterizando muchas de las piezas hace que Prisuelos utilice sus asombrosas demandas técnicas y musicales con atletismo y gracia. Con su “Musica Ricercata (1951-1953)” el compositor viajó lejos de la estética y la técnica de estas miniaturas, que son algo Bartókianas (pero claramente el trabajo de un pensador original), con sus piezas experimentales con una fascinación por el ostinato, la impulsividad rítmica, una franqueza visceral en la comunicación y una sensación de alegría. Igualmente sale victorioso de las diversas técnicas de Stockhausen con un severo puntillismo, fuertes disonancias y gestos abruptos saldados con éxito.

Luis Suárez

10/01/2020 – El Círcol, Reus

BEETHOVEN OBSESSIU – MARATÒ

Josep Colomé, violín – Enrique Bagaría, piano

Precuela de la Marató dedicada la figura de Beethoven, en relación al 250 aniversario de su muerte. En este caso dedicado el recital a sus Sonatas para Violín y Piano”.

Colomé y Bagaría exponen un hermoso tono y elegante técnica con una combinación mucho más adecuada para la entonación perfecta y el virtuosismo sin exagerado esfuerzo, expresivo y profundamente musical, equilibrando el peso de ambos instrumentos en la partitura, tal y como quería el mismo Beethoven. Otro tipo de equilibrio mostrado es entre el alto estilo clásico y la pasión romántica temprana, entre el lirismo ardiente y el drama conductor, entre la bondad que llena el alma y el humor desgarrador es idealmente Beethoveniano.

La razón de unir las “Sonatas op.30 y 47” en el recital tiene un sentido. Mención especial merece la sonata "Kreutzer", op. 47, está dedicado a Rodolphe Kreutzer, la dedicación original fue a George P. Bridgetower (1779-1860), para quien fue escrita la pieza. Bridgetower, un violinista afro-polaco que vivía en Londres; recorrió Europa en 1802 y 1803. A su llegada a Viena, el príncipe Lichnowsky lo presentó a Beethoven, quien se dedicó a diseñar dos movimientos para preceder a un final que originalmente había planeado para el Op.30. Debido a que la fecha para el concierto de Bridgetower había sido establecida, Beethoven tuvo que trabajar rápidamente para completar la pieza virtuosa antes de su primera actuación de Bridgetower y el compositor el 24 de mayo de 1803. Rodolphe Kreutzer (1766-1831) fue un violinista francés de gran renombre a quien Beethoven conoció en Viena en 1798. La decisión de Beethoven de dedicar la sonata a Kreutzer en lugar de Bridgetower probablemente se relacionó con su intención de mudarse a París y un deseo de congraciarse. con luminarias musicales francesas. (Beethoven también estaba considerando "Bonaparte" como título para su “Tercera Sinfonía”.) La leyenda dice que Beethoven cambió la dedicación porque él y Bridgetower se pelearon por una mujer. Lo más probable es que Kreutzer nunca supiera de la dedicación, y es casi seguro que nunca tocó la pieza. La sonata "Kreutzer" fue publicada en 1805 por Simrock en Bonn y Birchall en Londres. Beethoven describió la pieza como "escrita en un estilo muy concertante, como el de un concierto", explicando el conflicto interno generalmente asociado con sus obras más grandes. La escritura para piano es mucho más poderosa, entablando un "nuevo camino" compositivo, evidente en todas partes en el primer movimiento. Las grandes dimensiones y el tratamiento formal gratuito de las grandes obras de Beethoven de la mitad del período no están muy lejos. Más alegre que el movimiento anterior, el Andante central, en fa mayor, es un conjunto de variaciones. La tercera de las cuatro variaciones está en el tónico menor. En cada variación, Beethoven estira el aspecto melódico del tema casi más allá del reconocimiento mientras mantiene la progresión armónica y el patrón de repetición del original. Debido a que originalmente estaba destinado a la “Sonata en la mayor, op.30”, el final existió meses antes de que Beethoven compusiera los dos primeros movimientos. En la novela de L. Tolstoi, “La sonata de Kreutzer”, la obra simboliza lo último en el poderoso atractivo sensual de la música.

Entre las “Sonatas op.23 y 30” clasicistas, y la rompedora romántica, op.47 “Kreutzer”, Colomé y Bagaría logran una interpretación global con resistencia y estabilidad, en pura belleza de tono.

Luis Suárez

HÄNDEL TRIBUTE. L’APOTHÉOSE. Laura Quesada, flauta. Víctor Martínez, violín barroco. Carla Sanfélix, violonchelo barroco. Asís Márquez, clave. Ramiro Morales, laúd y guitara · IBS CLÁSSICAL 162019 · 59'· DDD · **** SP

Aunque mejor conocido por sus óperas y oratorios junto con un par de obras orquestales ocasionales llamadas “Música Acuática” y “Música para los Reales Fuegos Artificiales”, Händel de vez en cuando dirigió su atención compositiva a las formas de música de cámara del Barroco tardío. Esta selección deliciosa de IBS recoge un puñado de las obrasque el genio germano-anglosajón dedicó a los conjuntos de cámara. En las “Sonatas para Flauta”, la solista Laura Quesada toca con el tipo de tono cálido y fraseo lírico que hace que la música de Händel suene fresca y viva. En los “Trío Sonatas” el grupo interpreta con el tipo de sentimiento profundo y sensibilidad honesta que hace que la música de Händel suene aún mejor de lo que es, con el tipo de energía irresistible y virtuosismo descarado que hace que la música de parezca totalmente igual a su mejor competencia contemporánea, más dedicada en cuerpo y alma a este tipo de composiciones. Víctor Martínez, en el segundo violín, una sutil Carla Sanféix en el violonchelo, así como Asís Márquez en el clavicordio, hacen un paseo por la excelencia musical. El sonido digital es nítido y limpio. Su conjunto es notable, tanto entre todos los instrumentistas, adaptándose bien a esta música, en un ambiente íntimo; desarrollando una bella la ornamentación, logrando sonar como un conjunto sólido y colorido pero discreto, sin excesos.

Luis Suárez

TCHAIKOVSKY AND BABAJANIAN PIANO TRIOS. Vadim Gluzman, violín. Johannes Moser, violonchelo. Yevgeny Sudbyn, piano · BISS · 2372 · DDD · ****

En esta grabación se ven pocas coincidencias para unir un trío de piano de Tchaikovsky con uno de Babajanian, sin embargo, la interpretación apasionado de músicos los une en un todo global. Mientras mantiene el carácter separado y distinto de cada trabajo, el Trio es enérgico su creación musical tiene un sentido de movimiento fluido. La apertura del Tchaikovsky se debe tocar con sentimiento, pero no es demasiado ardiente. Permiten que la emoción se desarrolle de forma muy natural. Las variaciones más rápidas del segundo movimiento se vuelven animadas. Desde el comienzo de la obra maestra de Babajanian, hay una cualidad pintoresca en la interpretación del trío, en la forma en que la música trabaja dos de los tres instrumentos contra el otro. El excelente trabajo en conjunto de los tres músicos simplemente permite que la música evolucione lentamente. Arno Babadjanian estrenó (y grabó) su Trío con David Oistrakh y Sviatoslav Knushevitsky. La escritura es, por lo tanto, suculenta, y los músicos profundizan en ella con entusiasmo, haciendo un caso convincente para esta emocionante extravagancia armenia. Las texturas, vivaces y líricas por turnos, se convierten en un elemento más importante, mientras que en el final el Trio combina colores maravillosos con gran vigor. El sonido está inusualmente bien equilibrado entre los instrumentos para una grabación de conjunto de cámara de piano, incluso en la variación Tchaikovsky donde el violín y el violonchelo pizzicato acompañan el solo de piano. Y tan vivo, instintivo y orgánico como es la interpretación del Trio.

Luis Suárez

JOAN GUINJOAN. FUNDAMETAL WORKS. COMPLETE PIANO WORKS, Vol. 1. Alfonso Calderón, piano. IBS CLASSICAL · 102019 · 69 '· DDD · ***** RSP

Este es el primer volumen de las obras para piano, en este sello y después del referente en Columna Música del pianista José Menor de hace unos años, del recientemente fallecido compositor catalán, Joan Guinjoan. Reúne algunas de sus obras más importantes, no solo de su producción para piano (como es obvio), sino de entre su ópera gobal, ya que contienen dentro de ellas los rasgos estilísticos que definen el trabajo del músico y que han caracterizado su música durante los cincuenta años de su carrera como compositor. Estas obras revelan su lenguaje personal, creado a través de una reflexión constante sobre el acto musical y respondiendo a un conjunto de requisitos personales y compromiso creativo en lugar de adherirse a las tendencias y tendencias prevalecientes. Su obra pianística es ampliamente conocida fuera de Europa, interpretada en su tierra, escuchada o discutida como su música para conjuntos más grandes, piezas vocales o esfuerzos operísticos. Este álbum de IBS presenta seis composiciones, de sus períodos temprano y medio, que, en su desunión, escasez y atonalidad, representan el período más vanguardista de Guinjoán . Las obras para piano Digraf (1976) y Jondo (1978) son típicas de la música puntillista y gestual ampliamente practicada en ese momento. El resto de obras son atractivos y afortunadamente no concebidos exclusivamente en términos teóricos por sus exhibiciones de colores vibrantes y figuraciones aireadas, sus suaves armonías y sonoridades encantadoras. El pianista Alfonso Calderón de Castro ofrece intepretaciones finamente sombreadas y ejecutadas de manera brillante, y el audio es claro y enfocado, con un buen equilibrio entre sequedad y resonancia.

Luis Suárez

THE SINGING CLARINET. Luis Fernández-Castelló, carinete. Carlos Apellániz, piano. ORPHEUS · 6493-3317 · DDD · ****RS

La discográfica Orpheus nos presenta este trabajo en el que el clarinetista Luis Fernádez-Castelló y el pianista Carlos Apellániz nos ofrecen un repertorio de cámara y de paráfrasis operísticas en la primera mitad del siglo XIX en el que el clarinete asume un papel de claro protagonismo lírico vocal. La música de Robert Schumann, Mendelssohn y de Carl María Von Weber y el arte lírico melódico del clarinete son una combinación natural. Si bien Schumann detestaba usar elementos llamativos y puramente virtuosos en sus composiciones, los trabajos de Weber para clarinete son increíblemente difíciles de tocar y aún más difíciles de realizar con el virtuosismo de bravura que exigen. El resto de las obras son virtuosas fantasías del músico de la ópera Scala de Milán, L. Bassi, sobre óperas de Bellini y Donizetti. Un más que interesante obra de cámara de un desconocido Rossini recorre un trabajo ilustrado brillante a través de una técnica precisa y sumamente cargada de gran musicalidad e introspecciones musicales, magníficamente refinadas, sin prisas y sin mancha por la necesidad de algunos músicos de hacer que las obras sean más llamativas de lo que deben ser. Las obras permiten a los oyentes escuchar el lado más cálido y tierno de los instrumentos logrando un equilibrio agradable de calidez y claridad bajo un alto nivel técnico de enorme expresividad obtenida por el clarinete y la eficacia del piano. Asimismo, el registro transparente de ingeniería brinda a ambos músicos un espléndido apoyo para un resultado global redondo.

Luis Suárez