Bacewicz, G. Piano Works. Peter Jablonsky, piano. 

ONDINE · DDD · 71' · ****

El pianista sueco-polaco Peter Jablonski ha contribuido con una variedad de obras para piano de la compositora polaca Grazyna Bacewicz (1909/69), cada una formada con una conciencia casi surrealista de la estructura. Las dos "Sonatas" de 1949 y 1953 están tan inmersas en sí mismas que uno no puede comenzar a imaginar la opresión del régimen político que la rodeaba. Esto es arte no tanto como escapismo sino como trascendencia. Diez estudios de mediados de la década de 1950 son un poco allegro a lo Bartok, pero un la pieza de concierto "Krakowiak" de 1949 es una delicia total, engañando a los censores comunistas con una deconstrucción deliciosamente sutil de una melodía popular de trabajadores y campesinos. Escucha esta pequeña pieza y piensas, esta mujer podría haber hecho cualquier cosa que quisiera en la música. El desapego neoclásico y la intensidad romántica pueden parecer irreconciliables, pero ambos informan la música de Grazyna Bacewicz, aunque en diversos grados en diferentes obras, dentro de sus colores intensos y armonías cromáticas, similares en muchos pasajes a Scriabin, su confianza en la forma clásica y los elementos rítmicos populares que están claramente inspirados en Stravinsky que reflejan la creciente participación de Bacewicz en la vanguardia polaca. La intepretación de Jablonsky presenta un retrato equilibrado y revelan las múltiples facetas de Bacewicz a través de la interpretación idiomática y el estado de alerta a sus variadas intenciones. Una perfecta ingenieria proporciona un sonido claro y resonante que hace que estas piezas fascinantes suenen con energía y emoción, con la acústica altamente resonante.

Luis Suárez

HERITAGE. AISHA SYED CASTRO, violin. MARTIN LABAZEVITCH, piano. Obras de Piazzolla, Bernstein, Solano, William Grant Still. Kreisler.

DIVINE ART RECORDS 25229 · DDD · 58' · ****

Hermoso recital plasmado en disco de la intérprete dominicana, Aisha Syed Castro, junto con el pianista Martin Labazevitch, donde la artesanía resulta siendo excelente en general. Este álbum contiene obras originales y transcripciones. La obra más interesante es la de mayor envergadura; la "Suite para Violín y Piano" del afroamericano William Grant Still para violín y piano, grabada con acierto para adentranos en la música de este desconocido compositor, y hace  que este disco tenga una razón de ser, conteniendo algún elemento extraordinario que lo eleve por encima de las melodías más populares que pueden ser, en su mayor parte, propinas de agradecimiento al público. Syed Castro es una excelente violinista que conoce bien esta música, y Labazevitch es un acompañante capaz que se mantiene alejado de los focos, reservándolo para la solista, aunque demostrando su gran valor, incluso en algún arreglo. La grabación es tranquila y cercana, con el violín mezclado apenas por encima del nivel del piano, lleno de calidez y con una calidad de sonido destacable. Todas las piezas son completamente encantadoras e inventivas, particularmente en los momentos más poéticos, donde la solista presenta una impresionante interpretación llena de musicalidad, sentimiento y precisión. 

Luis Suárez

 22/02/2022

Teatre Metropol – Tarragona

Schumann goes Tango. Roger Morellò, violonchelo. Alica Koyama Müller, piano.

Presentación de este notable disco, que da nombre al recital, y presenta obras de cámara de Robert Schumann, junto a Astor Piazzolla y José Bragato. La bellísima “Sonata para piano y violín” (aquí con la transcripción para violonchelo, de Jules Delsart, autorizada por el propio autor, César Franck), donde se le asigna un papel fundamental al piano, en un estado equilibrado de par a par, donde el pianismo claro y asertivo de Kuyama complementa maravillosamente la lectura sutil e imaginativa de la partitura de Morellò. La sonata, regalo de boda para el gran virtuoso Eugene Ysaÿe, es un desafío particular para el solista, ya que él lleva la idea/motivo fundamental que define toda la obra. En cierto sentido, el potencial contemplativo y emocional implícito de esta composición está limitado por la reiteración de la idea principal, y el violonchelista debe, para mantener el impulso de la obra, explorar imaginativamente el vasto potencial sonoro del instrumento. El joven virtuoso Morellò, con su capacidad de iluminar todo el universo emocional de esta obra, desde manifestaciones de frenética inquietud hasta variedades de contemplación melancólica, ofrece una interpretación rica y satisfactoria que premia al oyente con sonoridades originales y fascinantes, poesía pura. 

Pasando al disco citado, muestra uno de los aspectos más desconocidos de Schumann, desde “Adagio y Allegro, Op.70”, obra original para Violonchelo y piano y multi-versionada, a las “Cinco Piezas de Estilo Folklórico, Op.102” y las “Canciones de Amor Españolas, Op.138” (con transcripción de los solistas), donde el sonido de Morellò es impresionantemente musculoso y espacioso durante gran parte y Koyama atraviesa fácilmente la partitura de piano, a menudo densa, destacando las múltiples facetas y estados de ánimo de la obra. Las piezas están muy bien adaptadas y son interesantes por derecho propio, pero se quedan un poco planas en el orden de sus discos siguiendo la sonata de Franck. Otro de los atractivos es el conjunto de la Op.102 que quizás hayan sido ignoradas por su aparente sencillez. De hecho, esto es engañoso; aunque formalmente simples, las piezas combinan un tratamiento sutil del registro, melodías apasionadas y una medida completa de la habilidad pictórica de Schumann y cuyos solistas evitan la tentación de bajar el tono de la música y hacerla linda. 

Gran acierto el de sacar a la luz la música de un casi desconocido José Bragato, abordado con una técnica muy sólida: buena entonación, sólido dominio de los instrumentos y un sentido intuitivo del espíritu del compositor, entregándose al dinamismo rítmico y la interacción sensual entre la milonga y el tango.

El punto débil has sido el sonido. La acústica inadecuada del coqueto teatro y el piano totalmente con la tapa bajada; así pues, es íntimo, pero no lo suficientemente cautivador que le dificulta ponerse en el lugar de los oyentes originales de la música. 

Luis Suárez 

HENZE H.W. Nachtstücke und Arien. Los Caprichos. Englische Liebeslieder. Juliane Banse, Soprano. Narek Hakhnazaryan, violonchelo. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Marin Alsop, conductor.

NAXOS 8.574181 · 67' · DDD · ****

La música de Hans Werner Henze no se interpreta, misteriosamente, con tanta frecuencia como antes; no cumplió con los dictados de los serialistas académicos, pero tampoco fue neorromántico ni minimalista. Sus obras rigurosamente construidas y orquestadas requieren interpretaciones cuidadosas y bien preparadas, y eso es justo lo que obtienen aquí de la directora Marin Alsop y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena. Esto podría, de hecho, ser un buen álbum inicial de Henze, ya que lleva al oyente a su música de una manera lógica. Las tres piezas responden a modelos extramusicales de diferentes maneras. En la apertura "Nachtstücke und Arien", los textos están presentes en dos de las piezas (el "Arien"), ambientando textos de Ingeborg Bachmann. Estos también influyen en el estado de ánimo de los tres Nachtstücken que los enmarcan. Parece difícil de creer ahora, ya que la obra es puramente atonal (está cerca del lenguaje anterior a los doce tonos de Schoenberg). "Los caprichos" son representaciones de grabados de Francisco de Goya, no programáticos en el sentido de Mussorgsky, sino que representan el estado de ánimo de una manera concisa pero detallada. Los seis "Englische Liebeslieder" no son canciones sino piezas orquestales, basadas en poemas ingleses que Henze no nombra; se diferencian de los Caprichos en que hay un presente individual, un solo de violonchelo, que se entreteje sutilmente en la textura orquestal. Pocos directores están mejor equipados para manejar las demandas de esta música que Alsop, cuya asociación con la ORF Vienna Radio Symphony parece estar convirtiéndose en una confianza y productividad. Henze no es del agrado de todos, pero este lanzamiento realiza sus ideas excepcionalmente bien. Es un lanzamiento excepcional en todos los sentidos. Aslop entiende claramente la hábil combinación de Henze de lirismo expresivo y armonías atonales casi pero no silenciosas, y las forja en un todo convincente. La altamente pulida ORF toca la exigente música de Henze con facilidad y no hay duda de su dedicación. 

Luis Suárez

Nikolai Kapustin: Blueprint - Piano Music For Jazz Trio. Frank Dupree. Jakob Krupp. Obi Jenne. 

Capriccio  C5439 · DDD · 67' · ****

Nikolai Kapustin (1937/2020) trabajó gran parte de su vida en la oscuridad, pero hay señales de que su música está experimentando un renacimiento. Marc-André Hamelin empezó tocando su música altamente virtuosa de vez en cuando, y el año 2021 trajo esta grabación que nos ocupa. La fusión clásica-jazz de Kapustin es única. La forma habitual de abordar los problemas del género, desde el Modern Jazz Quartet hacia abajo, es añadir un elemento de improvisación a los modelos clásicos. Kapustin va en una dirección diferente. Su música no es improvisada, pero su contenido es jazz, moldeado en formas clásicas como la sonata y el concierto en una gran variedad de formas. A Kapustin a veces se le ha llamado el Gershwin ruso, y la comparación es adecuada. También hay una influencia de Shostakovich (quien no fue ajeno al jazz) aquí, y Dupree también lo capta. La grabación está más en sintonía con el humor de las obras de Kapustin; este disco de obras para trío de jazz, piano, bajo y percusión, solo puede atraer a una pequeña audiencia cruzada, pero el brillo superficial de la música y las melodías fáciles de absorber no son suficientes para enmascarar su superficialidad emocional. Kapustin se deleita con ejecuciones llamativas, arpegios turbulentos, síncopas elaboradas y líneas de bajo zancadas, todo meticulosamente anotado, sin ninguna improvisación, y su música enérgica se encuentra estilísticamente en algún lugar entre Franz Liszt y Art Tatum, aunque sin la pasión del primero o el poesía de este último. Uno puede maravillarse de que un compositor ruso moderno haya adoptado tan completamente los estilos de piano del jazz estadounidense y haya escrito obras tan elaboradas en este idioma. La música es implacable en su actividad y es probable que el oyente detecte algún rastro de personalidad u originalidad en estos pastiches. Frank Dupree tiene amplias oportunidades de mostrar su técnica fenomenal y su estilo extravagante, pero su forma de tocar es tan conmovedora como lo permiten las piezas huecas de Kapustin. 

Luis Suárez

Rendezvous. Obras para clarinete y piano de Eugène Bozza, Francis Poulenc, Miguel Yuste y Carlo Della Giacoma. Carlos Casanova, clarinete; Stefanos Spanopoulos, piano. 

IMMKlassik · DDD · 38' · ****

De nuevo el clarinetista valenciano, Carlos Casanova nos presenta una paráfrasis operística junto, en este caso, con piezas contemporáneas tonales y la joya de la corona que es la "Sonata para Clarinete y Piano" de Poulenc, obra póstuma del genio del Grupo de los Seis. Casanova y Spanopoulos se presentan profundamente metidos en el ritmo del galo. Por supuesto, sin importar el idioma, Casanova es un músico consumado con una técnica inmaculada y un buen gusto infalible, y Spanopoulos es un acompañante pulido con una técnica fuerte y un apoyo generoso sin vacilaciones. Su lenguaje interpretativo es ácido, tierno y reservado. Su Poulenc es dulce, conmovedor y despreocupado. Su Giacoma-Mascagni es inteligente, deslumbrante y virtuoso, se ve que el solista tiene un verdadero don para este tipo de material brillante, llevándonos por las melodías principales de la obra masestra del verismo, "Cavallería Rusticana". Y las dos miniaturas, llenas de "Ingenuidad" (como es el caso de Miguel Yuste) y un bello lirismo en el "Aria" de Bozza que es de una lectura ingeniosa; todo ello capturado en un sonido tan real que no se trata de una grabación, sino de la más pura magia auditiva. Se queda corto el programa atractivo.

Luis Suárez

Bach, C.P.E. & J.S. Sonatas y Partitas. Pedro Pablo Cámara Toldos. Saxophone soprano. CALLE 440 · B18324 · DDD · 60’ · *****S

Interesante trabajo del saxofonista, Pedro Pablo Cámara Toldos, sobre adaptaciones para saxo soprano de obras maestras para flauta y violín solo, de Bach (padre e hijo), en la Iglesia histórica de “Nuestra Señora de la Anunciada” de la histórica villa pucelana de Urueña (la Villa del Libro). Todo ello con un sonido pulcro entre los muros medievales. La música de Bach se adapta perfectamente a todo tipo de trascripciones y aquí tenemos otro ejemplo. La “Sonata Wq 132”, para flauta sola, de C.P.E. Bach, es interpretada de una manera ejemplar, ligera y galante, con cierta calidad meditativa, con un sonido suave y amanerado que enfatiza la intimidad cortesana de la música, manteniendo también las dimensiones restringidas y el foco en los pequeños giros imaginativos de las líneas de flauta original. Captura el humor delicado e inconexo del período Clásico temprano. En el lenguaje barroco de J.S. Bach, aún cambiando la tonalidad en la transcripción, Cámara Toldos mantiene todo su rango emocional y se muestra como un artista consumado. La escritura expuesta de Bach es un desafío para todos los intérprete a solo y aquí se demuestra una concentración es aguda, derramando intensa emoción por lo que el oyente siente su expresión absorta y el efecto es convincente. Las ágiles lecturas en el saxo soprano, de la “Partitas para violín solo nº1 y 2”, y la “Partita para flauta sola, BWV 1013” parecen que la música, aunque ciertamente difícil, no lo hace sudar. En los tempos lentos se nota considerablemente más comedido. La calidad de sonido ofrece asimismo una inmediatez que es bastante poderosa, y un ambiente que le da al tocar el equilibrio adecuado de detalles nítidos y resonancia, y la combinación es perfecta. La puesta en escena del efecto de sonido a la entrada y salida de la capilla, con una puerta que se abre y se cierra, al comienzo y final del recital, hace más si cabe atractiva la producción, invitando al oyente a un futuro encuentro en vivo. 

Luis Suárez

Robert Schumann. Complete Symphonies. Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. Roger Norrington, conductor.

 SWR19530 · DDD · 143' · ****

Compilación en dos cds de la integral de las "Sinfonías" de Robert Schumann, a excepción de la "Sinfonía inacabada ("Zwickau"), WoO29", de 1832/3; obra temprana que lleva el sobrenombre de su localidad natal y que sirvió como un primer ensayo hacia la escritura para orquesta, un campo en el que s viera bastante vilipendiado en vida, acusado de no saber orquestar, algo lejos de la realidad, al menos en gran parte, como podemos observar en esta destacada grabación en vivo. Las 4 sinfonías de Schumann, respaldadas en el tiempo por un lado por las obras maestras de Beethoven y el último Schubert, y por el otro por Brahms, continúan perdiéndose en la luz brillante y deslumbrante de los otros grandes románticos. Pero creo que cualquiera que los ignore o los denigre en comparación está subestimando el genio de Schumann y en realidad se está perdiendo una experiencia musical memorable. Descubrir o redescubrir estas obras maestras es una experiencia potencialmente transformadora.  No hay escasez de excelentes grabaciones disponibles; aquí el director de orquesta Roger Norrington adopta un enfoque poéticos de los movimientos lentos (como en el Romanze de la Cuarta) son más poéticos, los movimientos angustiosos (como el Adagio de la Segunda) más angustiosos, y los movimientos triunfantes (como el final de la Tercera) más brillantes y los movimientos excitados (como el final de la  Segunda) más excitantes. Con la ejecución brillantemente colorida, brillantemente pulida y extremadamente entusiasta de la Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR, crea interpretaciones que disipan los supuestos "problemas" de las sinfonías de Schumann, con su reputación de orquestación pesada, inseguridad estructural y contención emocional. Los fanáticos de Schumann pueden diferir en cuanto a si sus interpretaciones son apropiadas o demasiado exageradas, pero no se puede objetar que el sonido de Norrington no sea claro y fresco, con muchos detalles. Al igual que sus obras para piano más extendidas, realmente requieren una energía y una sensibilidad excepcionales para llevarlas a cabo; se siente que la música vive y te conmueve.

Luis Suárez