Robert Schumann. Fantasie, Op.17. Carlos Civera, piano. 

D.L.B. 8208-2021 · DVD · *****RS

"Quizás la música más apasionada que he escrito".

Robert Schumann escribiendo a Clara Wieck, marzo de 1838

La "Fantasía en Do mayor, Op.17", es una de las obras de teclado más importantes de Schumann, un esfuerzo completamente original convincente en la concepción y el diseño. Es una carta de amor en la música, la culminación de la pasión, el virtuosismo y la delicadeza. El "tema de Clara" que impregna la obra se escucha inmediatamente en las octavas descendentes de la mano derecha. La música es una mezcla intrigante de grandeza e intimidad: la declaración de apertura, un acorde de novena dominante, expresa toda la profundidad de la pasión del compositor y la música pasa de un estado de anhelo a uno de ternura tenue antes de la reafirmación de la apertura. La coda Adagio comienza con un mensaje de amor secreto para Clara: una frase citada de la última canción de "An die ferne Geliebte" de Beethoven: "Toma, entonces, estas canciones, amada, que te he cantado". Schumann originalmente compuso el primer movimiento como parte de un esfuerzo de recaudación de fondos para un monumento al genio de Bonn. Los dos movimientos restantes fueron adiciones posteriores; si la obra tiene algún defecto, es que la superioridad del primer movimiento hace que el segundo y el tercero puedan resultar bastante convencionales en comparación inicial. La Fantasía se diferencia del elenco de improvisación de un solo movimiento más habitual de la fantasía del teclado en que su forma es en realidad más cercana a la de una sonata; el primer movimiento, de hecho, probablemente se describa mejor en sí mismo como una sonata-allegro muy modificada. Aquí, Schumann convierte su defecto habitual (la sustitución de sucesivos fragmentos musicales no relacionados para el desarrollo real) en la premisa estructural. Cada sección parece expirar, sin resolver, seguida de un nuevo comienzo; sin embargo, con el elemento unificador del motivo de Beethoven, así como con la consistencia con la que cada pasaje sucesivo crece y mengua, Schumann crea una estructura única que proporciona la apariencia de unidad a pesar de la fragmentación de su contenido. Nunca pudo duplicar esta hazaña en trabajos posteriores, que tienden a estar fragmentados por diseño en pequeños movimientos o, en el caso de sus esfuerzos a gran escala, excepciones aparte, carecen de la cohesión de Fantasía. El segundo movimiento, “Me pone caliente y frío por todas partes”, escribió Clara sobre el mismo, una marcha con Trio, parece bastante anodino a pesar de su gran escala. Aún así, trasciende lo mundano por el puro brillo del material en sí. El incesante impulso rítmico de la sección principal es absolutamente convincente, mientras que los extraños ritmos cruzados del Trío dan como resultado un pasaje de excepcional belleza lírica. Sublimemente hermoso, tierno e íntimo, el tercer movimiento es una canción extendida sin palabras, con deslumbrantes desviaciones hacia las teclas remotas de A-bemol y D-bemol mayor que crean una extraordinaria sensación de tiempo suspendido. En este movimiento se puede restar importancia a la pasión, pero no se siente con menos fuerza. El largo final de Adagio es de una forma similarmente sencilla que alcanza su punto máximo en dos grandes clímax antes de la coda bastante abreviada; en el transcurso del movimiento, el tono pasa de místico a lírico a majestuoso antes de repetirse. Schumann originalmente escribió un final más largo para la Fantasía que citaba del primer movimiento, pero lo rechazó antes de su publicación a favor de la coda existente. La profundidad y la grandeza de este trabajo es tal que solo un artista de primer nivel puede esperar hacer justicia completa a sus riquezas. Casi se puede imaginar Robert y Clara se abrazaron profundamente. La coda es una declaración de éxtasis, que aumenta gradualmente en velocidad, antes de retroceder hacia Adagio para el cierre y los tres acordes de Do mayor silenciosos que son a la vez pacíficos y, sin embargo, teñidos de tristeza. La prohibición del padre de Clara a Robert para ver a su hija es en efecto la base de composición de esta bella partitura.

Civera es de los que insisten en que la esta obra es una de las Grandes Obras Maestras Románticas, y ha entendido realmente el trabajo y mucho menos ha sido capaz de darle el tipo de interpretación bravura que requiere, en una interpretación completamente suya. El tipo de interpretación imprudentemente virtuosa, emocionalmente incandescente y absolutamente individualista donde no solo toca las notas, sino que las infunde con una energía insoportable y una intensidad abrumadora, aprovechando al máximo cada acorde y título de la partitura. Va detrás, por debajo y por encima de la partitura y, como los grandes pianistas románticos, recrea la partitura como una experiencia musical y emocional totalmente convincente, de una sensibilidad asombrosa, un poder asombroso y, por supuesto, un virtuosismo demoledor. Cualquiera que ame el trabajo o simplemente tocar el piano se lo debe a sí mismo al escuchar este disco, especialmente con el sonido vívido y vibrante de la grabación en DVD y audio solo; no solo de la edición final de la obra que conocemos, sino también de un manuscrito anterior procedente de la Biblioteca Nacional De Budapest. 

Luis Suárez

"Entre todos los sonidos suena

en el multicolor sueño de la tierra

un levísimo sonido, tocado

para quien escucha en secreto"

(Fr. Schlegel)

Saint-Georges, Joseph Boulogne, Chevalier de. Symphonies Concertantes, Op.9, 10 y 11 nº1. Yury Revich, violín; Libor Jezek, violín; Pavla Honsová, viola. Czech Chamber Philarmonic Orchestra. Michael Halász, director.

NAXOS 8574306 · DDD · 64' · *****R

Grato es para culauiqer melómano el redescubrimiento de la música por Joseph Boulogne, Chevalier de Saint-Georges, un compositor y violinista afrocaribeño que llegó a París, alcanzó una celebridad moderada y se hizo conocido como Le Mozart noir o el Mozart Negro. nacido en Guadalupe en 1745 de un terrateniente y un esclavo africano. Cuando su familia se mudó a Francia en 1753, se formó como compositor, violinista y director y en deportes aristocráticos como la esgrima, una habilidad por la que obtuvo el título de Caballero. Se convirtió en uno de los músicos más destacados de París a finales del siglo XVIII y dirigió una de las mejores orquestas continentales, Le Concert des Amateurs, con la que estrenó sus conciertos para violín durante las décadas de 1770 y 1780. (Uno de sus logros como director fue encargar a Haydn que escribiera sus seis Sinfonías de París, el primer encargo extranjero del compositor). Con las obras de la década de 1770 por las que ha sido más conocido, en realidad podría haber influido en Mozart y no al revés; sus conciertos para violín y sus sinfonías concertantes, incluídas aquí tienen la calidad dulce y profusamente melódica familiar de las obras parisinas de Mozart. En estas maravillosas obras, Saint-Georges incorpora rasgos de la música de sus grandes contemporáneos en un estilo personal que sigue siendo muy francés. Cada Sinfonía consta de dos movimientos: Allegro y Rondó. Aquí muestra su experiencia escénica en las texturas esencialmente solistas que emplea; la música está llena de melodías efusivas para el primer y segundo violín solista. Saint-Georges también marca con eficacia un curso entre las texturas solistas y el ideal dialógico del sinfonismo del clasicismo; entre las melodías intercala grandes pasajes orquestales que crean un efecto de concierto. El ingenio musical y la inventiva melódica y armónica de los primeros rivalizaban con los de Mozart, pero sus acompañamientos tendían a ser más prosaicos. El virtuosismo del compositor como violinista se manifiesta en los versos solistas, que anticipan los conciertos del siglo XIX en las exigencias que imponen al solista. Utiliza paradas dobles con tanta habilidad que en algunos puntos es difícil creer que no haya dos instrumentos tocando. La actuación es ejemplar; los intérpretes marcan con éxito un rumbo de un ligero sonido francés. La Orquesta Filarmónica toca con la precisión y el fervor característicos de las principales orquestas internacionales, y los solistas clavas absolutamente las partes a solo con una seguridad y un estilo impresionantes. La excelente calidad de sonido de Naxos es equilibrada y limpia.

Luis Suárez

Ottorino Respighi. Songs. Ian Bostridge, tenor; Saskia Giorgini, piano. 

Pentatone 5186872 · 67' · DDD · ****R

Principalmente conocido por sus poemas sinfónicos ricamente descriptivos Las obras sinfónicas de Respighi son elogiadas principalmente por su exquisita orquestación, pero estas composiciones también poseen un encanto que trasciende lo meramente pintoresco. Este encanto es particularmente evidente en obras inspiradas en la música medieval y renacentista.

Nacido en 1879, Respighi estudió desde 1891 hasta 1900 en el Liceo Musicale de Bolonia. En 1900 y 1902 viajó a Rusia, donde tocó la viola en la Orquesta Imperial de San Petersburgo. Durante sus dos extensas visitas a Rusia, Respighi estudió con Rimsky-Korsakov, absorbiendo las ideas del maestro ruso con respecto al color orquestal. En 1903, Respighi se dedicó a la carrera de concertista de violin; también tocó música de cámara, y se unió al Cuarteto Mugellini de Bolonia como violista. A principios de la década de 1900, Respighi comenzó a componer música, pero sus composiciones (obras de cámara y orquestales) atrajeron en un principio poca atención. En 1908-1909, estuvo en Berlín, donde se sumergió en la cultura musical alemana. En 1913, Respighi se instaló en Roma, aceptando una cátedra de composición en el Liceo (posteriormente Conservatorio) di Santa Cecilia. Encantado por Roma, Respighi encontró inspiración en la atmósfera única de la ciudad y, en consecuencia, formuló un lenguaje musical original y personal, ejemplificado por Fontane di Roma (Fuentes de Roma), escrito en 1914-1916.

Aquí se hace una amplia selección de una de sus vertientes menos conocidas, la de su obra vocal de cámara. Aunque poco consideradas, estas composiciones, sin embargo, exudan una frescura y sinceridad únicas. La principal inspiración de las mismas viene dada por su papel de pianista acompañante a cantantes, entre ellos su esposa, Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien también fue compositora. 

Así pues, viendo su catálogo podemos ver que dedicó una cantidad significativa de energía a escribir para la voz. Esta colección de su música vocal, interpretada por el tenor Ian Bostridge y la pianista Saskia Giorgini, incluye canciones, y extractos de ciclos de canciones. La música revela que Respighi es un compositor con un don excepcional para escribir con gratitud para la voz. Estas canciones también demuestran su originalidad y la variedad de estilos en los que hablaba con fluidez. En el ciclo "Deità Silvani", escrito en 1917, escribe con una libertad armónica que contradice su reputación de conservador musical. Su don para crear melodías altísimas y apasionadamente líricas es evidente en casi todas estas selecciones. Bostridge tiene una voz grande y suntuosa que despliega con cálida expresividad, mostrándose completamente sólido en su amplio rango y puede llevar todo su peso al registro más bajo tan efectivamente como puede flotar serenamente en la parte superior. Su habilidad para colorear sutilmente su voz le permite dar a estas canciones variadas la máxima diversidad interpretativa. Giorgini aporta un acompañamiento contundente, colorido y receptivo. Asimismo nos ofrece un intermezzo instrumental interpretando el bello "Nocturno" de las "Seis Piezas para Piano, P44". El sonido es limpio y claro.

Luis Suárez 

Mieczyslaw Weinberg. Chamber Symphonies nº 2, op.147 and 4, op.153. East-West Chamber Orchestra. Rotislav Krimer, conductor. 

NAXOS · DDD · 58' · *****RS

La obra de Mieczyslaw Weinberg está comenzando lentamente a abrirse camino en el mercado internacional. Este disco combina las sinfonías de cámara Segunda y Cuarta del compositor polaco-ruso. La Segunda es una obra de tres movimientos para orquesta de cuerdas de 1987 y la Cuarta es una obra de cuatro movimientos en uno para orquesta de cuerda y clarinete de 1992. Ambas ocasionalmente obras de carácter arduo que nunca es menos que atractivo a la manera modernista soviética. La Cuarta es una obra mucho más cáustica con toques de melancolía en sus temas. Los músicos de la East-West Chamber Orchestra realizan actuaciones de gran ímpetu que hacen convincentes casos para cada pieza. Aunque esta música no es para todos, los oyentes que disfrutan de las sinfonías de cámara de Shostakovich probablemente disfrutarán de las de Weinberg, seguidor de Shostakovich que fue muy defendido por su mentor ante las pujas stalinistas, no califica del todo como olvidado, pero gran parte de su música, incluidas las sinfonías de cámara tardías grabadas aquí, ha esperado interpretaciones persuasivas. Las sinfonías de cámara no son un género en sí mismas, las tres primeras están arregladas a partir de cuartetos de cuerda anteriores de Weinberg, tal y como hizo Shostakovich, mientras que la "Sinfonía de cámara n° 4",  la última obra completa de Weinberg, es original. Es una pieza fascinante, con un triángulo que suena los trazos de la muerte que se acerca al final. Las actuaciones, dirigidas por Krimer son maravillosamente sensibles, y la ingeniería, soberbia. Si estaba pensando en pasar esto por alto porque consiste principalmente en arreglos de repertorio oscuro, bueno, los arreglos tienen sentido, y el repertorio no va a ser oscuro por mucho más tiempo. Este lanzamiento es especial de dos maneras. Primero, sigue marcando el centenario del nacimiento de Mieczyslaw Weinberg en 1919. Segundo, es la primera grabación de la East-West Chamber Orchestra; conjunto interno del Festival Internacional de Música Yuri Bashmet. Está formado por concertistas y solistas de todo el mundo. Los niveles de rendimiento son bastante altos, al igual que la calidad de los instrumentos. No es sorprendente que haya más de unos pocos Guarneris, Gaudagninis y Stradivaris. Y la música merece el esfuerzo; Weinberg tiene más dificultades para controlar sus emociones que su mentor, lo cuartetos se escribieron justo antes de la Segunda Guerra Mundial, los conciertos a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. Weinberg aporta una vida de experiencia a estos trabajos. La profundidad de expresión que ofrecen puede ser impresionante, como se puede apreciar en esta grabación y la primera tanda con la Primera y Tercera obras.

Luis Suárez

Four Visions of France. French Cello Concertos. Obras de Saint-Saëns, Faure, Lalo, Honegger. Daniel Müller-Schott, cello. Deutsches Symphonie-Orchester Berlín. Alexandre Bloch, conductor.

ORFEO 988211 · DDD · 69' · *****R

Diferentes estados de ánimo sombríos, románticos, incluso meditativos, recorren las distintas obras que incluso le da a la música un tono elegíaco, como en la legendaria pieza de Faure. Daniel Müller-Schott toma posesión de la música y da forma a las partituras bajo su control y arte, y las actuaciones se sienten únicas y profundamente personales en sus manos. Agregue a esto la grabación cercana de Orfeo y la sala receptiva pero no demasiado resonante con un sonido rico y evocador. Algunos conciertos, como el nº1 de Saint-Saëns o el de Honegger se han convertido en una parte integral del repertorio estándar y cualquier joven virtuoso que quiera hacerse un nombre inevitablemente tiene que tomarlos y grabarlos. Cabe destacar los contrastes compositivos, desde el romanticismo tardío de Lalo, mítico "one it wonder" con su aclamada "Sinfonía Española" (que resuena en este concierto casi desconocido) hasta los colores y texturas casi palpables de Honegger que combina elementos de bravura técnica exigente en toda la gama del instrumento con momentos de apasionada belleza lírica. El joven violonchelista alemán realiza una combinación magistral manejando todos los desafíos técnicos de con virtuosismo asegurado, y el algo más que acompañamiento proporcionado aquí por Alexandre Bloch, al frente de la orquesta berllinesa, es solidario con una voluntad fuerte y desafiante. 

Luis Suárez

 

Bambú Ensemble · Octeto de Cuerdas. Obras de G. Enescu, D. Shostakovich y J. Martinez Campos. 

IBS CLASSICAL 112021 · DDD · 64’ · ****R

Debut discográfico del joven conjunto, Bambú Ensemble, con asimismo tres obras juveniles; Enescu: “Octeto de Cuerdas, Op.7,” Shostakovich: “Dos Piezas para Doble Cuarteto de Cuerdas, Op.11 y la “Serenata para cuerdas” de Javier Martínez Campos. Las dos primeras obras muy significativas, aunque menos conocidas, de la música de cámara del siglo XX. Presenta al oyente el fascinante, multifacético e intrigante mundo de la música de cámara de dichos maestros, interpretada con maestría y sabiamente elegida ya que ejemplifican de muchas maneras las características sobresalientes de los compositores. Enescu refleja su desarrollo de un estilo ecléctico y posromántico a un lenguaje más rico, complejo y personal. Compuesto en 1900, el octeto exuberante, colorido y dinámico es interpretado con una sutileza, equilibrio y sentido de matices notables. Los intérpretes encuentran el color tonal exacto para evocar perfectamente las imágenes musicales policromadas del franco-rumano, también expresan impecablemente una amplia gama de estados de ánimo, desde líricamente íntimos hasta ardientemente sinfónicos. 

Shostakovich comenzó su Opus. 11, mientras componía su “Primera Sinfonía, op.10” en diciembre de 1924. Ambos movimientos son ejemplos de un joven modernista: vanguardista, picante disonante, muy rítmico, ligeramente lírico y con fuerza. Los intérpretes aportan la calidez y pasión, que a menudo se piensa que es el territorio exclusivo de los grupos rusos. Cierra el programa la “Serenata” del chelista y compositor Javier Martínez Campos (1989-), donde se puede sentir la larga identificación de conjunto con su música en la intensidad y seriedad de la ejecución brillante.

Luis Suárez

 Schubert, F. Rarities and Short Piano Works. Wojciech Waleczek, piano

NAXOS 8574135 · DDD · 69' · *****R

Aunque Franz Schubert se encuentra entre los compositores más queridos, eso no significa que todas sus obras sean igualmente conocidas o estén firmemente asentadas en el repertorio. La mayoría de su obra sinfónica, de cámara y vocal es decididamente las más interpretada y grabada, pero su música para teclado, al margen de su Sonatas, Fantasías y Miniaturas más célebres, casi se ha convertido en un área de interés especializado para pianistas y conocedores, y algo menos tocada que la música de los grandes compositores pianistas románticos, Beethoven, Chopin y/o Liszt. el pianista polaco, Wojciech Waleczek intenta corregir este desequilibrio con este álbum de reciente grabación en plena pandemia (2020) de varias piezas para piano solo, algunas grabadas por vez primera, como sus "Fugas" (1812/3), e incluyte sus dos pequeñas obras maestras, "2 Scherzi (1817)" que se programan con cierta regularidad en recitales y grabaciones, el resto del álbum es realmente un territorio desconocido con ejemplos de juvenilia, piezas breves de danza y publicaciones póstumas; sketchs de esas obras incompletas que tan a menudo Schubert olvidaba en sus cajones sin darles el alicatado final...  La interpretación de Waleczek es menos una revelación que una afirmación de la belleza y el encanto de estas piezas, que le da al programa un peso suficientemente importante, mostrando que incluso las piezas más pequeñas tienen su valor, y las de Schubert más que muchas. El estilo temprano de "esponjita" es clásico y sin pretensiones de su periodo ya exclusivamente romántico, y los matices del fraseo, las cadencias engañosas y los cambios de inesperados ya son totalmente del Schubert más maduro. La interpretación refinada de y el uso moderado del rubato contribuyen a esa ilusión, y aunque sus interpretaciones pueden ser un poco demasiado libres en la expresión, agregan una coloración romántica y expresiones tiernas que son bienvenidas. Schubert fue uno de los compositores más profundos y finos de todos los tiempos, y nadie que escuche sus interpretaciones disentiría; incluso el fragmento más pequeño produce placer.

Luis Suárez

J. I. Paderewsky. Songs and Melodies. Suite in G Major. Nocturne. Alina Adamsky, soprano. Agata Schmidt, mezzo. Capella Bydgostiensis. Mariusz Smolij, conductor.

NAXOS 8579085 · DDD · 71' · *****R

Para aquellos que hoy reconocen el nombre de Ignace Jan Paderewsky, es uno de esos virtuosos del piano de la vieja escuela. Algunas personas sabrían, más allá de eso, que fue el primer primer ministro de Polonia. Durante la mayor parte de su vida, todos, incluso los niños, sabían quién era Padrewski. Aparte de la música, Paderewski era conocido por sus esfuerzos humanitarios y considerado un líder mundial; en su calidad de primer primer ministro de una Polonia libre, fue signatario del Tratado de Versalles. El presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt una vez se refirió a Paderewski como un "inmortal moderno". Pero aún menos personas lo conocerían como compositor de otra cosa que no fuera ese pintoresco Minuet para piano Este brillante e interesante disco abarca sus desconocidas composiciones para voz y piano, trasncritas para voz y orquesta de cámara, incluyendo su temprana "Suite" inconclusa y su "Nocturno, op.16, nº4"; todas ellas primeras grabaciones mundiales. De hecho, la mayoría de estas piezas pequeñas parecen reflejar más un deseo de mostrar el poemario polaco y vender publicaciones a los intérpretes locales de la época que la personalidad de Paderewsky. Están firmemente en el idioma romántico, llenos de pasión, heroísmo y ensueño por turnos, con destellos ocasionales de ostentación. Los intépretes ciertamente comprende de dónde provienen estas piezas. Adamsky, Schmidt y Smolij las plantean de forma brillante, de una manera relajada con los pasajes más llamativos que dan como resultado escamas onduladas y adornos elegantes. Dos cantantes maravillosamente líricas que realmente captan las profundidades poéticas de los lieder. El liderazgo de Smolij es asimismo intenso, pero nunca grandilocuente, con un sonido envolvente. Los amantes de las rarezas por descubrir recibirán esta grabación con los brazos abiertos.

Luis Suárez

Ernst Von Dohnanyí, Leo Weimer. Overture. Suite, Rhapsody. Serenade. ORF Vienna Radio Symphony Orchestra. Roberto Paternostro, conductor.

Capriccio 5380 · DDD · *****R

Interesante álbum con obras de Dohnányi y Weimer, cuya gran parte de su trabajo fue subestimado durante su tiempo y ahora tiene cada vez más reconocimiento. Obras sinfónicas llenas de melodías arrolladoras, brillante orquestación y contrastes enérgicos. La interpretación asimismo es bastante sólida y convincente. Tienen un sonido que recuerda a temas bohemios, pero definitivamente se identificaría como húngaro. Es bueno ver que la música de Ernst von Dohnanyi recibe más audiencia más allá de las diversas composiciones que fueron sus tarjetas de presentación durante tantos años (especialmente "Nursery Tune Variation"s y "Ruralia Hungarica". Esta grabación, como así otras que en este mismo sello se van realizando de sus obras concertantes o para piano solo, ayudaráa a que este contemporáneo de Bela Bartòk, tenga más exposición en las paletas orquestales y de cámara. Leó Weiner era bien conocido como pedagogo musical en Hungría, Georg Solti y Antal Doráti estaban entre sus alumnos, no tanto como compositor durante los años en que el modernismo dominaba. Dado que una gama más amplia de estilos se ha vuelto aceptable, su música neorromántica, con un ligero sabor a húngaro, ha revivido. Weiner emigró, como tantos otros, a Estados Unidos ante el florecimiento de la Guerra Fría. La temprana "Serenata, op.3" aquí expuesta está absolutamente aún por descubrir para la mayoría, y ofrecen una actuación emocionante y entusiasta, aumentada por la sólida ingeniería. Encantador por su precisión y profundidad en las interpretaciones, Roberto Paternostro expone las obras con un sentido del color orquestal que parece relacionarse con los compositores franceses con un enfoque romántico sólido y conservador que formó la base de sus estilos. Su entonación es impecable y la musicalidad es interesante en todo momento. Una generación cuyos compositores conservadores fueron pasados ​​por alto en la historia de la música, sus obras, que tienden a ser brillantes y entretenidas, muestran signos de resurgimiento a principios del siglo XXI.

Luis Suárez