Franz Schubert (1797-1828). Winterreise, op. 89, D911 (1827). Ian Bostridge, tenor. Thomas Adès, piano

PENTATONE · DDD · *****RS

Schubert conocía la locura. Lo sabía hasta el fondo de su alma y lo temía. Y por su miedo escribió el mayor monumento al amor perdido, a la muerte perdida, a la locura encontrada. Escribió Die Winterreise, la obra de arte más desesperada jamás concebida por la mente desesperada del hombre. La idea de “Winterreise” de Ian Bostridge es prometedora. Sorprendentemente hay pocas grabaciones del ciclo por parte de los tenores, la voz para la que mejor se podría haber escrito originalmente. Thomas Andès al piano ejerce una gran compenetración, en lo que resulta ser una gran receta para el éxito. “Winterreise” exige un amplio rango vocal, tanto en términos de tono como de expresión y Bostridge lucha con el desafío con cambios de humor y la sensación de viaje psicológico con momentos ocasionales de "expresividad" consciente de sí mismos, vitales y verdaderos. Los pasajes suaves son ejecutados de manera íntima, y los momentos más agresivos resaltan una cualidad gutural que sin embargo no llega a las octavas dramáticas del barítono, como estamos acostumbrados, por ejemplo, como en Dietrich Fischer-Dieskau. Por su parte, Adès interpreta sin problemas, pero sin llegar del todo patetismo y la participación tormentosa que es tan central para el impacto del ciclo. La actuación está bellamente grabada, y ciertamente tiene sus momentos, y cualquiera que desee una grabación del ciclo utilizando todas las claves originales del manuscrito de Schubert debería mirar aquí primero. Pero este es un disco difícil de encasillar entre los mejores, teniendo en cuenta la cantidad de grabaciones realmente geniales de “Winterreise” que ya están en el mercado.

Luis Suárez

WEBER: SYMPHONIES AND CALRINET CONCERTOS. Joan Enric LLuna, clarinete y dirección. Berliner Camerata.

IBS CLASSICAL · 222019 · DDD · *****RS

Esta es una excelente grabación de la música para clarinete de Weber, que es atractiva por su mezcla de un lenguaje virtuoso extremo con lógica formal germánica. Es una pena que falte el “Concertino” que el propio solista menciona en el libreto y que hubiera completado la grabación de manera redonda. Weber escribió toda la música aquí para un clarinetista estrella y, escuchando el movimiento de apertura del “Concierto para clarinete nº1 en fa menor”, op. 75, especialmente, es difícil imaginar que no tuviera las hazañas de virtuosas del solista en su cabeza antes de emprender el primer compás en la partitura. Una vez que nos ponemos a escuchar la grabación de un portentoso Joan Enric Lluna, todo surge de manera fluida e inventiva, en la lógica de la forma sonata. Las cadencias sirven de puente como transiciones entre áreas temáticas. Muchos clarinetistas han abordado estas temibles obras, pero pocos han entendido esta dualidad tan bien como Lluna combinando esa comprensión con una fluidez de sonido impresionante en todo el rango del clarinete. En los movimientos centrales de los dos conciertos, Weber reduce la escritura decorativa en favor de largas líneas cantabiles líricas operísticas, y aquí Lluna, de nuevo, muestra una capacidad impresionante para extender un enunciado a largo plazo musical. El otro apartado a resaltar es el del segundo disco que se completa con las desconocidas “Sinfonías” del genio germano, y que completan una imagen casi perfecta de la música de clarinete de Weber. La dirección es fluida y con gran seguridad en una regia formación instrumental, con una interpretación consistente y  animada, dramática y colorida, y los oyentes encontrarán en ellas una agradable mezcla de estilos clásico y romántico temprano. El sonido es impresionantemente transparente es parte del éxito general de la empresa.

Luis Suárez

"La Hija de Comunista" (2017)

Premio El Ojo Crítico de Narrativa 2017, cuenta la historia de Katia, hija de un miembro del Partido Comunista de España exiliado en Berlín oriental. La protagonista, que nace allí, “sufre un profundo desarraigo, porque es alemana, criada al estilo soviético e hija de una familia con costumbres españolas”, marcada por este desarraigo y por las carencias materiales pero también por momentos de felicidad, y también su adolescencia y juventud, cuando huye por amor al lado oeste del muro, donde tampoco consigue echar raíces. La semilla de la novela la plantó el poeta Marcos Ana cuando habló a Moreno Durán sobre los pocos casos de exiliados españoles en la Alemania soviética, y después de una exhaustiva labor de investigación que llevó a la autora a visitar en dos ocasiones la capital alemana. Allí conoció a dos mujeres hijas de exiliados españoles, cuyos testimonios la ayudaron a perfilar el personaje de Katia, y buceó en varios archivos, entre ellos el de la Stasi, el servicio de inteligencia de la antigua RDA. SI has visitado, como un servido Berlín, te será más fácil recorrer la sombra de los integrantes de la novela.Se trata de una narrativa concisa, recordando lo sucedido, y comunicandonos los dialogos integrados en sus recuerdos, frases cortas y las descripciones pausadas, que aunque sean de fiestas transmiten la tristeza y soledad de la protagonista. Como la vida de la niña, camina paralelamente a la velocidad de la sociedad y la politica del estado. Quiera o no, se ve forzada a crecer bajo los ojos de sus gobernantes. Libro breve, pero concentrado, con múltiples capas de significados ocultos que lleva a leerlo a cámara lenta, captando todos los mensajes. Como decía Quevedo, mas vale concentrar muchos mensajes en pocas palabras. En la novela se habla de muros físicos, el de Berlín, pero también de otras barreras intangibles que construye la protagonista y que le impiden avanza. Política, amor, desarraigo, pérdida de la personalidad propia a uno y otro lado del muro de hormigón, resultados de una acción sobre la familia... Léanlo y se quedarán pensando como yo en estas y múltiples cuestiones. Cuesta trabajo depositarlo en la estantería.

Luis Suárez

LA GUITARRA TRIUNFANTE. RAÚL VIELA, guitarra. La Mà de Guido · 2160 · DDD · *****RS

Interesante proyecto de la historia de la guitarra clásica como instrumento de concierto, con plenos derechos en la música clásica, desde los inicios renacentistas de la mano de laúd y la vihuela hasta su consolidación total en el Siglo XX. Basado en cuatro apartados de estudio y exhibición claramente descritos en su definición: “Una guitarra en la historia”, “Guitarristas compositores”, “La guitarra como inspiración” y “Compositores no guitarristas”, cubren mínimamente los aspectos más destacados del repertorio de guitarra clásica, escrita específicamente para el instrumento o transcrita para ella. Una ventaja de este conjunto sobre otros en la serie es que no hay extractos de extractos (es decir, movimientos parciales de sonatas y conciertos); aquí solo se encuentran movimientos completos y obras completas, como las admirables “Sonatas” de Joan Manén y Antonio José. Dos cimas de la literatura guitarrística del siglo XX, escritas para otros dos grandes del instrumento, como fueron Andrés Segovia y Regino Saenz de la Maza, respectivamente. Viela tampoco nos atiborra, como tantos otros proyectos, con obras archiconocidas, sino con compositores más conocidos por los guitarristas, musicólogos y melómanos que por el público en general. El sonido es excelente y se presenta como un trabajo que sabe a poco realmente, no por la calidad de interpretación y selección, que es impecable, sino por la duración que deja con ansiedad de querer más. Sin duda es una opción recomendada para cualquiera que quiera aprender más sobre la guitarra en música clásica, así como el principio de un estudio más grande; una primera semilla. La interpretación es realmente lo mejor del disco. Un sonido brillante, lleno de matices y transparencias sutiles, dotado de una gran musicalidad. La brillantez del intérprete hace que el deseo sea de escucharle en directo, con un acústica similar a la presentada en la grabación y constatar realmente que lo que hemos escuchado aquí es real.

Luis Suárez

BRUNETTI, FRANCISCO y GAETANO, y JOSÉ LIDÓN. AT THE SPANISH ROYAL CHAMBER. La Tempestad. Eugenia Boix, soprano. Karim Farhan, tenor. Guillermo Turina, Violonchelo. Silvia Márquez Chulilla, dirección. IBS CLASSICAL · 202019 · DDD · *****RS

Al igual que otros trabajos de recuperación del patrimonio musical español injustamente olvidado en los arcones de palacio, esta nueva y más que meritoria grabación del grupo historicista “La Tempestad”, comienza con una fanfarria y termina con un suspiro melancólico de labor necesaria y bien realizada. Al alcanzar sus altos estándares habituales, el grupo ha creado un retrato musical elogioso y variado del paréntesis que abarca los reinados de Carlos IV y Fernando VII. Las ricas voces de soprano de Eugenia Boix y el tenor Karim Farham, llevan más de la mitad de las piezas del disco. Sus impresionantes vibratos y sus ritmos impecables hacen vibrar al oyente ante la calidad de las obras expuestas y hasta ahora desaparecidas, labor de una gran investigación musicológica. Lo que Mozart hizo para el concierto para piano y orquesta, autores contemporáneos de la talla de Boccherinni o Francisco Bruntetti lo dejaron expuesto en sus trabajos. La obra aquí expuesta está llena de elegantes melodías líricas; ritmos ligeramente bailables; y acompañamientos de colores brillantes. El tono de Guillermo Turina es brillante, su técnica virtuosa. Márquez Chulilla muestra un gusto inquebrantable tanto en sus selecciones de compositores, obteniendo lo mejor de ellos. Es un trabajo tan infeccioso que parece terminar prematuramente, dejando al oyente ansiando más. Las actuaciones se basan en una investigación académica exhaustiva, pero son variadas, vitales y entusiastas, destinadas a audiencias de conciertos en lugar de reuniones académicas. La calidad del sonido es limpia y discreta.

Luis Suárez

GABRIELA MONTERO Y MAURICE RAVEL. CONCIERTOS PARA PIANO Y ORQUESTA; Nº1 “LATIN CONERTO” Y EN SOL. The Orchestra of Americas. Gabriela Montero, piano. Carlos Miguel Prieto, dirección.

ORCHID CLASSICS · DDD ·  * * * **SR

Dos aspectos de la musicalidad de la pianista Gabriela Montero se presentan en este lanzamiento en su papel de intérprete virtuosa, y compositora en ciernes. Al tocar su propio “Concierto para piano nº1 Latino”, y el “Concierto en Sol” de Ravel, Montero maneja sus dificultades técnicas y expresiones apasionadas con facilidad. En su propia obra aparece evocando nostalgia y pérdida por su exilio y recuerdos melancólicos. La mayoría de los momentos musicales están relacionados con formas populares de baile, como el Mambo, y Montero las toca con dinamismo cinético. Tendría que ser un bailarín virtuoso para mantenerse al día con la fluidez de los tempos de Montero, música animada por la alegría de los cuerpos en movimiento, resaltando la “fisicalidad” visceral de la música. Sus propias inspiraciones están claramente enraizadas en la música de su cultura venezolana, pero son frescas e inventivas, no meramente imitaciones de música de otra época. La orquestación es rica en colores y matices y Carlos Miguel Prieto hace una labor encomiable con la formación.

También cabe destacar el enfoque jazzístico de Montero para enlazar con la segunda obra en cartel, como es el citado “Concierto en Sol” de Ravel, donde muestra una gran sensibilidad y respeto por la partitura original. El tempo lento de Montero es increíblemente hermoso, en particular en el célebre segundo movimiento.

Luis Suárez

CANTOS ISLEÑOS. Orquesta y Coro Sinfónico de Las Palmas. Rafael Sánchez-Araña, dirección.

IBS CLASSICAL · 40' · 212019 · DDD ·  * * * **

Conmemorando los 20 años de historia de la moderna Orquesta Sinfónica de Las Palmas de Gran Canaria, dicha formación nos ofrece una selección de ritmos y melodías canarias, isla a isla, paisaje a paisaje. Basado en arreglos para orquesta sinfónica, coro y diversos solistas de canciones tradicionales y de autores de música folk y popular, como Néstor Álamo, José A. Ramos o Manuel Mellán, es un buen ejemplo de la excelente combinación de instrumentos tradicionales como el timple (interpretado por Benito Cabrera, que hace un excepcional folleto adjunto, o Germán López), o las maracas con un conjunto contemporáno de salas de concierto. Los arreglos, de Peter Hope, Manuel Bonino, Eduardo Puños Armas o el propio directo, Rafael Sánchez-Araña, también son muy notables en una perfecta simbiosis entre lo popular y lo intelectual. Se inspira a todo momento el alma canaria, como ya hiciesen otros compositores canarios y extranjeros del aroma isleños, como Teobaldo Power o Ernesto Lecuona, por citra celebridades. Un nacionalismo brillante, envuelto en un amplio contexto de raíces y diversidad en las “islas afortunadas”, dando el toque venezolano al final, como la inmortal “Alma Llanera”. Esto es fuego y filigrana en un idioma que es una de las supervivencias más sorprendentes en adaptación a la nueva música de baile mundial. Unos cuarenta escasos minutos de auténtico goce musical.

Luis Suárez

LA SEDUZIONE. VERDI SONGS. Camen Solís, soprano. Rubén Fernández Aguirre, piano.  

IBS · 192019 · **** S

Selección de una lista de canciones verdianas para voz y piano. No están todas las que son pero si todas las que están. Como el nombre de la publicación podría sugerir (o seducir), algunas de estas canciones son parte del Romanze Sei de 1838. Algunos de los otros son trabajos juveniles, pero otros abarcan toda la carrera de Verdi. Se muestran en versión original, simplemente para voz y piano. Bien se podría haber hecho una integral de este apartado productivo, que no es muy abundante, pero si lo suficientemente importante como para no o ser ignorado. Las canciones son lo suficientemente agradables para escuchar, reconociblemente en su estilo peculiar del compositor, incluso para el oyente casual en la forma en que ponen un punto dramático agudo, especialmente en los casos de las canciones anteriores, melodías bastante simples. Las notas del folleto, Jon Paul Laka, aclaran mucho sobre los orígenes de estas canciones, que caen en una tradición menor cultivada por la mayoría de los compositores de ópera italianos, como Donizetti o Rossini. Carme Solís se exige de una gran precisión en la compresión de sus gestos operísticos hasta las dimensiones de la cámara, emergiendo como un destacado con sus tonos meditativos y redondeados; combina un rango medio rico y suave con una parte superior brillante y vanguardista en la que puede explotar convincentemente de emoción. Todo ello abre el apetito por escuchar el disco. La selección está dispuesta para encajar juntos como en una sucesión natural de escenas poéticas, no por ello por orden cronológico y cada una exponiendo una nueva faceta de la voz de Solís, siempre arropada por un piano de Rubén Fernández Aguirre preciso y cuidado.

Luis Suárez