SCHUMANN, Robert (re-orchestrated by Mahler) Symphony No. 3 ‘Rhenish’ • Symphony No. 4. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Marin Alsop, conductor.

NAXOS 8.574430 · DDD · 55’ · ****

Como admirador y director de las cuatro sinfonías de Robert Schumann, Gustav Mahler se sintió obligado a hacer extensas revisiones para ayudar a aclarar las texturas, traer colores vivos a pasajes donde se habían perdido oportunidades de brillantez y hacer innumerables cambios en la dinámica. Hasta cierto punto, Mahler logró hacer la música de Schumann un poco más nítida y mucho más colorida, pero los cambios de orquestación en muchos casos revelan demasiado claramente la mano del arreglista, particularmente en las partes de metales y vientos de madera, y la mezcla de la música romántica de Schumann. Las partituras con los efectos orquestales posrománticos de Mahler parecen un poco extrañas y desorientadoras para cualquiera que conozca bien estas obras. Por supuesto, los recién llegados deben conocer primero los originales, y no hay escasez de excelentes grabaciones disponibles; los oyentes experimentados que hacen las comparaciones entre ellas y las revisiones de Mahler bien pueden sentir que lo que ya era suficientemente bueno debería haberse dejado en paz. Sin embargo, la directora Marin Aslop y la ORF han realizado un valioso servicio al grabar estas versiones tan discutidas pero rara vez tocadas, y los oyentes que han sentido curiosidad por el alcance de la "manipulación" de Mahler pueden juzgar por sí mismos si fue demasiado lejos. Este disco será obligatorio para tres grupos de oyentes. Será de visita obligada para los fieles seguidores de Gustav Mahler porque contiene grabaciones de sus reorquestaciones. Antes del lanzamiento de este disco, las únicas grabaciones disponibles de las reorquestaciones de Mahler eran las interpretaciones rudimentarias, descuidadas y empalagosas de Aldo Ceccato con la Filarmónica de Bergen, y la antigua Orquesta Gewandhaus con Chailly y para los fanáticos dedicados de Mahler, la oportunidad de escuchar cómo su héroe transformado las densas partituras de Schumann en algo más ligero, más claro y más colorido será irresistible. Entonces, mientras que los fanáticos de Schumann pueden objetar las reorquestaciones de Mahler, los fanáticos la buena música teutona a la antigua pueden objetar lo que le ha hecho a la orquesta. Schumann o Mahler, esa es la cuestión. El sonido digital de Naxos es limpio, cálido y profundo.

Luis Suárez

 

Rachmaninoff: All-Night Vigil, Op. 37 "Vespers". The Clarion Choir & Steven Fox.

PENTATONE 5187019 · DDD · 74’ · ****

Sergey Rachmaninov recordó la noche en que tocó por primera vez la partitura de sus “Vísperas”, Op.37, para un par de los músicos rusos más destacados. Nikolai Danilin, que había accedido a dirigir el estreno de la obra, lamentó que los bajos capaces de cantar sus tonos imposiblemente profundos fueran "tan raros como los espárragos en Navidad". Sin embargo, el compositor respondió: "¡Conozco las voces de mis compatriotas!" Y sí conoció tanto las voces de sus compatriotas como su profundo espíritu religioso (que ni siquiera la Revolución pudo erradicar). Rachmaninov estrenó “Vigilia de toda la noche o Misa de Vísperas” en 1915, en medio de las privaciones de la Primera Guerra Mundial. Se encontraron bajos rusos para cantar las partes, y los rusos elogiaron las Vísperas como una obra maestra incluso antes de que comenzara la actuación. Aunque personalmente no estaba cerca de la Iglesia Ortodoxa Rusa, Rachmaninov se había sentido profundamente conmovido por su música durante toda su vida. Evocaba con frecuencia las campanas de las iglesias rusas en su música, había citado cantos ortodoxos en su malograda “Sinfonía nº1” y logró un éxito a gran escala en un escenario anterior de la “Liturgia de San Juan Crisóstomo”. Sus Vísperas se asemejan a la obra anterior en cuanto a su sabor, pero amplía enormemente su paleta armónica. Los 15 movimientos de las Vísperas juntos forman el núcleo de un conocido servicio monástico ortodoxo ruso; las iglesias más grandes también celebrarían la Vigilia la noche anterior a las fiestas mayores. Su serie de textos (en eslavo eclesiástico tradicional) incluye varios salmos y las versiones ortodoxas del Magnificat, Nunc dimittis y Doxologías mayores y menores. En nueve de los movimientos, el compositor adapta una rica variedad de melodías de canto llano: los cantos "Znamenny" más antiguos, los cantos rusos "griegos" más simples y los cantos populares de Kiev.

Sobre el andamio de estos cantos, el compositor cuelga un tapiz musical de textura, sobriedad y poder bizantinos. Muchas de sus texturas corales de ocho voces permanecen en una homofonía fluida y similar a un canto. Su lenguaje armónico está basado tonalmente con frecuentes puntos de pedal, pero también ricas inflexiones modales y cromáticas. Texturas antifonales (números. 2, 8, 10) y estribillos litúrgicos (números. 3, 9, 11, 12) evocan las atmósferas incensadas de la iglesia. Al mismo tiempo, los detalles del texto local pueden inspirarlo para pasajes exquisitos, como el radiante cambio armónico antes del primer solo de tenor (nº4) y los grupos de melismas angelicales en el clímax del nº7. El ortodoxo Nunc dimittis (nº5) cierra con un lento descenso del bajo a un si bemol bajo; era el movimiento favorito de Rachmaninov y la música que pretendía para su propio funeral.

Esta versión es convincente en el grado en que las melodías del canto eslavo impregnan la música. Explota el característico sonido del bajo ruso pero su escritura coral es satisfactoriamente densa, y mantiene las cosas claras con los pasajes divisi que a veces incluyen hasta 12 partes. El sonido es una gran atracción. Otro modelo fue el poco explorado de Steinberg, una obra de título similar de Alexander Grechaninov, que, como la de Steinberg, era una obra de concierto en esta tradición un tanto olvidada valorarán mucho este lanzamiento.

Luis Suárez

 

Sor, Fernando. Variations. Christian El Khouri, guitar.

DYNAMIC CDS7949 · DDD · 71’ · ****

Abundan las grabaciones e interpretaciones de la “Introducción y Variaciones sobre un tema de Mozart para guitarra op. 9”, de este virtuoso hispano ilustrado huido a Inglaterra a principios del siglo XIX. Sor fue una especie de celebridad en su época, no un extremista estético como Paganini, sino un maestro impecable de su instrumento con una gran colección de sus propias composiciones a mano para demostrar su técnica. Fernando Sor tomó nota de las cualidades de su instrumento y adaptó su música a la medida. El formato aquí expuesto de la variación es un fiel ejemplo de ello. En una extensa y generosa grabación, pasamos de las reconocidas mozartianas citadas, para empezar el suculento pastel, a terminar con las también celebres dedicadas a la melodía “Mambrú se fué a la guerra, op.28”. En todas las colecciones vemos como Sor alterna con eficacia elementos sombríos y sentimentales, como el aroma del teatro de ópera y música de salón parisino, y que utiliza ampliamente los efectos del timbre y posibilidades armónicas de la guitarra clásica. Estas piezas se encuentran entre las mejores composiciones de Sor y, el milanés El Khouri las maneja con sensibilidad y transmite una palpable sensación de entusiasmo por el descubrimiento que se irradia a través de la excelente calidad de grabación con maestría musical. Puede competir con cualquier disco de Sor en el mercado, con una ejecución técnicamente intachable y un programa que quizás se parece al que el propio Sor podría haber elegido. La condición de mero “set de variaciones” se amplían hasta convertirse en algo así como una fantasía, como en el caso de “Les Folies d’Espagne avec Variations et un Menuet Op. 15ª”. Recomendado para entusiastas de la guitarra o simplemente como una introducción a Sor, ya que la mayoría de las piezas aquí son elementos básicos de recitales de guitarra.

Luis Suárez  

 Edvard Grieg. Music for cello and piano. Daniel Müller-Schott, Cello. Herbert Schuch, piano.

ORFEO BR KLASSIK · C240221 · 65‘ · ****

Para algunos resultará una gran sorpresa que el catálogo de Edvard Grieg contenga música de cámara, bellas partituras no demasiado frecuentadas y de gran belleza: cinco sonatas: una para piano solo, tres para violín y piano, y una para violonchelo y piano. Dos Cuartetos de cuerda, el segundo inconcluso; y piezas sueltas. La “Sonata para violonchelo y piano en la menor, op. 36 (1883)”, es obra de un compositor ya maduro cuyas frustraciones y dificultades de con los géneros tradicionales (sonata, cuarteto de cuerdas, sinfonía y similares) están bien documentadas en sus cartas personales, el impulso dramático urgente y enérgico de la Sonata para violonchelo, así como el canto voluptuoso y satinado, han asegurado su posición como una de las tres o cuatro sonatas para violonchelo de finales del siglo XIX más queridas.

La Sonata para violonchelo consta de tres movimientos: Allegro agitato, Andante molto tranquillo y Allegro -- allegro molto. El tema de apertura del primer movimiento está tan lleno de sturm und drang como parece; su segundo brota con una calidez extraordinaria. Hay, bastante inesperadamente, una pequeña cadencia para el violonchelista a mitad del movimiento, justo antes de la recapitulación; uno no puede dejar de notar que cuando el pianista entra de nuevo, la música toma un tono ominoso y retumbante muy parecido al que se escucha en la cadencia del famoso primer movimiento del Concierto para piano. El movimiento lento está en un cálido fa mayor; a medida que el párrafo musical inicial da paso al segundo y tercer párrafo, queda claro que no todo es tan inocente y dulcemente lírico como sugeriría la encantadora melodía inicial. De hecho, hay una desesperación real en medio del movimiento. Después de una introducción tranquila, el largo final asume la forma de una danza de duendes de tonos oscuros que termina en un la mayor robusto. El conjunto se grandes obras de completa con una transcripción de la bella y enorme “Sonata en do menor, op. 45”, para violín y piano, escrita en 1887. En palabras de Rune J. Andersen, la pieza contiene "elementos universales y nacionales fusionados en algo profundamente personal y específicamente griegiano". Posee una gran dosis de elementos folclóricos noruegos y drama continuo. La música se detiene virtualmente en el movimiento medio (Allegretto espressivo) y el movimiento final devuelve el impulso o la pasión de Grieg para recuperar la atención dramática.

Este disco se completa con sus propias transcripciones de algunos de los bellos lieder del mismo compositor y el original y melancólico “Intermezo EG 115 en La Menor”. Los intérpretes se han sentido libres de mezclar y combinar piezas líricas que pueden crear fascinantes yuxtaposiciones entre obras. Demuestran que tienen una asociación maravillosamente unida y un conjunto totalmente comprensivo. Daniel Müller-Schott tiene un tono rico e intenso con una amplia gama de colores y matices, mientras que Herbert Schuch es un compañero completo con una técnica poderosa pero sutil y un sentido infalible del ritmo. Son pequeños grandes ejemplos del estilo de Grieg con una melodía pura. En manos menores, no saldrían de la categoría de salón, pero aquí lo hacen, y culminan un lanzamiento agradable de Grieg que tiene el verdadero espíritu de cámara. El sonido digital de Harmonia Mundi es claro, cálido y detallado.

Luis Suárez

 

Granados en La Habana. David Escribano, Joaquín Clerch, guitarras. Obras de Enrique Granados, Ignacio Cervantes y Ernesto Lecuona.

Barcode: 8 435383 · DDD · 50’ · ****

Cada cierto tiempo sale algún disco que es puro y absoluto placer para los oídos, y el repertorio del periodo romántico de Granados, junto con pequeñas muestras del pianista cubano Ignacio Cervantes y Ernesto Lecuona, es un cóctel perfecto perfecta para las transcripciones realizadas para guitarra del propio David Escribano e su mayor parte, y siendo respaldado a dúo por el guitarrista cubano, Joaquín Clerch, en algunas de las mismas, como la miniatura “A la Cubana” (1914), ya inmersa en el período Goyesco de su producción que se viera cortado por su temprana muerte, tantas veces rememorada. Los “Valses Poéticos y los Sentimentales” forman el grueso del trabajo, un conjunto de valses donde Escribano le da a cada uno su propio matiz y carácter. La tanda más famosa es sin duda la “sentimental”, donde está la brillante y soleada "Introducción"; el "Vals appasionado", que es tan inspirado melódicamente como una carta de amor; el elegante "Vals lento" parecido y el "Vals brillante", que transcurre con la guitarra dando una serenata al oyente… Es trabajo es simplemente hermoso de escuchar, donde se escucha una variedad de emociones y personajes que el guitarrista capta con facilidad. Cada acorde está lleno de energía, en contraste con las sensaciones majestuosas y los registros más bajos enfatizados. Es particularmente conmovedor escuchar cómo Escribano intenta meter en su instrumento toca la tensión tímbrica del piano original en los acordes, si bien no pudiendo hacernos olvidar la versión original, siempre con versiones como la de Alicia de Larrocha o Douglas Riva, pero obteniendo el deseo del oyente más de esto en otras piezas, quizás en un futuro proyecto. La calidez y la ternura de la guitarra se exhiben perfectamente en las piezas más sentimentales en la que es una introspectiva y adecuada interpretación donde la música fluye de una pieza a otra con la ilusión de tocar sin esfuerzo. Seguramente esa es la marca de un gran artista. Debemos recordar que Granados solo escribió originalmente una pequeña miniatura para guitarra, “Dedicatoria a mi Hijo Eduardo”. Quien sabe si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asimismo cruzado con Andrés Segovia…

A destacar la inclusión de uno de los principales compositores cubanos del siglo XIX, Ignacio Cervantes que nació en La Habana el 31 de julio de 1847 y murió en 1905. Es más conocido por su música para piano, y tenía una música de teclado más ligera e inspirada en el folk, tuvo una gran influencia en las composiciones de Ignacio. Cervantes realizó una gira por Estados Unidos componiendo series de Danzas Cubanas (contradanzas), su máxima obra reconocida, interpretada y grabada por muchos grandes pianistas.

Luis Suárez